Voilà donc que ce spectacle dont l’argument de départ est une question de narrativité – une triple question en fait aux ramifications innombrables: "Qu’est-ce qu’une histoire? Comment raconte-t-on une histoire? Pourquoi l’être humain a-t-il tant besoin de mettre du récit dans sa vie?" – s’avère lui-même… inénarrable! Un comble que l’on ne puisse pas "raconter l’histoire" qui sous-tend une pièce s’interrogeant sur les histoires, leur mode de fabrication et de transmission – leur rôle enfin… Et ceci n’est pas une pirouette: dans le programme lui-même la présentation ne raconte rien mais décrit et, en effet, c’est par la description que l’on rend, je crois, le meilleur compte de ce qu’est Le Porteur d’histoire.

Description du plateau, du jeu des comédiens, de la scénographie, de la mise en scène… Mais là encore la tâche s’avère quasi impossible: l’enchantement naît d’une conjonction d’éléments si divers que l’on ne saurait en cerner les fondements sans passer par quantité de tours et détours. Il est vrai qu’ici, "tours et détours" sont à leur fête: l’argument est une sorte de "chasse au trésor" qui, à l’instar des meilleures intrigues feuilletonnesques, se déploie en une multitudes d’épisodes entrecroisés selon une ligne narrative sans cesse gauchie par les retours en arrière, les digressions historiques, les inclusions de récits secondaires pour, in fine, converger vers une résolution éclairant a postériori l’ensemble de l’histoire. Cette architecture même est constitutive de l’argument de la pièce, dont on a vu qu’elle se propose de réfléchir sur la notion de récit – et se comprend donc comme une démonstration par l’exemple.
Le plateau? Nu. Fermé partiellement en fond de scène par un vaste tableau noir où, tout au long de la représentation, les comédiens inscriront à la craie des dates, des noms, des mots clés,  avec d’un côté un porte-manteau où sont rangés sur leurs cintres de nombreux costumes et, au premier plan, cinq tabourets sur lesquels déjà à l’arrivée des premiers spectateurs sont juchés les comédiens, pieds nus, tous pareillement vêtus d’un pantalon sombre et d’un débardeur blanc. Ils bavardent entre eux, rient, conversent avec les gens qui leur adressent la parole…

Passée l’allocution de Jean-Paul Tribout annonçant le seizième des dix-huit spectacles de cette soixante et unième édition du festival des jeux du théâtre de Sarlat, un prologue signale la véritable "entrée en récit" et laisse entendre tout de suite un très beau travail d'écriture: en quelques phrases limpides sont énoncés de ces problèmes qui nourrissent les traités de philosophie et de métaphysique depuis que ceux-ci s’écrivent: qu’est-ce que la réalité par rapport à la fiction? Comment la fiction s’introduit-elle dans le récit? Et l’Histoire, celle avec un H majuscule? Quelle part de récit – entendons par là de fiction, de reconstruction imaginaire – comporte-t-elle? "N’oublions pas qu’un historien, aussi rigoureux et objectif qu’il veuille être, est pris dans son époque, dans la façon dont on conçoit l’Histoire à ce moment-là", dit en substance l’un des comédiens. Comment poser en termes plus clairs ce dont débattent les historiens d’aujourd’hui quand ils analysent non plus le passé mais leur propre démarche et les fondements de leur attitude intellectuelle? Passionnant, certes. Peut-être un peu ardu tout de même pour une scène de théâtre qui ne se serait pas déguisée en salle de conférence… Oui-da mais justement: on quitte très vite la réflexion théorique et abstraite pour plonger au cœur de la fable: à partir d’un fait divers – on reconnaît là cette "nourriture de base" dont sont friands les romanciers, notamment les auteurs de polars – tenant dans une courte phrase libellée à peu près ainsi, dans un village reculé d’Algérie, une femme et sa fille disparaissent mystérieusement… commence de s’engager un formidable ballet scénographique et narratif. 

Quelle construction!
À la seule écoute on sent combien le texte est minutieusement jalonné de détails récurrents, à la fois audibles et discrets. Et quel rythme! l’on glisse d’une situation à une autre en traversant au passage l’espace et le temps – l’on est tour à tour emmené dans une forêt des Ardennes, en Algérie, au Canada… tout en voyageant entre les siècles: le XIX^e en compagnie d’Alexandre Dumas et d’Eugène Delacroix, le Moyen Âge, la fin du XX^e et le début du XXI^e… Tout se passe dans un univers presque entièrement symbolique: une pièce vestimentaire endossée, une allusion lancée dans une réplique, un geste accompli, et voilà campé un personnage, suggérée une période, indiquée une action (conduire un avion, montrer une peinture, déterrer un cercueil…). Chacun des cinq comédiens incarne plusieurs personnages, tous sont étonnamment brillants : ils passent d’un rôle à l’autre avec une virtuosité d’autant plus remarquable que les glissements se font à très grande vitesse – à peine le temps de tomber une chemise et d’enfiler une djellaba… Quelle que soit la situation jouée, l’adhésion est immédiate: on est emporté au cœur des histoires racontées pour n’émerger de ce tourbillon, ébahi, qu’au moment des saluts. 

Au fur et à mesure que l’on progresse dans cette fiction historique foisonnante mâtinée d’intrigue policière où brillent comme en majesté les figures du livre et de la bibliothèque, où fourmillent les références attestant qu’elle a germé dans un terreau de grande érudition, les costumes tombent devant le tableau noir, sont repris, réendossés, quittés à nouveau… Et cela s’achève. On est un peu triste de devoir rompre avec ce bonheur théâtral qu’on a éprouvé pendant une heure et demie, mais l’on est aussi comblé: outre que l’on ne s’est jamais égaré pendant le spectacle, on a le sentiment que cette fin arrive très exactement là où la logique de la narration impose le point final – là où, pour respecter jusqu’au bout cette logique, le récit ne peut souffrir un mot de plus. 

De toutes les pièces que j’aurai vues à Sarlat cette année, soit douze sur les dix-huit programmées, c’est Le Porteur d’histoire qui m’a donné avec le plus d’intensité cette curieuse sensation d’être subjuguée par tant d’éléments à la fois: les interprètes sont d’une merveilleuse virtuosité, la scénographie inventive, l'intrigue prenante et, malgré la vivacité du rythme, il n'est pas difficile de saisir combien le texte est riche – je n'ai pu m'empêcher de penser au Nom de la rose (la première version, non la seconde récemment parue que d’ailleurs je n’ai pas lue…). Il a été publié par les éditions des Cygnes*: je pourrai donc m’y plonger, et le savourer à mon gré dans la lenteur silencieuse de la lecture. Quant au spectacle, il sera repris à Paris en septembre prochain, sous-titré "Chasse au trésor littéraire", au Théâtre 13 "Jardin".
Je suis à peu près sûre, bien qu'il ne faille jurer de rien, que j’irai là-bas reprendre une leçon d’histoires…
 

Le Porteur d’histoire
Texte et mise en scène:
Alexis Michalik
Avec:
Amaury de Crayencour, Evelyne El Garby Klai, Magali Genoud, Éric Herson-Macarel, Régis Vallée.
Création lumières:
Anaïs Souquet 

Costumes:
Marion Rebmann
Durée:
1h30

Représentation donnée le jeudi 2 août 2012 au Jardin des Enfeus.

* Le Porteur d'histoire d'Alexis Michalik est sorti en juin 2012 (148 p. – 10,00 €. ISBN: 978-2-915459) On peut se procurer le livre via sa page sur le site internet de l'éditeur. 

