Pour de trop nombreuses mauvaises raisons, l’article est resté là, en souffrance d’achèvement, béant comme la bouche muette de qui ne trouve plus ses mots, depuis le crépuscule de juin – j’avais pourtant bon espoir de déployer les détails des dix-huit spectacles proposés avant l’ouverture de la billetterie, le 1er juillet dernier. Les circonstances en ont décidé autrement, qui me tiennent même éloignée de Sarlat pour la première semaine de festivités. J'avais cependant commencé de méditer sur quelques aspects frappants de la programmation, dont vous n'ignorerez plus rien en consultant cette page. Et je m'apprêtais à effeuiller les soirées l'une après l'autre, au gré des petits "plus" dont Jean-Paul Tribout avait enrichi chacune de ses présentations lorsque nous nous étions rencontrés, le 5 juin – mais mon élan s'est arrêté net et, avant que je reprenne le fil de cet article que je ne voulais pas laissé rompu malgré la quasi-fin du mois de juillet...

Il y a eu Nice. Puis ces trois jours de deuil national, qui s'achèvent en même temps que débute le Festival. Et l'acmé de ces journées en crêpe noir, la minute de silence nationale observée aujourd'hui 18 juillet à midi, qui aura coïncidé avec la fin de la première "Rencontre de Plamon" de cette année.

Déjà, à de petits indices, j'avais bien senti que cette 65e édition portait, profonde, la marque des attentats de novembre 2015, de janvier 2016, et de ces atteintes répétées, à travers le monde, à la dignité humaine. Ainsi Jean-Paul Tribout avait-il, pour la première fois depuis qu'il m'accorde le privilège de l'interview annuelle, souligné lui-même quelques "fils rouges thématiques" liant certains spectacles – par exemple la question de la condition féminine, ou celle des altérophobies de toutes sortes... – tandis que, jusqu'alors, il avait eu plutôt tendance à tempérer sa responsabilité de directeur artistique dans ces "résonances de fond" perçues par les spectateurs et à mettre leur surgissement sur le compte de conjonctions opportunes nées davantage des inévitables compromis entre contraintes et disponibilités que d'une volonté délibérée de rendre voisines certaines pièces...

Et puis ce constat, aussi, qu'il n'y avait pas a priori de spectacle témoignant d'une trop perturbante radicalité dramatique – comme si l'âpreté du monde bouleversé dans lequel nous évoluons en ce moment exigeait que fût laissé aux spectateurs un minimum de "confort théâtral", afin que puisse s'épanouir pleinement une réflexion sur les problèmes essentiels que ne manqueront pas de susciter des spectacles comme Le monde d'hier de Sefan Zweig (19 juillet), Les Pieds tanqués de Philippe Chuyen (21 juillet), Retour à Reims, d'après Didier Eribon (23 juillet), Tabou, de Laurence Février, où l'on entend la plaidoirie de Gisèle Halimi (28 juillet), Et pendant ce temps, Simone veille, de Corinne Berron, Hélène Serres, Vanina Sicurani, Bonbon et Trinidad (1er août)... Sans oublier Swing Heil de Romuald Borys (25 juillet), L'Homme dans le plafond, de Timothy Daly (26 juillet) ni Adolf Cohen, de Jean-Loup Horwitz (31 juillet, 2e partie de la Journée des auteurs).

Enveloppant subtilement ces pièces d'une gravité fondamentale que certaines néanmoins drapent d'un voile d'humour, des spectacles pour rire et seulement pour rire – Le Voyage de monsieur Perrichon, d'Eugène Labiche (24 juillet), Un fil à la patte, de Georges Feydeau (3 août) ou pour rêver – L'île sans nom de Johanna Gallard (27 juillet).

Ce jeudi 18 juillet, c'est Philippe Torreton qui ouvre le festival – un comédien dont on connaît la voix puissante et les engagements affirmés, une envergure à lui seul qui, de plus, partage la scène avec Edward Perraud, un percussionniste de très grande renommée. Le spectacle s'intitule... Mec! et a été écrit d'après des textes d'Allain Leprest (1954-2011). Nul doute que ça va claquer...Je m'étais dit, en commençant d'écrire cet article il y a presque un mois, que ça ne manquait pas de sel d'ouvrir un festival où en effet la condition des femmes est bien présente par un spectacle 100% "mec". Mais aujourd'hui cette considération me paraît bien futile.

Pour avoir, par le passé, vu différentes militances s'inviter au Festival avec art, à-propos et force néanmoins – notamment les intermittents, en 2014, qui ont réussi à instruire les spectateurs de leurs difficultés, à les convaincre du bien-fondé de leurs revendications sans jamais interrompre ou perturber une représentation – je sais que le 65e Festival des jeux du théâtre sera un de ces remparts contre la barbarie que seuls peuvent dresser les arts et la culture car ce sont eux, et tout ce qu'ils tiennent sous leur ailes, qui fondent notre humanité. En allant au théâtre, en écoutant de la musique, en contemplant un tableau, en lisant un livre, on est bien plus droit, et debout face à la barbarie qu'en prêtant allégeance à l'un ou l'autre de ces aboyeurs et attiseurs de haine qui, hélas, ne manquent pas de se réveiller à l'odeur du feu et du sang..

