Comme souvent cette année j’aurai assisté à un spectacle sans rien savoir de l’œuvre dont il est issu fût-elle, cette œuvre, des plus connues parmi les «classiques» de la littérature comme l’est Le Silence de la mer. Tout au plus connaissais-je le nom de l’auteur, et avais- je la vague sensation que l’argument m’était familier – pendant l’Occupation, un vieil homme et sa nièce se voient contraints d’héberger un jeune officier allemand. Peu enclins à la complaisance envers l’ennemi sans pour autant être des résistants actifs ils décident de marquer leur patriotisme en refusant systématiquement d’adresser le moindre mot au jeune homme. Or celui-ci n’a rien du nazi imbu de violence – non: c’est un fou de culture à la sensibilité exacerbée, francophile et francophone, musicien qui plus est… Et il va parler, parler beaucoup, de sa France rêvée, de belles lettres, de musique, tâchant de rompre le silence que lui opposent sans faiblir ses hôtes forcés en évoquant les auteurs français qu’il révère, les grands compositeurs allemands, Goethe... Il parle aussi de la guerre – il a endossé l’uniforme par fidélité à une promesse faite à son père agonisant qui lui enjoignait, bien que francophile lui aussi, de n’aller en France «que casqué et botté»; il est en outre intimement convaincu que de cette guerre, selon lui une formidable opportunité culturelle pour l’Europe, il ne pourra sortir que de grands biens pour l’Allemagne et pour la France…

Je devais apprendre le lendemain, à Plamon, que Le Silence de la mer a d’abord été une nouvelle publiée en 1942 – la première publication des Éditions de Minuit, cofondées à l'automne 1941 par Vercors, de son vrai nom Jean Bruller, et Pierre de Lescure – que l’auteur a lui-même adaptée pour le théâtre sept ans plus tard, en 1949. C’est cette version théâtrale que l’on a vue, mise en scène par Gilbert Ponté et interprétée par Joël Abadie (Werner von Ebrennac), Maryan Liver (la nièce) et Jacques Rebouillat (l’oncle). J’appris aussi qu’il y avait quelques écarts entre la nouvelle et la pièce, imputables à l’auteur lui-même – à un harmonium près, que la mise en scène a dû escamoter car Joël Abadie n’est pas musicien… il n’en a pas moins campé un Werner von Ebrennac époustouflant, mettant en parfaite cohérence ses postures, ses regards, sa gestuelle avec ses inflexions, faisant ainsi éclore à la perception du public toutes les nuances de ses sentiments, ses engouements, ses déceptions… Il faut au passage saluer sa diction: il a su trouver une manière de prononcer les mots qui donne clairement aux syllabes des accents germaniques sans tomber dans les exagérations caricaturales, prenant soin d’user çà et là de menues maladresses lexicales telles qu’un étranger même rompu à la pratique de notre langue en laisse malgré tout subsister dans sa façon de parler. Une sidérante justesse dont Joël Abadie nous dira qu’il la doit à l’immersion linguistique que lui a offerte une année passée en Allemagne quand il était étudiant et dont il a affiné les fruits en se faisant lire par un ami germanophone la traduction allemande de la pièce de Vercors puis en effectuant sans cesse des va-et-vient entre les textes français et allemand.

En réponse à ces monologues successifs, pas un mot ne sort de la bouche de l’oncle et de sa nièce, murés dans leur silence, retranchés dernière un livre ou bien ostensiblement tournés vers le poste de radio qui est de temps en temps mis en marche. Un silence obstiné, infrangible et pourtant il n’est pas abusif d’écrire que ces deux êtres donnent la réplique à Werner: leur mutité déjà est éloquente et l’est davantage encore grâce au formidable discours non verbal qui la soutient en permanence – un jeu élargi qui engage tout le corps, fondé sur des attitudes subtilement modulées, des variations très fines dans les mimiques, l’orientation et l’intensité des regards… Maryan Liver et Jacques Rebouillat jouent leur partition muette avec une magnifique force expressive, qui est exactement au diapason de l’interprétation remarquable de Joël Abadie.

Cette belle synergie d’acteurs s’inscrit dans une mise en scène sobre qui, à l’intérieur d’un décor très épuré, place au centre du jeu un poste de radio et des livres – point n’est besoin de s’attarder sur le sens symbolique que ces objets peuvent avoir par rapport à la parole, à l'échange… et sans doute cette dimension-là a-t-elle eu sa part dans les choix scénographiques. Au bout du compte un spectacle profondément émouvant porté par d'excellents comédiens, unanimement apprécié et applaudi.

LE SILENCE DE LA MER
Une pièce de Vercors.
Mise en scène: Gilbert Ponté
Avec: Joël Abadie, Maryan Liver, Jacques Rebouillat
Création lumières et sons : Kosta Asmanis
Régie lumière : Benoît Cornard
Durée : 1h10
Représentation donnée le lundi 30 juillet à l’abbaye Sainte-Claire.