11 heures. Réunion plamonaise

"Il y a eu beaucoup de monde hier", annonce Jean-Paul Tribout pour ouvrir la séance. "Les gradins étaient pleins et on a dû refuser des spectateurs. Je pense que cette affluence est essentiellement due à Voltaire, et c’est plutôt réconfortant de constater cela en ce début de XXI^e siècle. Mais à l'issue de la représentation, il était évident que le plaisir manifeste du public était lié à l’interprétation, à la qualité de la mise en scène…"
Les réactions qui ont fusé tout au long de la rencontre l'ont bel et bien confirmé: les spectateurs ont beaucoup aimé la manière dont la compagnie du Catogan a transposé sur scène le conte de Voltaire.

Sur l’estrade – dont je crois remarquer qu'elle s'est agrandie – autour de Jean-Paul Tribout : Gwenhaël de Gouvello, le metteur en scène de Zadig, quelques-uns des treize comédiens de sa compagnie, et Arnaud Denis. L’on discuta beaucoup de Zadig, de Voltaire, des partis pris d’adaptation, de la "fabrique" du spectacle… Il resta cependant un bel espace de temps pour permettre à Arnaud Denis d’évoquer son seul-en-scène Autour de la folie qu’il devait interpréter le soir même – bien que le spectacle fût encore à voir les échanges furent nourris car le sujet, et le principe du florilège textuel déjà suscitaient nombre de questions. C’était ma première réunion festivalière, et je n’ai pas été dépaysée: j’ai retrouvé cette richesse, cette densité de propos, cette qualité d’écoute mutuelle qui donnent l’essentiel de leur prix à ces rencontres matinales. Je tâche depuis quelques années d’en conserver la trace vocale – j’y viens munie d’un petit enregistreur; de médiocre qualité il capte néanmoins matière à soutenir ma mémoire et, de ce qui me demeure intelligible je m’efforce ensuite de tirer une transcription, forcément traître par ses reconstructions, ses raboutages, ses élagages mais tout de même fidèle à ce qui m’aura le plus touchée – toute subjectivité assumée.

Comment avez-vous travaillé l’adaptation? Quel a été le degré de refonte et comment avez-vous ajouté les divers éléments d’actualisation - par exemple cette  allusion à Johnny Hallyday?
Gwenhaël de Gouvello :
Il y a la base du texte de Voltaire, dans lequel il n’y a rien à changer. Ensuite il a fallu décider à qui on donne le propos – ce qui revient à une question "économique": alors qu'il y a pléthore de personnages, comment faire en sorte qu’il y ait le moins de comédiens possible pour que le coût du plateau ne soit pas trop élevé? En ce qui regarde les actualisations, je me suis surtout inspiré de slogans soixante-huitards. Par exemple ceci: Dès que leurs turpitudes urbaines connaissent l’insuccès ils foncent vers la chlorophylle; je ne peux pas dire que je l’ai inventé – en fait je me suis reporté aux années 70, à cette époque où tout le monde filait au Larzac… et la quête du bonheur de Zadig me faisait penser à cette envie de partir, de "refaire le monde", aux "philosophies de comptoir"… Je prenais des notes au fur et  à mesure et c’est comme ça que l’adaptation s’est faite peu à peu, en cherchant des parallèles entre ce que disait Voltaire – ces pans de texte que vous avez reconnus – et ce qu’on a aujourd’hui. L’apparition de Johnny? Dès le départ, j’avais envie d’un spectacle très "bande dessinée" et, pour l’obtenir, j’étais prêt à tout. Nico [Nicolas Lumbreras] a commencé à imposer une voix de Canadien pour son personnage et, après, tout le monde s’est mis à vouloir introduire des voix différentes… Convoquer Johnny pour allumer le bûcher, c’était juste pour s’amuser un peu plus… Je voulais vraiment que notre spectacle transpire le plaisir du jeu. Avec tout de même quelques garde-fous… par exemple à côté de ces costumes très bariolés, un peu kitsch – mais un kitsch complètement voulu et assumé – il y a Zadig qui porte une tenue contemporaine, la Morale et la Philosophie, et puis l’ermite, qui eux aussi portent des vêtements faisant contraste avec les costumes résolument kitsch des autres; ils viennent rappeler la présence de Voltaire, et signaler les résonnances avec notre époque. Ces quatre personnages forment, en fait, une sorte de chœur. Les propos que tiennent la Morale et la Philosophie sont plutôt de l'ordre du commentaire, de l’analyse; c’est un peu comme si on avait un relais, un regard sur le contenu de chaque "bloc" narratif.

Jean-Paul Tribout :
L'une des choses qui m'a séduit dans votre spectacle, c'est cette capacité à fabriquer du théâtre avec trois fois rien, à générer un monde qui n’est pas naturaliste mais symbolique avec des éléments aussi quotidiens que les chaises…
Gwenhaël de Gouvello :

La chaise, pour moi, est liée au conte. Je viens de Bretagne, une région où le conte, la tradition orale a une grande place. En Bretagne, dans les maisons, il y a la chaise du conteur, qui est placée à côté de la cheminée – et que l’on trouve encore aujourd’hui. La chaise, c’est aussi un tableau de van Gogh, la chaise dans sa chambre… Pour moi, suspendre des chaises et en même temps avoir, au sol, une disposition de chaises très cartésienne c’est une façon d’obliger à lever les yeux, à regarder un peu vers le ciel. Et ça correspond vraiment à une pensée voltairienne: si je regarde le ciel, cet infiniment grand, je vois comme je suis, moi, infiniment petit. On n’est pas grand-chose – mais ce pas-grand-chose m’intéressait. Avec des chaises, on peut faire beaucoup, en fonction de la façon dont on les empile, dont on les manipule – un trône, des appareils de gymnastique… lors des répétitions, ces chaises devenaient, pour les comédiens, comme un Rubik’s cube… et encore aujourd’hui, au moment des répétitions, il nous faut déterminer qui fait quoi avec telle chaise! C’est un véritable exercice… On envoie l’imaginaire vers le public, qui du coup rentre assez facilement dans l’univers dès que la note est donnée.

Votre spectacle est tellement foisonnant que parfois son côté visuel, graphique, prend le pas sur ce qui est dit; du coup on est un peu frustré, on se dit qu’il faudrait le voir deux fois, et même davantage…
Gwenhaël de Gouvello:
C’est une des difficultés des spectacles que je monte; j’ai tendance à être très "bord cadre" – je veux dire par là que j’aime bien développer des choses à la périphérie de l’action principale. Par exemple dans le spectacle d’hier, en dehors de ce que fait Zadig, il y a le chœur qui joue un rôle important et, pour le percevoir, il faut être attentif aux "bords cadres". Parfois je me dis que je ne vais pas écouter l’histoire, mais simplement regarder ce qui se passe sur les côtés… On adore, ou on me le reproche, en me recommandant d’épurer beaucoup plus.

Jean-Paul Tribout, à Benjamin Penamaria [qui incarne Zadig]:
Il y a combien de temps que vous jouez ce spectacle? Et toi, qu’as-tu ressenti pendant la représentation?
Benjamin Penamaria :

Nous avons joué Zadig une bonne cinquantaine de fois, je crois… Hier, je crois que nous étions dans une énergie assez exceptionnelle… je ne sais pas trop bien l’expliquer, mais corporellement en tout cas, nous étions bien; en ce qui me concerne, j’ai pris beaucoup de plaisir à jouer; j’ai senti le public complètement avec nous – vous étiez très réactifs, c’était très agréable, et ce n’est pas tous les jours comme ça…

À l’instar de Benjamin Penamaria, les autres comédiens présents à Plamon, intervenant tour à tour, ont exprimé leur plaisir d’avoir joué la veille et leur ressenti du lieu, "très porteur", – l’un d’eux parlera même de "soirée magique", après avoir dit un mot de leur appréhension un peu tendue avant de venir sur scène car il y avait trois mois qu’ils n’avaient pas joué Zadig.