Non, aller au spectacle, à Sarlat ou ailleurs, ne relève pas du déni de réalité et ce n'est certes pas reléguer les victimes dans l'arrière-fond de ses pensées: c'est au contraire s'affirmer en tant qu'être humain, compatir dignement en refusant de moutonner dans la haine et l'invective.

Il ne reste pas grand-chose de pertinent, aujourd'hui, dans ce que m'avait inspiré le programme et la couverture du livret imprimé. Pourtant... après avoir longtemps hésité, je laisse en place ces prémices échouées là: il y est question de Shakespeare.

La première surprise que j'ai éprouvée en feuilletant le programme est de constater qu’il n’était pas là… malgré l’illustration, on ne peut plus allusive, qui orne la couverture du fascicule. Alors qu'on commémore le 400e anniversaire de sa disparition, il n’y a pas à l’affiche l’ombre d’une présence shakespearienne, pas même sous la forme d’une (presque) adaptation ou d’un hommage à la manière, par exemple, de l’étonnant Hamlet 60, mis en scène par Philippe Mangenot, que l’on a vu en 2014… Il ne faut voir là nulle intention de se montrer rétif au courant dominant, à "ce-qui-se-fait-partout", non, la raison de cette absence est toute simple; elle est inhérente aux facteurs qui contraignent la programmation sarladaise: «Je n’ai vu aucune pièce de Shakespeare qui aurait été susceptible de venir à Sarlat cette année, et personne ne m’en a signalé que j’aurais pu inviter», m’explique Jean-Paul Tribout. Mais, au fond, sa célébration ne peut-elle tenir dans cette seule manifestation purement graphique? Par le truchement d'une couronne, d'un crâne, d'une nuit étoilée il est immédiatement évoqué en renvoyant à ses œuvres les plus connues; il est ainsi établi en figure tutélaire de tout le festival. Cet habile travail d'illustration, éloquent au premier regard, montre combien William Shakespeare est devenu emblématique du théâtre occidental. Et témoigner aussi simplement de cette imprégnation culturelle, par une sorte de clin d'oeil de connivence, est peut-être, en définitive, une révérence plus profonde adressée au «Grand Will» que de banalement programmer l'une ou l'autre de ses pièces. j'ajouterai, enfin, que cet hommage subtil est en fraternité avec les nombreux spectres qui hantent son œuvre...

Molière en revanche – lui dont je pensais, avant de me replonger dans les anciens programmes qui ont in fine démenti cette conviction, qu’il formait avec Shakespeare un duo d’invités permanents au Festival – est bien présent, à travers deux de ses pièces les plus fameuses (L’École des femmes, le 20 juillet et Les Fourberies de Scapin le 2 août) et, peut-être, les plus jouées, lui dont on ne célèbre rien cette année mais qui n’a nul besoin de commémoration d’aucune sorte pour tenir continument son éminente place dans notre culture.

Les Cavaliers, roman épique et lyrique devenu au théâtre un spectacle envoûtant, a amené à Plamon le matin de la représentation Éric Bouvron, le metteur en scène, et Grégori Baquet, l'un des quatre interprètes puis, le lendemain, aux côtés d'Éric Bouvron, Maïa Gueritte et Khalid K. Suivent des transcriptions établies d'après les échanges enregistrés les 30 et 31 juillet lors des rencontres matinales...

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GENÈSE DU SPECTACLE Comme point-origine, un livre reçu en cadeau qui a tout de suite flatté chez Éric Bouvron son inclination à voyager. D'une grande curiosité pour toutes les cultures ‒ qui lui vient peut-être d'un polyculturalisme biographique: de père français, de mère grecque, il a grandi en Afrique du Sud et a parlé anglais avant de s’initier au français ‒, il chausse aussi souvent qu'il le peut des «semelles de vent» et glisse dans ses spectacles les plus précieuses chamarrures qu'il ramène de ses pérégrinations...