Ce texte qui incite aux remises en question prend un relief accru grâce à la programmation sarladaise qui a placé cette représentation quelques jours après celle de Jean Moulin, évangile... à bref intervalle se regardent ainsi deux spectacles que tout oppose: l'un est un drame quasi documentaire, l'autre une pure fiction; l'un a des dimensions épiques, l'autre se tient dans l'étroite intimité d'un foyer; l'un met en scène des résistants armés tout entiers immergés dans leurs actions clandestines confrontés à des officiers allemands d'une cruauté exemplaire, dont le "Boucher de Lyon" en personne, l'autre  montre des Français qui résistent sans violence physique à un Allemand fin et sensible... Il n'est pas jusqu'au lieu de représentation qui marque le contraste: la place de la Liberté pour l'un  qui magnifie un héros fameux de la Résistance, la cour de l'abbaye Sainte-Claire, où l’on se sent comme au creux d’une paume repliée en conque, pour l'autre qui met en valeur le sentiment individuel.
Chaque pièce a son sens, sa portée bien à elle, mais d'être ainsi frottées l'une à l'autre toutes deux prennent un éclat un peu différent, que l'on ne verra jamais briller ailleurs qu'à Sarlat.

Début février je recevais le programme du festival; mi-avril se tenait la conférence de presse à Sarlat où, pas plus que les autres années, je ne pouvais me rendre à cette période; peu après ledit programme était en ligne puis, au mois de mai, j’en recevais par courrier la version fasciculaire… Et moi de regarder passer la file de ces petits faits annonciateurs sans pouvoir m’y arrêter fût-ce le temps d’écrire un micro-paragraphe attestant que j’étais bien là, attentive aux réjouissances de plus en plus «prochaines» et soucieuse de m’en faire l’écho. Faute de disponibilités partagées il n’y eut pas même la visite guidée que m’offre chaque année Jean-Paul Tribout – j’avais cependant commencé de préparer une chronique errante, germée sur le seul humus de mes souvenirs et des interconnexions dont ils sont parcourus, ouvrant large les vannes intertextuelles et me donnant ainsi latitude de ramener à la lumière depuis les éditions précédentes tel ou tel fragment laissé à l’abandon, braises sur quoi souffler où palpiterait encore un peu de sens par l'effet même des échos. D'ailleurs, l'illustration de couverture, ces visages stylisés superposés et remplissant l'espace noir de la couverture dont certains s'effacent comme s'ils étaient loin à l'arrière-temps, n'est-elle pas une figuration de ces échos d'une programmation l'autre, qui rebondissent de noms en noms (comédiens, auteurs, metteurs en scène...) ou de titre en titre? Ou bien ces visages sont-ils plutôt la représentation de la foule des spectateurs? Ou encore la multiplicité des rôles qu'endosse un comédien au long de son parcours, les mille voix qu'à travers la sienne seule il fait entendre tour à tour? Peut-être, aussi, faut-il voir dans ces lignes-visages la diversité formelle qu'accueille chaque année le festival ("le théâtre, ce n'est pas ceci ou cela mais ceci et cela")...

Mais les plantules n’ont pas pris; il n’y eut jamais d’elles qu’une trace fantôme en berne dans mes pensées dont ces brèves questions sont les rescapées, une intention mort-née de la même eau que tant d’autres dont je ne cesse de célébrer les funérailles… Un puissant et torpide fléchissement intérieur était-il en train de corrompre mon profond attachement au Festival des jeux du théâtre de Sarlat ? – il faut dire que cette édition 2018, la 67^e du nom, est pour moi la 13^e… je me suis d’ailleurs trouvée empêchée d’assister aux deux premiers spectacles et n'ai pu rallier la cité périgourdine que le 21 juillet quand le festival avait lancé ses premiers feux le 19 - aux Enfeus.

Le jour de mon arrivée, comme en réaction à ces cumuls funestes, d’autres signes plus fastes se sont rassemblés qui semblaient vouloir jouer les aurores: le spectacle du soir était la pièce montée par Jean-Paul, La Ronde d’Arthur Schnitzler – l’un des premiers qui avait suscité mon enthousiasme à la lecture du programme, aux seuls noms du metteur en scène et des comédiens dont tous sauf deux sont de ses complices habituels, et il restait encore des places! je ne tardai pas à découvrir que pour les autres pièces à l’endroit desquelles j’avais d’emblée éprouvé une inclination il y avait aussi des places libres – la joie que j’en éprouvai, et celle tout aussi vive de retrouver à la billetterie Francis et Thomas d’abord, et peu à peu par la suite tous les membres du Comité grâce à qui le festival fait si bon accueil au public comme aux artistes me fit bien vite comprendre que la flamme se rallumait.