Y a-t-il eu des modifications, des évolutions entre les premières représentations et celle que vous avez donnée hier?
Gwenhaël de Gouvello:
Oui, il y a toujours des petites choses qu’on change. Par exemple, des coupes ont été faites: au fur et à mesure que l’on joue, on s’aperçoit que certaines phases du spectacle ont besoin de plus ou moins de dynamique… Et puis c’est du spectacle vivant: chaque représentation est une remise en question de ce qu’on fait, on revoit les propos, on sent que parfois il faut ajouter une pause, ou au contraire enchaîner plus vite… mais pour toute la base de l’histoire, sa logique, on s’en tient à un ensemble de choses bien arrêtées et, à partir de là en effet on peut "lâcher-prise", ce qui est très agréable. Et quand on a comme hier soir un public qui répond aussi bien à ce qu’on fait, c’est un peu comme si on avait un partenaire supplémentaire et on a alors le sentiment de tout improviser.

Avez-vous modifié votre spectacle pour la circonstance particulière du festival de Sarlat?
Gwenhaël de Gouvello:

Non – en dehors, évidemment, de l’adaptation au lieu.

Mais aussitôt une voix a fusé parmi les comédiens pour mentionner que la veille il y avait bien eu un bref moment de surprise quand, sensible aux étoiles luisant dans la nuit close, la Morale, les yeux tournés vers le ciel, a rapidement murmuré "c’est là-haut qu’il faut regarder" – une réplique non écrite, à laquelle personne ne s’attendait…
Se tournant alors vers Arnaud Denis, Jean-Paul Tribout lui demande quel est son point de vue sur la part d’improvisation qui entre – ou non – dans une représentation.

Arnaud Denis:
J’aurais envie de citer Sándor Márai, un auteur hongrois, qui a écrit, dans son roman Les Braises: après avoir lancé sur les coursiers fougueux d’un fabuleux archer sa passion toute pure, il faut tenir les rênes des puissances libérées. Cette phrase que je trouve très proustienne m’avait frappé parce que c’était la première fois que je lisais une définition aussi poétique, aussi exacte de ce que peut représenter toute tentative artistique. Et elle correspond assez à la réponse, toujours délicate, que j’ai envie de donner à cette question de l’improvisation, et du "même" toujours différent à chaque représentation… Quand on a effectivement tout préparé – parce qu’il y a tout de même une précision à respecter dans le spectacle qu’on a monté – on a de la chance quand on parvient à oublier ce qu’on a préparé tout en s’en souvenant. C’est-à dire que l’on parvient à un mélange de précision et de lâcher-prise. Quand on arrive à se balader au milieu de quelque chose qu’on a déjà travaillé pendant plusieurs mois, qu’on a joué une centaine de fois et que tout d’un coup on ne sait plus ce qui va suivre, qu’on arrive à se duper soi-même au point d’oublier ce qu’on a répété, alors on connaît véritablement ce que j’appellerais un orgasme théâtral…

Et, de là, l’échange glisse tout naturellement vers le spectacle du soir, sans que Jean-Paul Tribout ait eu besoin de ménager aucune transition par l’un de ces détours parfois acrobatiques dont il a le secret et qui en général suscitent des "oh!" admiratifs dans l’assistance… Il lui suffira, aujourd’hui, de signaler qu’Arnaud Denis a interrompu une tournée pour venir à Sarlat:

Jean-Paul Tribout:
Tu joues en ce moment Damis, dans le Tartuffe mis en scène par Marion Lévy, avec Claude Brasseur pour partenaire qui tient le rôle d’Orgon; le spectacle est en pleine tournée et, pour venir à Sarlat, tu as dû replonger, pour une seule représentation, dans un spectacle que tu as joué il y a plusieurs mois au Lucernaire à Paris, et qui m’avait beaucoup impressionné: le montage, l’interprétation, le propos lui-même… C’est un témoignage de cette capacité que nous avons, au théâtre, de repartir, pour une seule représentation au milieu d’autres activités, sur quelque chose que nous n’avons pas travaillé depuis longtemps…
Arnaud Denis:
Ça demande en effet une certaine flexibilité… Après Sarlat je pars vers Fréjus pour réintégrer la tournée de Tartuffe – et j’y prends beaucoup de plaisir… C’est une sorte de voltige. Et ce sera pareil pour ceux qui viennent voir le spectacle ce soir: ce ne sera pas du tout la même tonalité que Zadig… Ce n’est pas le spectacle le plus comique qui soit. C’est même assez dérangeant – je me souviens notamment d’une spectatrice qui, un soir, au Lucernaire, est sortie en pleine représentation; j’ai cru qu’elle n’avait pas aimé et cela me rendait un peu triste mais, plu tard, j’ai su que l’ouvreuse l’avait vue dévaler les escaliers en murmurant "je ne peux pas, je ne peux pas…" Il y avait quelque chose qu’elle n’avait pas supporté… Mais j’ai voulu ce côté dérangeant.
Ce spectacle sur la folie part de cette phrase de Wendell Holmes: "On appelle fous ceux qui ne sont pas fous de la folie commune." On adopte le point de vue du fou, que l’on explore à travers différents auteurs, surtout du XIX^e siècle (Maupassant, Flaubert…) J’ai tout de même éviter d’utiliser des textes trop connus, par exemple j’ai fait l’impasse sur Antonin Artaud, et j’ai préféré des textes moins attendus, comme les Mémoires d’un fou de Flaubert, une œuvre de jeunesse,  qu’il a écrite à 19 ans et qu’il a reniée ensuite en disant qu’à cette époque-là il ne s’était pas encore guéri du cancer du romantisme et que, par conséquent, il trouvait ce texte mauvais – or il est absolument extraordinaire; il a un côté sulfureux qui n’est pas sans évoquer le marquis de Sade. Je crois que le spectacle va très bien se prêter au lieu, qui ressemble assez à une sorte d’hospice… On aura vraiment l’impression que je sors de l’hôpital et qu’on va m’y renfermer après… Ce seul en scène, où je n’ai comme partenaire que le public, est une des expériences les  plus passionnantes que j’aie vécues: je craignais de ne pas y arriver; je n’ai pas la prétention de dire que j’ai réussi à évoquer exactement la folie – d’ailleurs, qu’est-ce que la folie… à partir de quel degré juge-t-on qu’une personne est "folle", c’est la question que pose le spectacle, qui est assez grinçant, avec malgré tout des moments drôles – par exemple grâce à Karl Valentin, un auteur de cabaret allemand que peu de gens connaissent, un humoriste qui serait un peu le précurseur de Desproges. L’une de mes intentions était, aussi, de recréer une ambiance de thriller psychologique, de susciter une certaine peur, qu’on éprouve rarement au théâtre – en général, quand on veut avoir peur, on va au cinéma…