Éric Bouvron: Pour avoir grandi en Afrique du Sud, j’ai toujours été fasciné par les voyages, les rencontres avec les peuples: j’aime vivre des choses humainement et ensuite les transmettre en racontant des histoires. D’où l’idée de créer des spectacles autour d’autres cultures que la mienne, par exemple celle des Bushmen, ou des Inuits. Pour ces créations, je me suis rendu auprès de ces gens pour m’imprégner de leurs coutumes, de leur langue, de leur religion, etc. Ainsi, quand il s’agit de transmettre au spectateur quelque chose de ces peuples je sais de quoi je parle. Quand je suis revenu de chez les Inuits, Thibaut – mon producteur qui est aussi un ami – m’a demandé où je comptais aller. J’ai répondu «là où personne n’oserait aller», et à cette époque on ne parlait que de l’Afghanistan. Alors je me suis dit que j’allais me rendre en Afghanistan et écrire une histoire autour de ce pays. Mais j’ai l’habitude d’écrire des choses plutôt comiques, et je me demandais bien comment j’allais pouvoir écrire quelque chose de comique à propos de l’Afghanistan… puis Thibaut m’a offert Les Cavaliers dont il m’a dit que c’était son livre préféré. Je ne savais pas qui était Joseph Kessel, de plus le français n’est pas ma langue maternelle, mais je me suis plongé dans ce livre et tout ce que je découvrais me touchait beaucoup. Alors j’ai pensé que c’était cette histoire-là que j’allais raconter. Sans savoir vraiment où j’allais… et si j’avais eu la moindre idée de la difficulté, jamais je ne me serais lancé là-dedans – je peux dire que c’est grâce à ma naïveté que je suis allé au bout de ce projet. Comme j’avais besoin de voyager, on a décidé, avec Grégori, d’aller en Afghanistan. Or, le pays dont parle Kessel – l’Afghanistan des années cinquante-soixante – est un pays qui n’existe plus. Alors nous sommes allés en Ouzbékistan, qui est juste à côté, et dont les coutumes, les usages, sont proches de ce qu’ils étaient en Afghanistan au temps où Kessel l’évoque. Nous avons séjourné là-bas, dans les steppes, pour nous imprégner de toutes ces couleurs qu’on a ramenées avec nous afin de nourrir le spectacle.

Grégori Baquet: L’aventure a démarré il y a trois, quatre ans, en Avignon – Éric jouait un seul en scène, moi aussi… nous nous sommes appréciés mutuellement et nous avons pensé que ce serait bien de travailler ensemble. Éric était justement en train d’écrire quelque chose à propos d’un roman que lui avait fait découvrir celui qui allait être notre futur producteur, qui était Les Cavaliers. À l’époque il avait jeté sur le papier une trentaine de lignes, il me les a fait lire, et nous avons décidé de continuer… Éric a donc poursuivi ce qu’il avait commencé, et ça a donné une adaptation remarquable surtout de la part de quelqu’un dont le français n’est pas la langue maternelle. Ça a d’abord été un spectacle à deux comédiens, puis on est passé à une version à sept et, en définitive, au cours du travail, on s’est retrouvés à trois, puis à quatre, et c’est cette version à quatre que nous vous présentons. C’est le roman qui nous a indiqué cette voie – un roman de quelque six cents pages dont nous avons fait un spectacle d’une heure et demie…

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KHALID K., PLASTICIEN DES SONS

Avant d’assister à la représentation des Cavaliers, je ne savais rien de Khalid K. en dehors de l’admiration que lui témoignaient ceux qui le connaissaient. Aux Enfeus, je découvris de fabuleux modelages sonores que je n’imaginais pas pouvoir être produits en dehors d’un studio et que je voyais là créés sur scène, dans le temps de la représentation. J’écris à dessein «voyais» car Khalid K. joue ses créations sonores comme un personnage du drame et sa gestuelle, ses postures interagissent constamment avec le jeu des trois autres comédiens. Depuis les chants jusqu’aux plus infimes bruitages, que les sons soient conservés dans la simplicité de leur première émission ou bien brodés d’échos, longuement prolongés, dupliqués, modulés, distordus… Khalid K. fabrique en direct, sur le plateau, au fur et à mesure que coule l'histoire, l’univers sonore dans son entier.. Le lendemain, à Plamon, il évoqua son parcours dans une sorte d’élan calme, d’une voix fluente, sereine et libre, dont on aurait pu dire qu’elle rayonnait… Comme lui d’ailleurs, de toute sa présence. Il se montra aussi d’une grande générosité artistique: venu avec le micro et la télécommande aux 60 fonctions dont il s’était servi pendant le spectacle, il les raccorda à un ordinateur, qu’il brancha aux baffles équipant la petite salle, procéda enfin à quelques réglages avant que soit donné le signal d’ouverture de la rencontre. Tout le temps qu’il parla, il ponctua ses propos de jeux vocaux qu’il étoffa de modulations électroniques puis, quand les échanges s’engagèrent avec les spectateurs, il continua du jouer avec les sons de manière impromptue: cédant de temps à autre son micro – mais pas sa télécommande ‒, il fit naître à tout moment, au prix de discrets ajustements, des sonorités étranges, ourlant soudain une réplique d’échos perpétués jusqu’à l’effacement ou bien dupliquant longuement un simple mot capté au hasard – «bonjour… bonjour… bonjour…». L’on acheva de prendre la mesure de cette générosité quand, à la fin de la rencontre, il nous offrit un magnifique solo vocal, un morceau d'opéra improvisé de presque trois minutes…