À la fin de la représentation de La Ronde, je savais que ma perméabilité à l’émotion théâtrale était intacte, et aussi ma soif de voir, de saisir, d’intelliger (ou tout au moins d’essayer de le faire !) le jeu des comédiens et les éléments dramaturgiques les plus signifiants, grâce à quoi je ne viens jamais tout à fait dépourvue à Plamon, même lorsque je suis ignorante d’à peu près tout ce qui touche à la pièce vue. Il ne me reste plus qu'à transformer cette perméabilité en écriture bien sonnante mais qui ne trébuche pas et, à quelques jours de la fin du festival, le défi n'est toujours pas relevé...

ÉPISODE 2
Vendredi 4 août
18 heures.

Dans une heure débutera la représentation au Plantier. La chaleur est écrasante et le ciel d’un bleu obstiné, têtu. Le soleil, à 19 heures, sera encore assez haut pour faire taire les ombres qui pourtant s’allongent et maintenir élevée une température ardente – non, décidément, je ne prendrai pas le chemin du jardin, bien qu’il y ait un fond de regret dans ma décision: le nom de l’auteur de Il était une fois... le Petit Poucet, Gérard Gelas, est solidement inscrit dans ma mémoire grâce à deux de ses mises en scènes qui, l’une et l’autre à Sarlat, m’avaient totalement séduite (On ne badine pas avec l’amour de Musset en 2006 et Le Crépuscule du Che, de José Pablo Feinmann, en 2011) et je me dis que ne pas voir cette pièce qu'il a écrite privera ma petite "théâtrothèque" personnelle d'une référence de choix. D'autant que ce matin, à Plamon, Emmanuel Besnault, le metteur en scène et fondateur de la compagnie, avait eu les mots qu'il fallait pour inciter là venir au Plantier:

Emmanuel Besnault
[transcription d'après des propos enregistrés le 4 août]

C’est la première pièce qu’on a montée il y a cinq ans; elle est donc fondatrice de notre troupe, la compagnie de L’Éternel Été, qui s'est formée autour de ce spectacle. Pour ma part j’ai commencé le théâtre à Avignon, où j’ai travaillé avec Gérard Gelas et quand on a été en recherche d’un texte à monter pour nos débuts, nous lui avons demandé l’autorisation de monter celui-ci, qu’il avait lui-même mis en scène en 1999, je crois, mais qui n’avait jamais été rejoué depuis. Pour sa pièce, Gérard Gelas s'est emparé du conte du conte de Charles Perrault – qui lui-même l’a emprunté à la tradition populaire – et  nous-mêmes avons un peu adapté l’adaptation de Gérard, nous y avons ajouté notre patte…mais nous savons que nous avons son entier soutien. Au début, on retrouve le Petit Poucet devenu vieux, riche… et marquis. Mais il a perdu la mémoire, et ce sont ses serviteurs qui vont, en interprétant tour à tour les personnages qu’a rencontrés Poucet au cours de son aventure, et d’autres encore, l’aider à retrouver la mémoire. C’est un spectacle musical, avec des guitares, des percussions, qui repose sur les codes du théâtre de tréteaux et s'inspire beaucoup de la Commedia dell'arte, à cela près que nous jouons sans masques. Mais le travail corporel est le même. En tout cas, nous nous sommes efforcés d'en faire un spectacle pour tous les publics, enfants et adultes. C'est la première fois que nous le jouons en plein air, et nous sommes particulièrement heureux que cette première fois soit ici, à Sarlat, dans ce superbe jardin...

Cela n’a pas cependant pas suffi à m’entraîner vers la billetterie: je me donnai encore jusqu'au moment de la représentation pour, s'il en restait, acheter une place  – déjà je soupçonnais que la chaleur me vaincrait… Eût-il fait moins chaud, le soleil eût-il été moins criant dans son azur immaculé… ou quand un imparfait du subjonctif vaut pour un de ces «si…» avec lesquels on mettrait sans peine le monde en bouteille.

IL ÉTAIT UNE FOIS... LE PETIT POUCET
Texte de Gérard Gelas d’après le conte de Charles Perrault
Mise en scène:
Emmanuel Besnault assisté de Cyril Manetta
Avec:
Johanna Bonnet ou Elisa Oriol, Benoît Gruel, Schemci Lauth, Maïa Liaudois, François Santucci, Deniz Turkmen, Manuel Le Velly
Musique originale:
Luc Santucci, Manuel Le Velly
Lumières:
Cyril Manetta
Durée:
55 mn

Représentation donnée le 4 août au jardin du Plantier.

***

11 heures et des poussières, à Plamon.