Comment a germé en vous l’idée de faire un spectacle sur la folie?
Arnaud Denis:
J’avais déjà travaillé certains textes isolément quand j’étais au conservatoire et je me suis dit "tiens, il y a une trame; il y a quelque chose qui se suit…" D’autre part, je suis en observation permanente et, par exemple quand je suis dans le métro, à Paris, je suis fasciné quand je vois des gens qui sont un peu "à côté", qui ont franchi de peu cette petite barrière qui sépare le commun de ce qu’on appelle vulgairement la folie; ils ont quelque chose de tellement poétique, de tellement étrange… Ce sont nos cousins; nos voisins… ils sont à peine de l’autre côté de la barrière. Et personne n’est à l’abri de ce basculement. Nous pouvons tous, à la faveur d’un événement infime, passer de l’autre côté, comme eux – et ces gens me fascinent parce qu’ils sont dans leur propre monde, un peu comme les autistes; ils me bouleversent parce qu’ils évoluent dans quelque chose de parallèle. Nous avons nos normes à nous et puis il y a quelque chose qui échappe à ça, qui se faufile en dehors, en parallèle… Certains peintres ont exprimé cela, dont j’avais vu les œuvres lors d’une exposition sur la mélancolie il y a quelques années au Grand Palais. Ce soir, vous aurez une vision un peu baroque de la folie – plutôt l’asile de Charenton avec le marquis de Sade pour pensionnaire que Sainte-Anne – avec des moments légers, je vous rassure! Vous ne serez pas projetés dans l’univers d’un hôpital psychiatrique…

Avez-vous choisi uniquement des textes concernant la folie disons pathologique ou bien y en a-t-il qui traitent de folies plus légères, comme la passion amoureuse, par exemple?
Arnaud Denis:
Ce sera à vous de juger à quelle folie correspondent les textes… Il y a en effet plusieurs degrés dans la folie, la paranoïa, la phobie – il y a un texte sur l’araignée, tiré des Chants de Maldoror, de Lautréamont – un peu de "folie douce" à travers un texte de Karl Valentin… et, un peu hors cadre, un extrait d’une interview d’un jeune schizophrène américain, qui ouvre le spectacle et que je dis en anglais. Ne vous affolez, pas; c’est très court et même si on ne parle pas anglais, on comprend très bien ce qui se passe. Mais je n’ai pas voulu le traduire, ça me paraissait important de le dire en anglais. Ces textes représentent tout un parcours, mais je n’ai évidemment pas pu aborder tous les aspects de la folie.

La façon dont vous enchaînez les textes est-elle dictée par une logique particulière?
Arnaud Denis:
Je commence par les textes les plus éprouvants, les plus durs. Après l’interview du jeune schizophrène, j’ai placé la Lettre d’un fou de Maupassant: on arrive à la folie en passant d’abord par la logique; le narrateur démontre, d’une façon très logique, que tout ce qui nous entoure est complètement faux parce que nous n’avons que cinq sens, et que notre perception du monde ne dépend que de nos sens. Donc on a tous en commun cette folie d’avoir une vision très limitée de notre monde. Ce passage par la logique est déstabilisant pour le spectateur ; c’est comme si on rendait bancale sa façon de raisonner: "Ce type a raison, mais alors moi aussi je suis fou"? Et c’est la porte ouverte pour qu’il devienne "fou" avec le personnage qui le balade un peu sur scène…

Le "seul en scène" est sans doute un exercice difficile et peu de comédiens franchissent le pas. Pourquoi avez-vous décidé de vous mettre en scène vous-même,  pour interpréter un florilège de textes?
Arnaud Denis:
Pourquoi? Eh bien, pour être tranquille, tout simplement (rires)… Plaisanterie mise à part, j’ai éprouvé le besoin de faire une pause; être seul sur scène, c’est comme si on réenvisageait le métier, comme si on repartait de zéro; on n’est pas seul d’ailleurs puisque, encore une fois, il ya le public qui compte comme un partenaire, mais ça permet de faire le point, de mesurer si l’on est capable de porter une chose tout seul. Au-delà du plaisir narcissique, qui se trouve forcément décuplé, c’est un défi; on part à l’attaque de quelque chose qui nous dépasse. On a peur de ne pas y arriver, on se remet en question, on passe par une autre forme de théâtre qui est en prise directe avec le public. Je dis ça parce que j’ai quitté le conservatoire au bout d’un an, je n’en pouvais plus que certains professeurs dont je n’aimais pas forcément la façon de faire viennent m’expliquer comment il fallait que je fasse du théâtre. Cela ne représentait qu’un regard et, au bout d’un moment, on a simplement envie de faire le théâtre qu’on aimerait voir en tant que spectateur. J’ai quitté le conservatoire pour faire la tournée des Fourberies de Scapin [que l’on a vu à Sarlat en 2007 - NdR]. J’ai fait un choix, et mon meilleur maître aura a été le public. Un comédien sans public, c’est comme un surfer sans vague: on n’est sur rien. Le public est le meilleur professeur qui soit parce qu’il nous apprend à travailler en connexion avec lui  sans lui on ne construit sur rien.

Jean-Paul Tribout:
Oui, c’est vrai que monter seul sur scène, c’est un peu aller dans l’arène. Quand on joue à plusieurs, qu’on travaille au sein d’une compagnie on se tient chaud quelque part et on se guide les uns les autres… quoi qu’il en soit, on a tous besoin d’un œil extérieur – un partenaire, un metteur en scène… as-tu bénéficié de ce regard extérieur pendant que tu préparais ce spectacle?
Arnaud Denis:
Oui, j’ai présenté certains textes à mon professeur, Jean-Laurent Cauchet chez qui j’ai passé l’essentiel de ma formation, et puis à un assistant, qui connaît bien le sujet pour des raisons personnelles, qui m’a épaulé. Et puis surtout j’ai observé, j’ai noté des attitudes, dans la rue dans le métro… j’ai également rencontré quelques patients; et je me suis rendu compte que tout ce que je pouvais inventer en tant qu’acteur était en deçà de ce que les "fous" me faisaient entrevoir; ils ont des attitudes, des postures qui dépassent l’imagination… Pour conclure, j’aimerais vous dire un extrait du texte de Karl Valentin que j’ai inclus dans le spectacle. À propos d’aquarium…

Et nous voilà entraînés rue du Cherche-Midi, dans l'immeuble qui… mais au fait, qui suit-on? Arnaud Denis, à l'évidence… Pourtant, à de légers indices, on doute – une façon un peu plus fébrile de se passer la main dans les cheveux, d'agiter les doigts en parlant qui n'est plus tout à fait celle du comédien-metteur en scène qui était, un instant auparavant, en train de nous raconter la genèse de son spectacle. Et puis cette histoire de poisson que le "diseur" envisage de placer dans la cage de l'oiseau pendant que l'oiseau sera, lui, transporté dans l'aquarium, achève de troubler: est-on encore dans la parole d'Arnaud Denis ou dans celle du personnage créé par Karl Valentin? À dire vrai, n'eût été cette petite phrase, Pour conclure, j’aimerais vous dire un extrait du texte de Karl Valentin que j’ai inclus dans le spectacle, je ne crois pas que l'on aurait pu comprendre nettement que l'on avait été, à propos d'aquarium, emmenés "de l'autre côté". L'on venait de franchir en même temps que le diseur cette "barrière ténue" au-delà de laquelle discours et sensations commencent d'échapper à l'entendement commun, là où les glissements dessinent les premiers contours de la "folie" – comment alors être encore sûr de ses repères? Zone trouble et troublante, celle-là même où, le soir venu, Arnaud Denis conviera les spectateurs…

Lorsqu’à l’approche d’un événement annuel, tel le Festival des jeux du théâtre de Sarlat, on regarde les mois écoulés depuis la précédente édition, on a l’impression très nette que le temps s’est contracté, que les jours et les semaines se sont ramassés au creux d’un minuscule mouchoir de poche et qu’en un pas de rien du tout le souvenir les franchit allègrement, mêlant en une figure aplanie, comme dépourvue de profondeur, tout ce qui reste au fond de soi d’impressions, de joies et de déceptions – car il en survient quelquefois… Tandis qu'en moi sont encore vives les empreintes du 60^e festival le 61^e est imminent: les dates sont arrêtées depuis longtemps – il se déroulera du jeudi 19 juillet au samedi 4 août – et le programme, rendu public lors de la conférence de presse du 16 avril dernier, est consultable ici, chaque spectacle accompagné, comme toujours, par une notice descriptive brève mais suffisante pour informer les spectateurs potentiels. La billetterie sera ouverte à partir du lundi 2 juillet.
Le dossier de presse m'a d'ores et déjà permis d'établir une petite sélection de spectacles qui, de prime abord, m’attirent, sachant bien par ailleurs que j'en verrai très certainement d'autres, entraînée vers eux par l’"effet Plamon". Cependant, un dossier, aussi bien conçu soit-il, ne remplace pas une conférence de presse ni, a fortiori, une rencontre avec l’une ou l’autre personne qui exposera de vive voix et dans l’éphémère flamme de la conversation la teneur d’un programme.
Absente de la conférence sarladaise je me suis donc tournée, comme à plusieurs reprises déjà, vers le directeur artistique du festival Jean-Paul Tribout. Très occupé et soumis à un emploi du temps lui laissant assez peu de liberté, il m’a tout de même accordé, avec sa gentillesse et sa chaleur coutumières, une longue entrevue dont je livre ici une transcription qu’il a relue avant publication.