Khalid K.: Pendant le spectacle, l’univers sonore c’est juste ça: un micro, une télécommande, et un ordinateur ultrasophistiqué équipé d’un logiciel lui aussi sophistiqué et avec lequel je travaille depuis très longtemps. J’ai dit aux techniciens de brancher les machines mais qu’ensuite ils n’auraient plus rien à faire: je suis ma propre régie son! Quand j’étais plus jeune, j’étais très timide, un peu autiste, et je me baladais toujours avec des écouteurs, des enregistreurs, je captais tous les bruits qui m’entouraient – avant même de travailler la voix j’ai utilisé des machines. J’ai d’abord été électricien de théâtre: j’ai donc côtoyé beaucoup de comédiens, de metteurs en scène, assisté à de très nombreuses répétitions, et ce monde du spectacle me fascinait, en particulier les acteurs: je ne comprenais pas comment ils pouvaient être «bien» dans des situations impossibles, pleurer sur scène, etc. Alors que je moi je sentais des milliards de choses à exprimer mais ça restait bloqué à l’intérieur – j’avais toujours mal à la gorge, des migraines… et j’imaginais qu’à travers le théâtre, il y aurait peut-être une solution à ce besoin de dire. J’ai commencé à faire des bandes son pour des compagnies de théâtre, je me suis rapproché des acteurs – je demandais aux metteurs en scène de rester avec les comédiens lors des séances de training, et cela m’a amené dans des situations où il fallait raconter des histoires. Et moi, en tant que musicien-technicien, j’étais complètement tétanisé. J’ai quand même réussi à passer le cap, à faire des exercices de mémoire sensorielle, d’expression des émotions – la tristesse, la joie… alors qu’auparavant, je ne parvenais à montrer aucune émotion, c’était comme une ligne continue – extérieurement, j’étais linéaire, ni triste, ni joyeux… mais à l’intérieur il se passait beaucoup de choses. Au travers de toutes ces expériences j’ai réussi à libérer ma respiration, ma voix… À partir de ce moment-là j’ai rangé toutes mes machines, et pendant des années j’ai juste travaillé la voix. Dans tous les sens possibles et imaginables, sans limites puisque je n’avais pas de professeur, ni de règles – c’étaient juste des fantasmes d’expression. Une fois atteint un niveau vocal complètement délirant, j’ai ressorti mes machines. Et maintenant ça fait quinze ans que je travaille avec des machines. Maintenant, je me produis seul sur scène, où je suis parvenu à me créer un espace de liberté. J'ai commencé à faire des premières parties, avec Manu Dibango, ou Le Quatuor... C'était de l’improvisation et souvent, cinq minutes avant de monter sur scène je ne savais pas du tout ce que j’allais faire. La seule contrainte que j’avais était d’être présent. Quand Éric m'a vu faire de la musique en totale liberté, il s'est dit que réunir cet univers musical et une pièce de théâtre, ça pourrait donner quelque chose d'extraordinaire... Pour Les Cavaliers, j'ai proposé juste ça: être présent, et improviser. On a commencé par de l’improvisation et de séance en séance les improvisations se sont fixées. Sur la fabrication d’un spectacle comme celui-ci, c’est plutôt la sensation qui imprime des couleurs – je préfère parler de «couleurs» – et au fil des répétitions, les couleurs, les thèmes, s'installent. Pour les chants, ce sont des modes vocaux, donc qui correspondent à des états de corps constants mais les phrases elles-mêmes sont improvisées. Éric Bouvron: Ici, le roi, c’est Joseph Kessel. On essaie juste de raconter l’histoire qu’il a écrite et le travail des comédiens, les lumières, les costumes, etc. sont juste là pour la raconter au mieux. Le rôle de Khalid, dans cette création, c’est d’amener des «couleurs» comme il dit, d’aller encore plus loin que le texte dans l’évocation des situations de l’histoire. On essaie d’utiliser le moins d'effets possible; ce sont les artistes qui sont un peu tout – le décor, etc. J'ai dit à Khalid: «Je ne veux pas du tout que tu sois un musicien dans un coin qui crée une ambiance, je voudrais que tu sois l’extension du jeu et de l’émotion.» Par exemple, quand on coupe la jambe d’Ouroz, il hurle et ça se transforme en chant derrière, à la limite du chant lyrique et ça permet que l’émotion du spectateur se prolonge au-delà du moment de l’amputation. Pour moi, il fallait que Khalid ait l’entière liberté de se déplacer dans l’espace, je le voyais comme un coryphée: il est partout, et nulle part. Il est libre de se déplacer et peu à peu au fil des répétitions, son jeu s’est fixé. Khalid n’est pas un comédien à qui on donne des directives, c’est un artiste qu’il faut laisser libre dans le vent et c’est comme ça qu’il a ce jeu naturel, organique.