La réunion s'ouvre sur les réactions au spectacle de la veille, Vient de paraître, d'Édouard Bourdet. Tous les comédiens sont là, sauf Xavier Simonin... pour recueillir des louanges unanimes: qualité de l'interprétation, dynamisme de la mise en scène, décor et costumes... Le public présent est enchanté, ravi d’avoir passé «un excellent moment». Je fais partie des heureux: revoir la pièce hier m’a comblée. Sans y avoir vu surgir des éléments qui seraient demeurés cachés ou incompris la première fois, de petits détails narratifs oubliés me sont réapparus tandis que les souvenirs subsistants me permettaient, à cette seconde perception, d’apprécier avec davantage d’acuité nombre de subtilités que j’avais d’abord à peine entraperçues. Avoir revu Vient de paraître m’a offert une pièce non pas «nouvelle» parce que des voiles épais s’y seraient défaits enfin de leur opacité mais ravivée, les couleurs d’interprétation ayant pris plus d’éclat parce que j’avais mieux senti la richesse de leurs nuances. C’est d’ailleurs autour des qualités d’interprétation que s’articulent les premières interventions, toutes se rejoignant sur la finesse avec laquelle Bourdet fait évoluer ses personnages et en accentue certains traits sans les caricaturer – et sur l’admirable manière dont le jeu des comédiens autant que la mise en scène l’ont servie. Une fidèle spectatrice résuma en quelques appréciations bien carrées l’intérêt, et surtout le plaisir, qu’elle avait trouvés au spectacle – des mots que, sans doute, à peu près tous les présents ce matin pourraient reprendre à leur compte:

Je trouve que cette pièce pose de vraies questions – certes déjà abordées par maints créateurs, non seulement en littérature mais dans toutes les autres formes d’art mais ici doublée d’une satire du monde de l’édition encore très actuelle, très bien conduite, où l’on rit beaucoup, avec des personnages très typés et une intrigue qui va très vite au début puis qui se développe, avec un certain cynisme. C’est extrêmement brillant, et je suis sortie très heureuse de ce spectacle: j’ai ri, j’ai réfléchi, et j’ai trouvé ça très agréable.

Puis au gré de nouvelles prises de parole la discussion s’écarte des aspects purement narratifs et théâtraux pour s’orienter sur les thèmes plus fondamentaux et, comme cela arrive souvent lors de ces réunions matinales, ce n’est pas ceux auxquels on se serait attendu qui font débat – ainsi une spectatrice qui voyait la pièce pour la troisième fois fit-elle de cette évidente satire du macrocosme éditorial s’attardant avec tout de même beaucoup de clarté sur les affres de la création, la question du statut de l’écrivain… rien moins qu’un «portrait de la condition féminine des années trente»! Et cela au travers du seul personnage de Jacqueline, la femme de Marc qui, «pour trouver son indépendance, est obligée de se mettre au service du travail de son homme, parce que sa seule porte de liberté passe par le travail de l’homme avec qui elle est mariée». Eh bien! la condition féminine d’une époque tout entière portée par la seule Jacqueline? J’avoue n’avoir pas pensé une seconde qu’on pût «recevoir» Vient de paraître de la sorte. De plus, je ne suis pas sûre que Jacqueline soit l’humble femme assujettie au mâle qu’a vue cette spectatrice – et d’autres avec elle à en juger par deux ou trois autres réflexions du même ton qui ont suivi: elle m’est plutôt apparue comme une incarnation de l’égérie, cette âme de l’ombre veillant sans relâche sur la créativité d’un artiste chéri – qu’il soit ou non son époux officiel – dont l’histoire des lettres, pour n’évoquer que l’art littéraire, fournit de multiples exemples. Des femmes certes souvent occultées par l’envergure de l’artiste à qui elles se dévouent de leur plein gré mais qui ne méritent pas pour autant d’être assimilées à de pauvres victimes du machisme généralisé. Oui, à mes yeux, la Jacqueline de Bourdet a tout de l'égérie: consciente du talent de Marc comme de son excessive humilité et œuvrant à son insu à sa reconnaissance, elle évolue assez vite en un sévère «garde-lettres» qui non seulement surveille chaque jour le nombre de pages écrites par son mari mais va aussi se substituer à lui pour négocier – âprement soit dit en passant! – le montant de ses droits et à-valoir auprès de son éditeur… sans compter qu'elle est un formidable «catalyseur» d’écriture. Ainsi occupe-t-elle, me semble-t-il, une position finalement dominante, plus dominante encore que si elle était elle-même écrivain et autonome financièrement – n’est-ce pas être davantage dominateur que d’exercer une puissante influence sur autrui au lieu de se gouverner soi seul?