Changements

À première vue rien ne semble avoir changé. Mais à scruter plus attentivement le petit dépliant rectangulaire mis à la disposition du public on constate que le prix des places a légèrement augmenté – de deux euros par tranche tarifaire – et que dix-huit spectacles sont programmés quand, depuis plusieurs années, plus de vingt étaient proposés. Le budget du festival a, paraît-il, été diminué d’environ 30%. Est-ce le contrecoup d’éventuelles largesses qui auraient été consenties pour fêter l’an dernier le soixantième anniversaire?

 
"En aucun cas", explique Jean-Paul Tribout:
 Cet anniversaire n’a donné lieu à aucune augmentation significative des subventions et, en tout cas, la baisse des soutiens financiers intervenue cette année n’a aucun rapport avec lui. Simplement nous sommes en période de "crise" et le financement du festival en a subi les conséquences. Et puis certains de nos partenaires qui nous accompagnent depuis très longtemps ont souhaité faire une pause; on sait bien que, dans le domaine du subventionnement, soutenir sur le long terme un événement récurrent comme ce festival interdit de s’ouvrir à de nouvelles manifestations. C’est pourquoi certains partenaires institutionnels décident d’allouer leurs subsides à d’autres événements, pour faire tourner un petit peu les choses. Il y a aussi la question des volontés politiques qui intervient… De plus en plus le ministère de la Culture se décharge sur les collectivités locales – ce sont elles qui, en France, financent à peu près 70% de la création culturelle. Et les collectivités locales, en période de crise, deviennent frileuses… De plus, en ce qui concerne Sarlat, une institution comme la D.R.A.C., qui a déjà baissé de façon drastique ses subventions, est davantage encline à soutenir des structures qui fonctionnent à l’année sur le territoire régional qu’un festival qui certes revient tous les ans mais qui ne dure que trois semaines… Et comme le festival tourne gentiment, qu’il fait littéralement partie du paysage, on a tendance à oublier que son organisation demande des efforts et qu’il lui faut un soutien. Maintenant, il faut espérer que ces pauses ne seront que temporaires… Cette année, notre tâche a donc été un peu plus compliquée: 30% d’argent en moins, c’est considérable, surtout pour un festival qui, en regard d’autres événements du même genre, bénéficie d’un budget modeste – je ne parle pas de celui d’Avignon: il est "hors concours", si l’on peut dire… Il y a des frais constants sur lesquels il est impossible de rogner – le coût des assurances, l’entretien des gradins, etc. donc il n’y a pas trente-six solutions: il a fallu raccourcir un peu la durée du festival, et augmenter le prix des places. Cependant, malgré ce budget serré, nous avons tout de même réussi à inviter dix-huit spectacles, majoritairement de qualité et qui, je crois, satisferont de nombreux publics. Et puis ces restrictions ont eu un avantage: le comité du festival s’est montré moins demandeur de vedettes (rires)…

Après ces explications, voyons donc la "carte" qu’a préparée le directeur artistique qui, une fois de plus, démontre son (grand) art de composer avec les multiples critères dont il doit tenir compte quand il envisage d'intégrer tel ou tel spectacle à l'affiche de l'année…

PROGRAMME

Jeudi 19 juillet. Jardin des Enfeus, 21h45.
Zadig, de Voltaire. Mise en scène et adaptation de Gwenhaël de Gouvello.
Compagnie du Catogan.

J.-P. Tribout: On ne joue quasiment plus le théâtre de Voltaire qui, il faut bien le dire, est assez indigeste. Alors qu’il espérait bien être un grand auteur de théâtre… En revanche ses contes – Candide bien sûr, Zadig, Micromegas… incitent à l’adaptation scénique. Celle qu’a réalisée Gwenhaël de Gouvello – un jeune metteur en scène qui n’est jamais venu à Sarlat – est festive et joyeuse, ce qui est je crois un atout pour ouvrir le festival. Son travail est aussi très représentatif de cet art de "faire du théâtre avec peu de choses"; il a traité le texte de Voltaire d’une façon qui évoque la bande dessinée – ce sont "les aventures de Zadig" comme il y a "les aventures de Tintin" – et sa mise en scène est servie par une belle équipe d’acteurs.

Vendredi 20 juillet. Abbaye Sainte-Claire, 21 heures.
Autour de la folie, conception, mise en scène et interprétation d’Arnaud Denis, à partir de textes de Maupassant, Flaubert, Michaux, Shakespeare, Karl Valentin, etc.
Compagnie des Compagnons de la chimère.
J.-P. Tribout: Voilà un très beau spectacle, monté par un jeune homme extrêmement brillant, que nous avions vu en 2007 à Sarlat incarner Scapin, dans les Fourberies du même nom dont il avait aussi signé la mise en scène. Il est également l’auteur d’une pièce sur les procès de Nuremberg – Nuremberg, la fin de Goering – dont il a assuré la mise en scène et qui est passionnante mais qui, hélas, n’a pas marché du tout. Je suis très étonné qu’un jeune homme de son âge s’intéresse à cette période de l’histoire, aux suites de la Seconde Guerre mondiale… Sa pièce est écrite et montée de façon très intelligente; mais à mon sens, le spectacle n’était pas totalement abouti. Arnaud est en tout cas très doué, plein de talent, et ce spectacle "autour de la folie" qu’il a conçu, monté, qu’il interprète seul en scène le démontre bien. Il ne sera peut-être pas tout à fait adapté au plein air, parce que la mise en scène joue beaucoup sur les contrastes entre ombre et lumière, sur la silhouette qu’on distingue dans la pénombre – et la nuit ne sera pas encore totale quand il jouera mais je suis sûr que la qualité de son interprétation palliera cet inconvénient.