[question d'un spectateur:] Quand vous chantez, quand vous reproduisez l'appel du muezzin, en quelle langue est-ce? Khalid K.: Comme je vous le disais tout à l’heure, j’ai longtemps été dans un mutisme quasi autistique; j’avais énormément de mal à m’exprimer et du coup j’écoutais beaucoup la radio, tous les chants du monde, et pour me libérer j’ai commencé à imiter les sons des langues, juste les sons, sans chercher à reproduire des mots. En écoutant toutes ces langues, j’entendais autre chose que ce qui est compréhensible: la vibration du corps, l’émotion… l’information, dans le langage des êtres, elle n’est faite que de ça, et sans comprendre la langue, on entend ce langage du corps. Peu importe la langue, ce qui compte c’est l’attitude, la justesse sonore par rapport à un état émotionnel et à ce qu’une langue étrangère peut donner à entendre. Dans Les Cavaliers, le chant du muezzin c’est un jeu phonétique et musical, une suite de vocalises fondées sur des sonorités qui ne correspondent à aucun mot, mais ce n’est pas de la caricature. En fait de langue, je n’en parle qu’une seule, c’est le français – un peu l’anglais… Mais ce qui me passionne véritablement, c’est la multiplicité des modes d’expression des êtres humains.

[question d'un spectateur:] Les pulsations qu’on entend au début, avant que le spectacle commence, qu’on retrouve à la fin, et qui ne reproduisent pas le rythme cardiaque ont-elles une signification particulière?

Khalid K.: Il a été assez vite question de créer un climat pour l’entrée du public. J'ai essayé quelque chose de tranquille, simplement un état… Et c’est venu comme ça… Comme ces pulsations sont une couleur qui revient plus tard pour l'entrée d'un personnage, on les a gardées. J’aime bien créer des ambiances pour changer l’espace – par exemple si je fais ça [à l’appui de ses explications, Khalid lance quelques claquements de langue qu’il module avec sa télécommande, démultiplie et transforme en échos; tout d’un coup la petite salle de Plamon, pleine à craquer, se met à résonner comme une vaste caverne vide…] tout de suite l'espace est modifié… Éric Bouvron : Au théâtre, je pense que les artistes, les organisateurs, doivent prendre le spectateur qui arrive par la main et, à la fin, le conduire vers la sortie aussi par la main. On est dans un lieu rituel, un lieu sacré, où le spectateur doit se sentir prêt à recevoir, et notre rôle d’artiste c’est de donner au spectateur. Dès que vous entrez dans le lieu de représentation, il y a le son, et il y a l’image – on oublie trop souvent combien les sons, les bruits suscitent des images: un son c’est tout de suite magique,d'où son importance au moment de l'accueil, qui est un moment crucial. Je me demande souvent si on peut toujours comprendre tout ce que la musique nous donne, ou si elle nous met juste dans certains états… par exemple, quand je n’arrive pas à dormir, je mets de la musique – du pop, du classique, peu importe, et ça m’apaise… je crois que la musique nous donne des sensations, pas des compréhensions… Ce sont nos expériences dans la vie qui nous donnent la compréhension: le cerveau emmagasine ces informations et les réutilise. Mais il y a une partie de nous qui n’a pas besoin de comprendre, juste de recevoir. Par exemple, quand j'amène un tabouret, et que le spectateur voit un tabouret mais en même temps pense «c’est un cheval», ce n'est pas de l'ordre de la compréhension... Mais c'est une manière, pour moi, de lui rappeler qu'il est au théâtre. Si j’avais un dernier mot à dire, ce qui m’inspire dans ce type de travail, d’utilisation des objets, c'est le comportement des enfants: lorsque j’anime des ateliers dans des écoles, tout ce dont on dispose c’est la table de l’endroit, et les chaises. Et en moins de deux minutes, les gamins les transforment en taxi, en camion, en avion… simplement parce qu’ils y croient. Et c’est ça notre métier, au théâtre: vous faire croire.

[Fin de l'intempestifentracte, long, long, long... La main sur l'image reste figée en son suspense, mais la mienne peut reprendre son geste et continuer le dévoilement...]

Dimanche 26 juillet. 21h30, place de la Liberté. La Vénus à la fourrure, de David Ives. Mise en scène de Jérémie Lippmann. Jean-Paul Tribout: Attention, ce n’est pas une adaptation du roman de Sacher-Masoch, c’est une vraie pièce de théâtre, écrite par un auteur américain, qui raconte les aventures d’un metteur en scène new-yorkais en train de monter une pièce intitulée La Vénus à la fourrure et qui est en quête d’une comédienne pour incarner Wanda. Il passe donc des auditions, mais en vain et, au moment où tout semble terminé, survient une actrice qui, après avoir passé son audition avec succès, va s’imposer comme la dominatrice. On retrouve alors le même ordre de rapports dominante/dominé que dans le roman de Sacher-Masoch. Roman Polanski a tourné récemment un film d’après cette même pièce, que je trouve très réussi, et de ce fait, je craignais un peu d’être déçu quand je suis allé voir le spectacle. Eh bien je n’ai pas été déçu du tout, au contraire! Marie Gillain est une Wanda magnifique, et son partenaire, Nicolas Briançon – encore un habitué du festival… ‒ est tout aussi excellent. Quant au metteur en scène, qui est de la jeune génération – il a moins de 40 ans – il a créé un très beau dispositif scénique, mais qui risque d’être difficile à adapter au plein air car on est censé se trouver dans un théâtre vide… de toute façon, quels que soient les changements apportés, il restera la pièce, et les comédiens… d’ailleurs, le spectacle a obtenu le Molière du théâtre privé, et Marie Guillain le Molière de la comédienne dans un spectacle de théâtre privé. On a donc quelques gages de qualité… et comme ils vont jouer au festival d’Anjou avant de venir à Sarlat, peut-être qu’ils arriveront avec un trophée de plus…