Mais la condition féminine est, in fine, assez vite laissée de côté et Jean-Paul Tribout rappelle un des thèmes de la pièce que personne n’a encore évoqué: La manière dont chaque créateur, que ce soit Bourgine, Maréchal, ou Marc, fait son miel de ce qui se passe; comment on fabrique de l’art à partir de la vie quotidienne, ou de la souffrance – ce thème de la souffrance dont se nourrit l’artiste est peut-être une vision très XIX^e siècle de l’art mais en tout cas, il est traité par Bourdet.

La conversation, ainsi ramenée aux questions artistiques de fond, revient en même temps sur des points strictement dramaturgiques, jeu, décor, mise en scène… toujours sur le ton de la louange – et le spectacle de continuer à pousser en moi ses rhizomes prolifiques dont les premiers se sont formés voici maintenant presque un an, sur la plupart desquels ma modeste aptitude à trouver les mots a toujours aussi peu de prise…

Lorsqu'un directeur artistique en poste depuis plus de vingt ans expose la programmation d'un festival à une spectatrice qui elle-même suit ledit festival depuis plus de dix ans, la présentation devient vite réticulaire et naît d’un mycélium se déployant  en des humus d'autant plus riches et profonds que les années s'accumulent... Le «pitch» est là pour chaque spectacle, tout aussi tiré au cordeau que celui publié dans le programme officiel, puis souvent cela glisse aux souvenirs, aux entrecroisements d'une édition l'autre...

Jeudi 20 juillet, 21 h 45, jardin des Enfeus.

La Peur (d’après la nouvelle de Stefan Zweig). Mise en scène d’Élodie Menant.

Où l’on retrouve Stefan Zweig, dont on avait vu en 2016 une adaptation théâtrale de son autobiographie, traduite en français sous le titre Le Monde d’hier… Et Élodie Menant, déjà venue à Sarlat au service de Zweig, en 2012 avec La Pitié dangereuse où elle incarnait Édith, une jeune fille paraplégique clouée dans un fauteuil roulant. Cette année Élodie Menant a adapté et mis en scène l’une de ses nouvelles, où le rôle principal est confié, ici, à Hélène Degy – dont Jean-Paul souligne qu’elle a été nominée aux Molières comme «Révélation féminine». La Peur est fondée sur une intrigue classique – une femme mariée a un amant et sa liaison est découverte par une autre femme qui entreprend de la soumettre à un chantage. Mais la manipulatrice pourrait bien ne pas être celle que l’on croit… et, aux dires de Jean-Paul, Éodie Menant a traité avec beaucoup de finesse la tension qui s’installe et confinerait presque au suspense hitchcockien…

Nous n’aurons hélas pas le plaisir de pouvoir discuter avec Élodie de son travail car sitôt après avoir joué à Sarlat, elle devra rejoindre Avignon où elle incarne Sarah dans la pièce de Michelle Laurence, Après une si longue nuit.

Vendredi 21 juillet, 21 heures, abbaye Sainte-Claire.

Afrika Mandela, de Jean-Jacques Abel Greneau. Mise en scène de Katy Grandi.

Le titre dit à lui seul ce dont il va être question: l’Afrique du Sud de Nelson Mandela, comment le pays a basculé de l’apartheid à la Nation Arc-en-ciel, comment celui qui a passé vingt-sept ans de sa vie en prison est devenu chef de l’État… Ces grandes pages d’histoire nous sont délivrées par la bouche d’un porte-parole de la mémoire de Mandela, qui se confie à une jeune journaliste. «Mais attention, précise Jean-Paul: ce n’est pas du théâtre documentaire! c’est une véritable œuvre dramatique, avec une très belle écriture, une très belle langue – et d’excellents comédiens.»

Samedi 22 juillet, 21 h 45, jardin des Enfeus.

Le Melon qui… comédie musicale de Jean-Luc Annaix.

«Comme je te l’ai annoncé tout à l’heure, poursuit le directeur artistique, la dominante de cette année est musicale. Jean-Luc Annaix est un grand spécialiste de la comédie musicale et dirige une compagnie basée à Nantes. C’est un habitué de Sarlat: il y a présenté de très beaux spectacles – Et Dokk, donc, s’en vint sur Terre…, Un songe d’une nuit d’été… mais il est vrai que parfois, c’est un peu moins convaincant. [Jean-Paul penserait-il à cette conférence chantée donnée en 2009, dont je garde un assez morne souvenir?] Là cette fable est particulièrement réussie: on nous raconte l’histoire d’un chapeau melon en butte aux menées d’un groupuscule, l’Ordre du Melon, voué à interdire le port du chapeau melon à toute la société. Les artistes entrent en résistance, et partent à la recherche, notamment au paradis, de tous ceux qui ont érigé leur chapeau melon en emblème de la fantaisie, de la poésie: Laurel et Hardy, Charlie Chaplin, Annie Fratellini… C’est une comédie musicale, mais l’on y voit aussi des marionnettes, du théâtre d’objets… »

Dimanche 23 juillet. Journée des auteurs, abbaye Sainte-Claire.