Samedi 21 juillet. Jardin des Enfeus, 21h45.
La Pitié dangereuse, de Stefan Zweig. Adaptation et mise en scène : Stéphane Olivié Bisson.
Compagnie Carinae.
J.-P. Tribout: Voilà, après Zadig, encore un texte non théâtral adapté pour la scène… La Pitié dangereuse est le premier roman de Zweig; il n’est pas très connu. Je trouve que Stéphane Olivié Bisson, qui est aussi comédien, l’a très bien monté – il s’était signalé l’an dernier par sa mise en scène du Caligula de Camus, au théâtre de l’Athénée, avec Bruno Putzulu. J’ai découvert ce spectacle à Avignon et j’ai apprécié la qualité d’interprétation, l’ambiance scénique, qui évoque le baroque viennois, avec une musique très présente, et puis le sujet: le roman raconte l’histoire d’une jeune fille paralysée, de son rapport à l’amour…
NB - Le spectacle est repris en ce moment au théâtre du Lucernaire. Les représentations sont programmées jusqu’au 30 septembre, à 21h30; l’équipe devra donc faire relâche pour venir à Sarlat, ainsi que le montre la page de la pièce…

Dimanche 22 juillet. Abbaye Sainte-Claire: Journée des auteurs.
Jusqu’à présent, j’avais eu l’habitude de voir cette journée un peu spéciale dédiée aux auteurs contemporains – le public peut assister à deux spectacles et profiter d’un repas pour le prix d’un seul billet – figurer en fin de festival. Cette année elle fait presque l’ouverture; mais il n’y avait pas d’autre possibilité que le 22 juillet pour organiser cette "journée" qui ne peut avoir lieu qu’un dimanche: la durée un peu écourtée du festival a réduit à deux le nombre de dimanches festivaliers, et le second tombe le 30 juillet, soit une de ces dates qui, faisant charnière entre les deux mois estivaux, sont des sortes de no man’s land touristiques revenant à vider les gradins – les juillettistes étant sur le départ quand les aoûtiens sont, eux, pris dans les bouchons sinon en train de boucler les valises. Un autre changement est à signaler: la S.A.C.D. qui depuis de nombreuses années parrainait cette "journée", a retiré son soutien. C’est une pause, dont rien ne dit qu’elle sera provisoire mais qui n’a pas empêché le maintien de ce moment particulier du festival:
J.-P. Tribout: Nous avons malgré tout voulu continuer à aider les auteurs contemporains; nous avons donc choisi de conserver intacte la formule mais au lieu d’être une "Journée S.A.C.D." ce sera simplement une "Journée des auteurs."  

18 heures

Lecture de la pièce de Michèle Laurence Le Jeune Homme à la canne. Par Élodie Menant, Isabelle Gazonnois, Michèle Laurence et Pierre Cachia.
J.-P. Tribout: Michèle Laurence est à la foi comédienne et auteur; je la connais bien, j’ai vu plusieurs de ses pièces et, dans celle-ci, elle a fait un très joli travail autour du roman de Radiguet, Le Diable au corps. Elle a imaginé une comédienne qui doit jouer dans une adaptation théâtrale de ce roman et qui se concentre dans sa loge; au fur et à mesure des personnages du Diable au corps surgissent, c’est-à-dire Marthe, l’inspiratrice de Marthe, Alice et, bien sûr, Radiguet lui-même. Il y a donc une réflexion sur les rapports entre une femme et un homme plus jeune qu’elle, un questionnement sur le scandale qu’a suscité le roman à l’époque de sa parution – le scandale tient-il à cette relation entre une femme et un homme plus jeune, ou bien au fait que cette femme a entretenu une liaison amoureuse pendant que son fiancé était au front? À cela s’ajoute une réflexion sur la création, à la fois littéraire, à travers Radiguet qui s’inspire d’une femme réelle pour créer son héroïne de roman, et théâtrale par le truchement de cette comédienne qui réfléchit à son rôle. Le texte est très intéressant, mais peut-être difficile à finaliser dans une mise en scène aboutie…

19h30
Pause repas: l’ "Assiette périgourdine".

21 heures

 Dans la solitude des champs de coton, de Bernard-Marie Koltès. Mise en scène de Patrick Roldez.
Compagnie Le Théâtre de l'eau qui dort.
J.-P. Tribout: Bernard-Marie Koltès est, avec Jean-Luc Lagarce, un des grands auteurs français contemporains. Dans la solitude des champs de coton a été très souvent monté, notamment par Patrice Chéreau. Ici, c’est le "régional de l’étape" qui assure la mise en scène – Patrick Roldez est en effet sarladais. L’obscurité a une grande importance dans ce spectacle, qui risque donc de pâtir un peu des conditions du plein air puisque, programmé à 21 heures, il ne bénéficiera pas de la nuit close. Mais Patrick a accepté de courir le risque. Et puis l’argument reste fort de toute façon: il s’agit des rapports entre un dealer et son client. C’est bien joué, bien mis en scène, et je pense qu’avec ces deux dramaturges contemporains, l’un décédé l’autre bien vivant, nous aurons une belle "Journée des auteurs".

Lundi 23 juillet. Jardin des Enfeus, 21h45.
Homme et galant homme, d’Eduardo De Filippo. Mise en scène de Patrick Pelloquet.
J.-P. Tribout: L’on avait déjà vu une pièce de cet auteur italien à Sarlat, il y a une dizaine d’années. Ce texte-là, qui est très amusant, est mis en scène par un habitué du festival – la dernière fois qu’il est venu, en 2010, il avait présenté La Gonfle, un texte méconnu de Roger Martin du Gard vraiment exceptionnel au niveau de la langue – qui dirige actuellement le Théâtre national des Pays de Loire. Je n’ai pas vu ce spectacle, mais je connais le texte, je connais le travail de Patrick Pelloquet, et j’ai une grande confiance dans ce qu’il va nous proposer.

Mardi 24 juillet. Abbaye Sainte-Claire, 21 heures.
Love letters, de A.R. Gurney (adaptation française d’Anne Tognetti et Claude Baignères). Mise en scène et interprétation: Isa Mercure et Gilles Guillot.
 Théâtre du Barouf
 J.-P. Tribout: C’est une œuvre très connue, qui a été très souvent montée, avec notamment pour interprètes Anouck Aimée et Philippe Noiret. Il s’agit de deux Américains qui relisent les lettres qu’ils se sont envoyées tout au long de leur vie, depuis l’école primaire. Cet homme et cette femme ont mené leur vie chacun de leur côté, et à travers cet échange épistolaire, c’est à la fois l’histoire d’un amour non réalisé qui se dévoile et un portrait de l’Amérique contemporaine qui se dessine. D’un point de vue scénographique, c’est extrêmement sobre, à la limite de la lecture – c’est d’un statisme total mais ça fonctionne admirablement.

Mercredi 25 juillet. Place de la Liberté, 21h30.
Le Bourgeois gentilhomme, de Molière. Mise en scène de Laurent Serrano.
J.-P. Tribout: À Paris, on a pu voir cet hiver, presque simultanément, trois mises en scène de cette pièce; Denis Podalydès a aussi choisi de la monter – les représentations viennent de commencer à Fourvière et le spectacle est, paraît-il, tout à fait exceptionnel. Je pense que cette accumulation relève tout simplement du hasard. Mais peut-être que si l’on sondait de manière approfondie l’inconscient des metteurs en scène, on découvrirait qu’à leurs yeux les cinq années écoulées en pleine société bling-bling ont donné à la figure de M. Jourdain une valeur particulière… En ce qui me concerne, j’ai vu les trois Bourgeois parisiens et, parmi eux, celui de Laurent Serrano m’a paru particulièrement intéressant. Pour monter son spectacle il s’est associé au Studio d’Asnières, que l’on a vu sur cette même scène de la grand-place en 2010 avec La Dame de chez Maxim.
Après s’être demandé ce que pourrait bien être une "comédie-ballet" en ce début de XXI^e siècle, il est arrivé à la conclusion que ce serait très certainement une comédie musicale, et il a pris comme référence les films de Jacques Demy. Il a donc transposé Le Bourgeois gentilhomme dans les années 1950, sans changer un mot au texte de Molière mais en remplaçant la musique de Lully par une musique qui ressemble beaucoup à celle de Michel Legrand. Sa transposition, tout en robes vichy, choucroutes et références cinématographiques, est très amusante et elle fonctionne parfaitement. Quant à savoir si M. Jourdain est un bourgeois bling-bling qui a juste envie de briller ou si, de manière un peu naïve comme Bouvard et Pécuchet, il cherche vraiment à se cultiver, s'il se fait gruger par son entourage ou bien si c'est lui qui est trop bêta au départ pour s’imaginer qu’on peut acquérir de la culture entre deux discussions d’affaires… Sur tout cela, je laisse le soin au public de se déterminer…

Jeudi 26 juillet. Jardin des Enfeus, 21h45.
Chez Jeanne (la jeunesse de Brassens). Spectacle conçu par Michel Arbatz à partir de lettres, de poèmes et de chansons de Georges Brassens.