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Lundi 27 juillet. 21 heures, abbaye Sainte-Claire. La Leçon, d’Eugène Ionesco. Mise en scène de Marcel Cuvelier. Jean-Paul Tribout: Alors là on est face à un monument du théâtre… son auteur est une star, et cette pièce, qui a été créée en 1951, est toujours représentée depuis, dans sa mise en scène d’origine qui plus est, signée Marcel Cuvelier – qui nous a quittés cet hiver après une belle carrière de comédien et de metteur en scène. Je ne sais pas exactement combien il y aura eu de représentations ce 27 juillet mais le jour où j’ai appelé le théâtre de La Huchette pendant que je faisais la programmation, on m’a dit qu’ils en étaient à la dix-sept mille trois cent vingt-huitième (17 328e)… évidemment au fil des années, si la mise en scène reste celle de Marcel Cuvelier, la distribution change… Jean-Marie Sirgue – qu’on a vu à Sarlat dans Rhinocéros, dans Les Konkasseurs de kakao puis l’an dernier dans Le Mariage de Figaro – vient de reprendre le rôle du professeur et il est vraiment formidable! Marie Cuvelier, la fille de Marcel Cuvelier, qui reprend donc la mise en cène de son père, interprète la bonne, quant à l’élève, Émilie Chevrillon, c’est une comédienne que je connais bien et qui a beaucoup travaillé avec Laurent Terzieff.

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Mardi 28 juillet. 21h45, jardin des Enfeus. Le Serment d’Hippocrate, de Louis Calaferte. Mise en scène de Patrick Pelloquet. Jean-Paul Tribout: Voila la pièce la plus drôle du festival! Patrick Pelloquet, le metteur en scène, dirige le Théâtre régional des pays de la Loire – confirmation qu’à Sarlat on est bien en dehors d’un parisianisme restrictif… Et il est aussi un fidèle du festival. Il a déjà monté plusieurs textes de Calaferte, car c’est un auteur qu’il aime particulièrement. J'ai vu celui-ci l’an dernier à Avignon, et il est d’une drôlerie totale. L’histoire est celle d’une réunion de famille à l’occasion d’un repas dominical, pendant laquelle Bon Maman, qui est septuagénaire, fait un malaise. Tout le monde s’affole, et on décide d’appeler le médecin; celui-ci arrive, ausculte, diagnostique, prescrit, et s’en va. Puis vient un second médecin, qui dit être «le bon» tandis que le premier n’est pas vraiment habilité à exercer, et pose un diagnostic différent. On sait que l’un des deux ment, mais on ne sait pas lequel… Sont alors questionnés les rapports que l’on a avec les «hommes de l’art», qui savent des choses que nous ignorons et qui, ayant le savoir, ont théoriquement le pouvoir. Est montré aussi comment, quels que soient l’âge, la condition sociale, etc. on devient dépendant du médecin quand on est en situation d’angoisse face à la maladie, la sienne ou celle des proches. C’est donc une vraie réflexion qui sous-tend cette pièce, mais en même temps, elle est extrêmement drôle.

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Mercredi 29 juillet. 21 heures, abbaye Sainte-Claire. Aucassin et Nicolette, chantefable anonyme du XIIIe siècle. Mise en scène de Stéphanie Tesson. Jean-Paul Tribout: Ce n’est pas à proprement parler un texte théâtral, mais il était bel et bien destiné à la représentation. En fait avec la chantefable, on est davantage dans le domaine du conte musical, mêlant des phases chantées en vers et des passages narratifs en prose. Aucassin et Nicolette est la seule œuvre de ce genre qui nous soit parvenue; c’est une histoire d’amour courtois, dans laquelle un jeune chevalier tombe amoureux d’une belle esclave sarrasine. La langue nous est assez étrangère, et l’univers de l’amour courtois aussi, mais Stéphanie Tesson a réussi un très beau travail tout en sobriété qui nous rend le texte très accessible. La réussite du spectacle, pleinement musical et où la voix elle-même devient instrument, doit aussi beaucoup aux interprètes, Brock, un comédien musicien bruiteur, et Stéphanie Gagneux qui lui donne la réplique.