18 heures: Une femme à Berlin. Mise en lecture: Jean-Paul Tribout.

Ce texte, qui se présente sous la forme d’un journal anonyme et a été publié pour la première fois aux États-Unis en 1954, retrace le quotidien d’une Berlinoise au moment de la chute de Berlin, en 1945. Ce n’est qu’en 2003, à la faveur d’une réédition, que l’on découvrira l’identité de l’auteur. En 1945, au moment de l’occupation de Berlin par les Russes, elle a une trentaine d’années…
Jean-Paul Tribout:
Les civils ne pouvaient pas quitter la ville et l’on estime que quelque cent mille femmes ont été violées, en général plusieurs fois et par plusieurs hommes car, c’est bien connu, en période de guerre la femme est considérée comme un butin. Au fil de son journal, on comprend combien ce qu’elle traverse est différent d’un viol individuel; on la voit aussi mettre en place une stratégie pour se préserver: tâcher de se rapprocher assez d’un officier qui serait à même de la protéger des autres et de lui donner accès à des conditions de vie acceptables – la situation des femmes berlinoises est telle qu’elles forgent un terme spécifique signifiant «coucher pour manger»… C’est, d’une certaine manière, le journal de sa survie que tient cette femme, tout en élargissant son propos à des questionnements plus larges. Par exemple, couchant pour manger, elle se demande si elle peut être considérée comme une prostituée, et de là ce qu’est la prostitution; elle s’interroge, aussi, sur le rapport à la langue: elle se dit notamment qu’il est plus facile de supporter des exactions commises par des hommes dont on ne comprend pas la langue car, ceux-là proférant sons non compris, ils ne peuvent être considérés comme des humains et l’on endure mieux des sévices infligés par des non-humains. Mais elle-même ayant beaucoup voyagé, elle parlait un peu le russe, ce qui bien sûr l’a notablement aidée. J’ai fait de ce journal une petite adaptation destinée à la lecture, dont j’ai confié l’interprétation à Caroline Maillard, la comédienne qui joue dans Vient de paraître. Et si l’accueil du public est bon, j’irai jusqu’à la mise en scène.

19 h 30: apéritif et assiette périgourdine.

21 heures: Adolf Cohen, de Jean-Loup Horwitz.

Adolf Cohen est l’histoire d’un homme qui, né avant la Seconde Guerre mondiale dans une famille juive non religieuse, est baptisé Adolf par des parents alors bien loin de se douter que ce prénom allait bientôt se retrouver fort chargé… Ses parents sont déportés, il est adopté par une famille catholique puis, dans les années 50, il part en Israël où il tombe amoureux d’une jeune musulmane… On voit que le héros est confronté de plein fouet à quelques-uns des bouleversements tragiques qui ont déchiré le xx^e siècle mais, malgré tout et bien qu’elle pose des questions identitaires on ne peut plus sensibles, cette pièce reste très humoristique.

L’on aurait dû voir cette pièce l’an passé, également en seconde partie de cette même Journée des auteurs mais il avait fallu la déprogrammer à la dernière minute à cause d’un deuil qui avait de frapper l’auteur. C’est Isabelle de Botton, figurant d’ailleurs dans la distribution d’Adolf Cohen, qui avait assuré le remplacement, en venant interpréter un émouvant seul-en-scène – une évocation «poéticautobiographique» de sa famille et de son parcours où étaient aussi posées des questions identitaires, doublées de considérations quant à la condition féminine distillées à petites touches pleines de tendresse, intitulée alors Moïse, Dalida et moi puis reprise en septembre dernier au théâtre de la Bastille sous un titre autrement plus explicite: La Parisienne d’Alexandrie.

Lundi 24 juillet, 21 h 45, jardin des Enfeus.

L’Affaire de la rue de Lourcine, d’Eugène Labiche. Mise en scène de Patrick Pelloquet.

Plus trace de gravité ici, avec ce Labiche monté de manière extrêmement dynamique par un Patrick Pelloquet très inspiré par le slapstick américain et qui a mandé un musicien bruiteur pour ponctuer le spectacle de ses créations sonores un peu comme dans un dessin animé et qui demeure sur scène tout au long du spectacle.
Patrick Pelloquet, un habitué de Sarlat et qui, lors de son dernier passage en 2015, nous avait offert un Serment d’Hippocrate signé Louis Calaferte, très drôle mais qui n’était pas de la comédie pure: l’humour y grinçait et il y avait de la satire en texte qui pouvait jaunir le rire. Une pièce qui a été reprise au début de 2017 au Théâtre 14.

Mardi 25 juillet, 21 heures, abbaye Sainte-Claire.