J.-P. Tribout: Avec ce spectacle, j’ai découvert des aspects de la vie de Brassens que je ne connaissais pas du tout: à partir d’un mélange de ses textes et de projections vidéos, nous sommes entraînés vers la jeunesse de Brassens, ses années d’enfance, ses déconnades, la façon dont il a failli basculer dans la délinquance quand il était adolescent – il a tout de même été arrêté pour vol de bijoux – son passage au S.T.O., puis sa rencontre avec la littérature, la poésie… Et le spectacle s’achève au moment où sa carrière commence à décoller, dans les années 1950 quand il arrive aux Trois Baudets. On entend beaucoup de chansons peu connues, dont certaines qu’il a écrites pour d’autres interprètes – et elles sont très bien chantées, sans que les comédiens aient cherché à imiter Brassens.

Vendredi 27 juillet. Place de la Liberté, 21h30.
Norma Jean Baker, dite Marilyn Monroe, d’après Blonde, de Joyce Carol Oates. Mise en scène de John Arnold.
J.-P. Tribout: Parmi les trois spectacles programmés pour la scène de la place de la Liberté, j’avais quand même envie d’avoir un texte contemporain. J’ai pensé que celui de Norma Jean Baker, écrit d’après la biographie que la romancière américaine Joyce Carol Oates a consacrée à Marilyn, était tout indiqué en cette année où l’on commémore le cinquantenaire de la mort de la star. Nous avons tout de même rajouté au titre d’origine "dite Marilyn Monroe", parce qu’à mon avis, beaucoup de gens ignorent quel était le vrai nom de celle qui est devenue une véritable icône du cinéma. La mise en scène est signée John Anrold, un comédien qui, dans le théâtre subventionné, est un peu une vedette – il travaille notamment avec Olivier Py, Stéphane Braunschweig… J’ai vu le spectacle en décembre; il est à mon sens très réussi, très cinématographique, très bien interprété – la jeune comédienne qui joue le rôle-titre, Marion Malenfant, a été engagée à la Comédie-Française – et je suis sûr que ceux qui viendront le voir l’apprécieront. On peut penser qu’avec le nom de Marilyn, le cinquantième anniversaire de sa mort, la notoriété de John Arnold et de Joyce Carol Oates, Norma Jean Baker va attirer les foules mais je crois au contraire que c’est un spectacle assez délicat: pour les jeunes générations, Marilyn Monroe est une figure du passé, à peu près aussi lointaine de Greta Garbo, par exemple. Et puis les cinéphiles ne lisent pas forcément le genre de biographies dont a été tirée la pièce… Reste qu’elle intéressera des publics très divers: les amateurs de cinéma bien sûr, les habitués des scènes théâtrales qui seront curieux de voir le travail de John Arnold, ceux qui aiment les histoires très mélodramatiques – parce que la vie de Marilyn est un véritable mélodrame…

Samedi 28 juillet. Jardin des Enfeus, 21 heures.
Appartements témoins, de Jean-Marc Chotteau. Mise en scène de l’auteur.
Théâtre de La Virgule, Centre transfrontalier de création théâtrale Tourcoing/Moustron.
 J.-P. Tribout: Cette pièce a été écrite à partir de témoignages authentiques recueillis auprès d’habitants de barres d’immeubles qu’on a décidé de détruire. Le texte fait entendre successivement la voix de ces gens qui, logés dans des conditions précaires, et même s’ils détestent leur environnement, ont tout de même vécu là toute leur histoire; c’est leur vie qui s’est déroulée là, qui est attachée à ces immeubles… Cet ensemble de témoignages est interprété par un seul acteur, Éric Leblanc, qui endosse tous les rôles. Ce parti pris est soutenu par une très belle idée scénographique qui est de montrer un mur en partie démoli, avec une succession de boîtes à lettres qui, vues ensemble, figurent une de ces barres qu’on s’apprête à détruire. Et chaque boîte à lettres s’ouvre, comme une boîte à surprise. Ce spectacle de grande qualité, avec sa dimension sociologique, a selon moi toute sa place dans la programmation du festival. 

À l’énoncé de ce descriptif, me revient à l’esprit un reportage diffusé dernièrement au cours d’un journal télévisé: dans une banlieue où l'une de ces barres était promise à la démolition, des journalistes avaient interviewé quelques-uns des résidents qui allaient devoir déménager. Parmi eux, une quadragénaire, que l’on voyait lire devant la caméra le courrier lui annonçant la décision de la municipalité puis, ensuite, raconter qu’elle était née ici, qu’elle y avait grandi, construit sa vie d’adulte… Cet appartement qu’elle occupait était même plus que sa vie: ses parents y avaient vécu avant de le lui céder. Résonances… Oui, j’irai sûrement voir ce spectacle.

Dimanche 29 juillet. Place de la Liberté, 21h30.
Cyrano de Bergerac, d’Edmond Rostand. Mise en scène d’Anthony Magnier.
Compagnie Viva la Commedia.
J.-P. Tribout: C’es t un très bon Cyrano que nous offre Anthony Magnier, joué à sept comédiens, ce qui est une performance étant donné le nombre de personnages créés par Rostand. Chacun interprète donc plusieurs rôles, à l’exception du comédien qui incarne Cyrano. La mise en scène est très inspiré de la Commedia dell’arte, mais avec peu de masques; c’est monté uniquement avec des tréteaux et des praticables qui tout d’un coup se transforment: ils deviennent le balcon de Roxanne, se retournent pour figurer le siège d’Arras… les habitués du festival se souviendront probablement d’avoir vu cette compagnie au Jardin du Plantier en 2008, où elle avait joué La Princesse folle, une pièce adaptée d’un scénario de Flaminio Scala – un auteur italien de la fin du XVI^e siècle.

Lundi 30 juillet. Abbaye Sainte-Claire, 21 heures.
Le Bouton de rose, de Sophie Accaoui. Mise en scène de Laurent Lévy.
J.-P. Tribout: Ce spectacle-conférence a pour sujet… le clitoris. Bien caché sous le titre, il n’en est pas moins évoqué franchement, à l’aide de textes littéraires, de chansons, mais avec de multiples sous-entendus. La conférencière est une dame un peu… cul-serré qui, au fur et à mesure qu’elle prononce son discours, s’échauffe petit à petit. Avant de la voir sur scène à l’Essaïon, je ne connaissais pas la comédienne. Et elle m’a convaincu: je ne dirais pas que c’est LE spectacle du festival mais il mérite le détour. Et bien entendu, il n’est pas destiné au seul public féminin, les hommes sont les bienvenus, et ils pourront y apprendre des choses très utiles…