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Jeudi 30 juillet. 21h45, jardin des Enfeus. Les Cavaliers, d’après le roman de Joseph Kessel. Mise en scène d’Éric Bouvron et Anne Bourgeois. Jean-Paul Tribout: Là, c’est LE spectacle à ne pas rater! comme je le dis toujours, je les aime tous – sinon je ne les programmerais pas – mais certains m’enthousiasment un peu plus que les autres, et Les Cavaliers est de ceux-là. D’ailleurs, c’est le «spectacle Carambar»* du festival, à égalité avec Le Serment d’Hippocrate! J’ai lu cette vaste épopée il y a quelques années et quand j’ai appris qu’on se lançait dans une adaptation pour le théâtre, je me suis dit que c’était une entreprise impossible. Le cinéma s’est déjà emparé de cette œuvre – Pierre Schoendorffer a réalisé La Passe du Diable en 1956, et John Frankenhheimer Les Cavaliers en 1971, avec notamment Omar Sharif mais déjà je trouvais que ça n’arrivait pas à la cheville du livre. Et là, curieusement, à quatre comédiens, ils amènent, littéralement, l’Afghanistan sur le plateau. C’est une réussite totale, grâce notamment à Khalid K., un chanteur musicien bruiteur qui rend présents, au sens le plus propre de l’expression, la couleur, les parfums, l’ambiance de l’Orient. Et puis il a avec lui des comédiens de grande qualité. Dès que j’ai découvert ce spectacle, l’an dernier à Avignon, j’ai eu envie de l’inviter à Sarlat, et je suis persuadé que les gens qui viendront le voir seront séduits comme je l’ai été.

* Un spectacle est dit "Carambar" quand il a enthousiasmé le directeur artistique au point de ne lui laisser aucun doute quant aux réactions du public – positives, forcément. D'où sa promesse d'offrir un paquet de Carambar à tout spectateur qui dirait avoir été été déçu.

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Vendredi 31 juillet. 21 heures, abbaye Sainte-Claire. George Sand, ma vie, son œuvre, de Caroline Loeb et Tom Dingler. Mise en scène d’Alex Lutz. Jean-Paul Tribout: Un mot tout de suite sur Caroline Loeb : elle jouit d’une notoriété certaine pour avoir chanté un véritable tube dans les années 1980, C’est la ouate. Mais en dehors de cela, c’est une grande comédienne qui, ici, est partie d’un argument assez bateau – elle incarne un écrivain qui doit remettre à son éditeur, à une date très proche, un texte sur George Sand, mais elle est bloquée. Alors elle est prise entre ses blocages d’auteur, ce que lui apporte sa découverte de l’œuvre de George Sand ‒ avec tout ce que cela peut avoir de stimulant à travers ce que représente la liberté de pensée de cette femme au XIXe siècle ‒, et ses propres problèmes quotidiens – son fils en pleine crise d’adolescence, les affres sentimentales de sa mère septuagénaire… Caroline a très joliment entrelacé tout cela, dans une mise en scène signée Alex Lutz, d’ordinaire plutôt orienté vers le one-man-show humoristique.

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Samedi 1er août. 21h45, jardin des Enfeus. Courteline, courtes pièces, florilège de pièces courtes de Georges Courteline choisies, montées et mises en scène par Jean-Daniel Laval. Jean-Paul Tribout: Courteline, qu’on connaît beaucoup pour Messieurs les ronds de cuir, a beaucoup écrit pour le théâtre mais essentiellement des pièces courtes, ce qu’on appelle des «levers de rideau». C’est une tradition qui s’est perdue et on ne monte quasiment plus de levers de rideau, alors Jean-Daniel Laval a eu l’idée de sélectionner quelques-unes de ces pièces courtes ‒ une douzaine, je crois, dont la plus connue, La Peur des coups, est aussi la plus longue et dépasse le quart d’heure ‒, de les monter puis ensuite de les agencer à sa guise. Celle que je préfère, personnellement, c’est Le Gora, une pièce délicieuse fondée sur des jeux de langage à partir d’erreurs de compréhension et de prononciation de l’adjectif «angora», à propos d’un petit chat… Pour les représenter, dans une volonté d’affirmer la théâtralité, il a construit une sorte de théâtre dans le théâtre, comme un castelet de marionnettiste – il avait utilisé un dispositif analogue pour un spectacle intitulé Le Petit monde de Guignol.