Racine, ou la leçon de Phèdre. Conception, mise en scène et interprétation: Anne Delbée.

Jean-Paul Tribout:
Voilà un spectacle qui ne va probablement pas faire l’unanimité – c’est une manière assez déjantée de fréquenter Racine: en effet, le parti pris de cette pièce est de présenter Racine comme un voisin de palier, que la narratrice côtoie depuis une cinquantaine d’année… Il y a des moments d’une très grande audace qui risquent de bousculer le spectateur mais l’on sent chez Anne Delbée un tel amour de Racine que ça force le respect, et je me suis dit qu’il fallait absolument programmer ce spectacle, en me doutant bien que les discussions à Plamon promettaient d’être vives…

Mercredi 26 juillet, 21 h 45, place de la Liberté.

Ivo Livi, ou le destin d’Yves Montand, d’Ali Bougheraba et Cristos Mitropoulos. Mise en scène de Marc Pistolesi. A obtenu le Molière 2017 du meilleur spectacle musical.

Jean-Paul Tribout:
Comme pour Afrika Mandela, le titre dit tout. La vie et la carrière d’Yves Montand sont retracées en flash back à partir de sa mort. À travers le destin individuel du petit immigré italien venu en France avec sa famille pour fuir le fascisme et qui devient, à travers son parcours artistique et ses engagements politiques, l’emblème d’une certaine France, c’est une sorte de destinée achétypique qui se dessine. C’est très réussi sur le plan dramatique, les comédiens chanteurs sont d’excellents interprètes qui, d’ailleurs, ne chantent pas que des chansons de Montand: beaucoup sont des créations originales écrites tout exprès pour le spectacle.

Cette évocation d’Yves Montand me fait aussitôt penser à celle de Brassens qu’avait présentée, en 2012, Michel Arbatz: Chez Jeanne. La Jeunesse de Brassens. L’on y découvrait l’enfance et la trajectoire du chanteur jusqu’à sa première scène parisienne et nous le faisait quitter au seuil de la renommée – une biographie superbement mise en récit dont je conserve un merveilleux souvenir, une «existence scénique» poétique et pleine de grâce doublée d’une façon de chanter délectable qui restituait Brassens sans chercher à l’imiter.

Jeudi 27 juillet, 21 h 45, jardin des Enfeus.

Lettres à Élise, de Jean-François Viot. Mise en scène d’Yves Beaunesne.

À partir de 1917, on sait qu’il a circulé entre le front et l’arrière environ quatre mille lettres par jour. Jean-François Viot, un auteur belge, a puisé dans ce fonds la matière d’une correspondance fictive mais intégrant des passages authentiquement écrits, entre Jean-Martin, un instituteur auvergnat parti à la guerre, et sa femme Élise. Au fil des lettres on perçoit l’évolution des sentiments, la manière dont chacun, du côté où il se trouve, tâche de préserver l’autre – le soldat ne disant pas jusqu’au bout les horreurs du front, l’épouse masquant son inquiétude et ses moments de désespoir.

Pour cette pièce, une commande de la compagnie des Baladins du miroir créée en 2014, Jean-François Viot a obtenu cette même année le prix littéraire du Parlement de la fédération Wallonie-Bruxelles.

Vendredi 28 juillet.

19 heures, jardin des Enfeus
L’Envol de la fourmi, fantaisie funambulesque pour poules et clown de Johanna Gallard. Mise en scène d’Aèll Nodé Langlois (spectacle jeune public).

Jean-Paul Tribout:
Venue pour la première fois l’an passé, Johanna Gallard avait remporté un franc succès avec L’Île sans nom et nous l’avons donc réinvitée. Elle danse toujours sur son fil mais cette fois avec des poules, qu’elle a d’ailleurs eu, paraît-il, bien du mal à dresser pour qu’elles daignent se perche  sur le fil…

Que ni les membres du Parti animaliste ni les grands veilleurs de la cause animale point ne s’émeuvent: il est pris grand soin des poules et celles-ci sont, à ce que m’explique Jean-Paul, des quasi-divas dont les conditions d’hébergement ont au préalable été dûment stipulées jusque dans les moindres détails : elles doivent bénéficier d’une surface gazonnée, de cages aux dimensions précises qui seront placées à l’ombre, sous de petits chapiteaux… Osons écrire qu’elles seront traitées… comme coqs en pâte sans quoi elles refusent paraît-il de travailler.

21 h 45, place de la Liberté
Monsieur de Pourceaugnac, comédie-ballet de Molière et Lully. Mise en scène de Raphaël de Angelis.