Mardi 31 juillet. Jardin des Enfeus, 21h45.
Le Vicaire, de Rolf Hochhuth. Mise en scène de Jean-Paul Tribout.
Ayant vu la pièce lors de sa création parisienne en novembre 2011, j’en connaissais le sujet; aussi n’ai-je pas demandé à Jean-Paul Tribout de développements particuliers. D’autant que, prévoyant d’assister à la représentation sarladaise, d’une part pour le plaisir de revoir une pièce appréciée, de l’autre pour savourer celui de la découvrir dans un autre environnement, j’aurai sans doute matière à plus amples commentaires après les "rencontres plamonaises". C’est une autre date qui a suscité mes questions, la dernière du festival, en l'occurrence le 4 août: la mise en scène de Monsieur chasse! – un texte de Georges Feydeau – est aussi signée Jean-Paul Tribout… Le sachant plutôt réticent à l’endroit des divertissements purs qui ne mènent à aucune réflexion, sachant aussi combien lui tenait à cœur de monter la pièce de Rolf Hochhuth, je me suis dit qu’il y avait quelque anguille bizarre sous la roche de cette étrange cohabitation programmatique. Mais non: rien de plus bizarre qu’une banale logique financière.
J.-P. Tribout: Le Vicaire, qui a eu un beau succès critique, a été un échec commercial catastrophique. De tous les spectacles que nous avons joués au théâtre 14, c’est celui qui a fait le moins de recettes et le tourneur, qui est aussi coproducteur, a perdu environ une dizaine de dates. Au départ, nous avions plus de vingt représentations prévues, des dates fermes qui plus est. Et peu à peu la liste s’est réduite comme peau de chagrin; les directeurs de théâtre m’appelaient pour se désister: l’un avait subi des pressions de la municipalité, l’autre préférait s’orienter vers une saison plus joyeuse… et nous avons fini par n’avoir plus que dix dates de tournée maintenues – dont Sarlat parce que je connais le directeur artistique (rires). Comme le tourneur devait compenser les pertes occasionnées par Le Vicaire, il m’a dit: "Toutes les compagnies qui montent du Feydeau en ce moment remplissent les salles. Alors si tu arrives à monter un Feydeau avec pas trop d’acteurs, je te le produis entièrement." J’ai donc cherché un peu dans cette direction, et j’ai trouvé Monsieur chasse! Résultat: le spectacle commence à tourner dès cet été – nous sommes en pleines répétitions – et les dates se succèdent jusqu’en juillet 2013… Elles sont si nombreuses que j’ai dû établir une double distribution pour permettre aux comédiens d’honorer les engagements qu’ils ont contractés antérieurement – par exemple cet été, c’est Jean-Claude Bouillon qui va jouer mon rôle, et comme ensuite il part en tournée avec Claude Rich, c’est moi qui le remplacerai… L’échec du Vicaire en regard du succès que remporte le Feydeau est significatif de l’état du théâtre, de l’état de la société, du monde: nous traversons une période où les gens ont d’abord besoin de rire. C’est vrai que, spontanément, je n’aurais pas choisi de monter du Feydeau mais je prends cela comme une opportunité théâtrale: je n’ai encore jamais abordé cet auteur, et comme je me suis déjà confronté à Labiche, le rapprochement des deux expériences a son intérêt…

Mercredi 1^er août. Jardin des Enfeus, 21h45.
Journal d’un curé de campagne, de Georges Bernanos. Mise en scène et interprétation: Maxime d’Abboville.
J.-P. Tribout: Je ne suis pas un grand amateur de Bernanos, et ce roman n’est pas parmi mes préférés – on connaît mon anticléricalisme primaire (rires)… Mais en écoutant le texte, je me suis dit qu’il soulevait une problématique qui pourrait être celle d’un hussard noir de la République, d’un médecin implanté en zone rurale – les questions que se pose ce jeune curé, les doutes qui l’assaillent sont ceux d’un homme qui, fort de sa foi, de ses convictions, se trouve confronté à la réalité de ses ouailles: comment faire face à ces gens? Comment leur être utile, leur venir en aide? Un médecin, un instituteur peut très bien s’interroger dans les mêmes termes. De plus, c’est formidablement interprété par Maxime d’Abboville, qui a obtenu un Molière pour ce spectacle-là – pour la petite histoire, il est de la famille du navigateur Gérard d’Abboville. Je me souviens lui avoir proposé de jouer le personnage principal du Vicaire, mais il avait refusé parce que ça heurtait ses convictions de chrétien. Il est tout de même venu voir la pièce… Après, il m’a dit: "Telle que tu l’as montée, j’aurais pu jouer le rôle que tu me proposais."
 

Jeudi 2 août. Jardin des Enfeus, 21h45.
Le Porteur d’histoire, d’Alexis Michalik. Mise en scène de l’auteur.
J.-P. Tribout: Pour moi, c’est le meilleur spectacle du festival. Je l’affirme d’autant plus librement que j’ai aucune part de responsabilité dans son élaboration… L’auteur-metteur en scène, Alexis Michalik, avait présenté à Sarlat en 2010 La Mégère à peu près apprivoisée – sous-titrée une comédie musicale d’à peu près William Shakespeare. Ici on est dans un univers très différent, proche de celui d’Italo Calvino, de Borges… C’est une création collective qui repose un peu sur le principe du roman de Potocki, Le Manuscrit trouvé à Saragosse: une histoire est racontée qui amène une autre histoire qui elle-même en amène une autre et ainsi de suite, questionnant la place que peut occuper le récit dans nos vies. Le spectacle est simplissime: cinq acteurs, cinq tabourets, et un portant avec des costumes. Les comédiens sont très talentueux. Hasard des distributions, deux des comédiens du Porteur d’histoire sont à l’affiche de deux autres pièces du festival: Magali Genoud est Roxanne dans le Cyrano d’Anthony Magnier, et Éric Herson-Macarel joue dans Le Vicaire.

Vendredi 3 août. Jardin du Plantier, 19 heures.
Molière malgré lui, d’après Le Médecin malgré lui de Molière, et les films de Laurel & Hardy. De et avec Guillaume Collignon et Jean-Hervé Appéré.
Compagnie Comédiens & compagnie.
 J.-P. Tribout: La compagnie qui a monté ce spectacle est spécialisée dans la commedia dell’arte. C’est un peu difficile d’imaginer que l’on puisse mêler, comme ici, le texte de Molière à l’univers du slapstick et j’avoue que, si je n’avais pas vu le spectacle, je n’y aurais probablement pas cru. Mais je l’ai vu, et je me suis rendu compte que ça marchait vraiment; c’est très bien fait, c’est très amusant. Ils avaient présenté à Sarlat une adaptation très inventive de La Flûte enchantée, en 2009, elle aussi plutôt surprenante; je ne suis pas sûr que les amateurs d’opéra y aient trouvé leur compte mais, dans l’ensemble, le public avait été séduit. Je pense qu’il en ira de même avec ce Molière-là…

Samedi 4 août. Jardin des enfeus, 21h45.
Monsieur chasse! de Georges Feydeau. Mise en scène de Jean-Paul Tribout.
J.-P. Tribout: S’il est vrai que j’aime bien monter des comédies, ce sont en général des comédies qui ont un propos de fond, qui ne provoquent pas un rire tout à fait gratuit. Cela dit, j’aime aussi, dans les mises en scènes, jouer sur les disparitions/réapparitions, leur côté un peu guignolesque… et, sur ce plan-là, une pièce de Feydeau, qui reste une machine à rire formidablement bien rodée dont on peut dire qu’elle se résume à des jeux de portes qui claquent, offre de quoi s’amuser… Et puis c’est tout de même intéressant de se demander ce qui, chez Feydeau, à un siècle de distance et malgré les changements de mode de vie, de mentalités… fonctionne encore au point de faire toujours rire. En me demandant "comment monter du Feydeau aujourd’hui?", je me suis dit que le "fond" de la pièce tenait en deux choses: des portes, un lit. Du coup, le décor que j’ai choisi se limite à cela: un lit, des portes, et rien d’autre…

Article écrit grâce aux propos recueillis le dimanche 10 juin 2012.