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Dimanche 2 août. 19 heures, jardin du Plantier. Fabula buffa, de Ciro Cesarono, Fabio Gorgolini et Carlo Boso. Mise en scène des auteurs. Jean-Paul Tribout: Pour cette représentation que l’on veut familiale, accessible aux enfants et adaptée au plein air en lumière naturelle, on invite en général des spectacles de commedia dell’arte, qui sont parfaitement adaptés à ces contraintes. J’ai contacté Fabio Mara, qui était venu l’année dernière avec un très beau spectacle de commedia contemporaine, Teresina, mais il n’avait rien à me proposer. Alors il m’a mis en relation avec une autre compagnie italienne – mais basée en France – qui a créé une fabula buffa, en référence au Mistero buffo de Dario Fo. Je n’ai vu que des extraits du spectacle mais ils sont très convaincants, et l’argument me plaît bien : il s’agit de deux mendiants, l’un aveugle et l’autre boiteux, qui gagnent leur vie grâce aux aumônes que leur vaut leur handicap. Et puis ils sont, si j’ose dire, victimes d’un miracle : l’un recouvre la vue et l’autre est débarrassé de sa boiterie. Du coup, leur vie devient, contre toute attente, beaucoup plus difficile…

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Lundi 3 août. 21h45, jardin des Enfeus. Voyage avec ma tante, de Graham Greene. Mise en scène de Nicolas Briançon. Jean-Paul Tribout: Et pour clore le festival, encore une adaptation d’une œuvre non théâtrale. En l’occurrence un roman de Graham Greene, un auteur un peu oublié aujourd’hui mais qui a connu un certain succès durant l’après-guerre. Nous retrouvons Nicolas Briançon – mais cette fois à la mise en scène – et, dans la distribution, des comédiens qui sont déjà venus à Sarlat, notamment Claude Aufaure, et Jean-Paul Bordes. L’argument en soi n’a pas grand intérêt – il s’agit d’un Anglais dans tout ce qu’il y a de plus british, qui mène une vie tranquille de retraité et dont l’existence paisible est bouleversée par l’arrivée d’une vieille tante excentrique, qui va l’emmener dans un voyage autour du monde… au cours duquel il va rencontrer une pléiade de personnages folkloriques – mais le spectacle, lui, est extrêmement virtuose : les quatre comédiens doivent jouer une trentaine de rôles, dont certains particulièrement typés, par exemple un prince hindou, ou bien… un perroquet sur un perchoir ! Le spectacle a été créé cet hiver, au théâtre de la Pépinière, et il a rencontré un succès immédiat auquel Nicolas Briançon lui-même ne s’attendait pas. Ce n’est pas étonnant, car c’est vraiment brillant, et très drôle.

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CODA

Jean-Paul Tribout vient de signer sa vingtième programmation. Un anniversaire qui se marque, et fait écho à celui que l’on fêtait l’an dernier: les vingt ans de présidence de Jacques Leclaire à la tête du comité du festival. La célébration s'était coulée dans la fin joyeuse du dernier spectacle de la 63e édition – une résurrection du célèbre cabaret germanopratin Le Tabou par une troupe de jeunes comédiens frais sortis de leur école d'art dramatique pleins d'énergie et de talent. C'était un beau nœud d'époques pour souffler vingt bougies...

Voilà donc un compagnonnage qui commence d’avoir derrière lui cette longévité qui fait la patine, le lustre unique que donne aux choses comme aux événements le cours d’une histoire qui les enveloppe, et les entraîne. Ce ne devait être au tout début qu’une collaboration ponctuelle et éphémère – une année, deux peut-être… pas plus. Mais quelque chose s'est noué qui est peut-être de l’ordre de la magie et l’histoire commune entre Jean-Paul et le festival sarladais est encore en cours d’écriture, au bout de vingt ans… «Nul besoin de lui dire “Jean-Paul, reste“; il est bien là et fait partie intégrante du patrimoine culturel de Sarlat», écrit Jacques Leclaire dans le petit livret-programme 2015 après s’être demandé «pourquoi l’histoire s’arrêterait-elle là?» – oui, en effet, pourquoi faudrait-il imaginer que s’interrompe un festival qui, en soixante-quatre éditions, s’est acquis une haute estime générale, aussi bien auprès des artistes que du public… Sont invariablement plébiscités la convivialité de l’accueil, la chaleur des contacts, la qualité des programmes – le tout valorisé, bien sûr, par le cadre exceptionnel qu’offrent la cité périgourdine et ses environs. Depuis que je suis d’aussi près que je le peux ce festival, je ne cesse d’admirer l’engagement, la disponibilité de tous ceux qui lui permettent d’exister – le cœur, l’enthousiasme et l’amour du théâtre autant que le respect des spectateurs et des artistes demeurent les maîtres mots de la fête, quoi qu’il arrive. Et Dieu sait que chaque édition réserve son lot d’imprévus, auxquels il faut faire face dans l’urgence quand il a déjà fallu puiser dans des trésors de détermination et d'ingéniosité pour pallier le manque de moyens – par exemple les aléas météorologiques qui contraignent à se replier au Centre culturel après que les équipes ont consacré une grande partie de l’après-midi à des ajustements techniques qu’il faudra revoir de A à Z une fois rendus en salle fermée. Pourtant, toujours, le miracle a lieu.

Puisse la fête des Jeux du théâtre se poursuivre longtemps ainsi…