L’argument est des plus plus convenus: un barbon a pour projet de marier sa fille à un gentilhomme de province morne et ennuyeux, lequel bien sûr n’a pas les faveurs de la belle qui a les yeux tournés vers un autre soupirant, et tout l’enjeu de l’intrigue va consister à faire capoter le mariage, à quoi vont s’employer une suivante et un «homme d’intrigue». Voilà une comédie qui n’est pas réputée être la meilleure de Molière ni la plus subtile tant les ressorts comiques sont jugés grossiers et caricaturaux – c’est une farce, où l’auteur, selon certains critiques, s’avère bien peu regardant quant aux moyens de faire rire (par exemple en recourant à la caricature usée – déjà! - du provincial benêt face aux Parisiens…). Rappelons à toutes fins utiles que Monsieur de Pourceaugnac est une commande, faite à la troupe de Molière pour divertir une assemblée de chasseurs et que le spectacle a dû être monté en une quinzaine de jours…) Mais c’est surtout une comédie-ballet comme on en raffolait à la cour de Louis XIV, emmenée par la brillante musique de Lully…

Raphaël de Angelis était déjà venu à Sarlat en 2013, pareillement au service de Molière, avec un spectacle de tréteaux qu’avait accueilli le jardin du Plantier: La Jalousie du barbouillé et Le Médecin volant, deux pièces courtes donc difficiles à jouer isolément qui étaient réunies en un seul spectacle. Servi par un dispositif scénique simplissime – un drap blanc tendu en fond de scène – et un bel usage des masques dont je devais apprendre qu’il était nourri de deux traditions particulièrement inspirantes pour le metteur en scène ‒ celle, italienne, de la Commedia dell’arte et celle, japonaise, du théâtre nô ‒ le jeu farcesque de comédiens formidablement dynamiques avait suscité force rires et applaudissements chez un public ravi. La comédie-ballet qu’il présente cette année est d’une tout autre ampleur et le metteur en scène convoque, opportunément, les grands moyens: instruments anciens pour interpréter les compositions de Lully, marionnettes et personnages de carnaval pour accompagner les comédiens dans leur jeu. C’est ainsi la place de la Liberté qu’il investit, un espace à la juste mesure de ce qu’il a imaginé – et du large public que ne manquera pas d’attirer le nom de Molière.

Samedi 29 juillet, 21 h 45, jardin des Enfeus.

Chacun sa vérité, de Luigi Pirandello. Mise en scène d’Odile Mallet et Geneviève Brunet.

Signe particulier: les metteuses en scène sont sœurs jumelles, plus qu’octogénaires, toutes deux veuves d’un comédien – Jean Davy pour Odile, Georges Descrières pour Geneviève. «Toutes deux sont beaucoup venues à Sarlat dans les années 60, 70, mais elles continuent à monter des spectacles sans désemparer, et n’hésitent pas à rester sur le plateau jusque très tard dans la nuit quand le réglage des lumières l’exige, rapporte Jean-Paul Tribout avec une pointe d’admiration dans la voix. J’ai vu le spectacle au théâtre du Nord-Ouest, je l’ai franchement apprécié et comme je n’avais encore jamais programmé Pirandello, je me suis décidé cette fois-ci car, mis en scène par ces deux femmes formidables, ça vaut vraiment le détour.»

Cette pièce en trois actes, créée en 1917 et écrite d’après une nouvelle que Pirandello avait publiée en 1915, se situe dans une petite ville italienne, où un nouveau fonctionnaire, M. Ponza, vient d’être nommé. Il arrive avec sa femme et sa belle-mère, et loge cette dernière dans un petit appartement à quelque distance du sien. Très vite la rumeur se répand que M. Ponza séquestre sa femme, et qu’il empêche sa belle-mère de voir sa fille. De son côté, M. Ponza va régulièrement voir sa belle-mère qu’il semble traiter avec beaucoup d’égards, et explique à la ronde qu’elle est folle. Quant à la belle-mère, elle dit à qui veut l’entendre que son gendre est fou… Chacun groupe ainsi autour de lui ses partisans. Mais qui de l’un ou de l’autre dit la vérité?...

Dimanche 30 juillet, 21 h 45, place de la Liberté.

Le Cid, de Pierre Corneille. Mise en scène de Dominique Serron.

Rodrigue, Chimène, don Diègue, ô vieillesse ennemie… sans doute peut-on faire l’économie d’un résumé de cette pièce-phare de notre littérature, dont presque tout le monde a en tête au moins un vers entier. Mais l’on soulignera, parmi les partis pris de mise en scène adoptés par cette compagnie venue de Belgique, L’Infini théâtre, ce choix d’avoir inséré des intermèdes musicaux – tango et flamenco – qui,  selon Jean-Paul, s’intègrent parfaitement et ne font nul ombrage aux vers cornéliens. Et puis celui, aussi, de montrer sur le plateau la théâtralité en train de se construire: les costumes, les accessoires sont là, les comédiens au début comme en phase d’échauffement puis qui peu à peu entrent en incarnation.

À ces mots je pense à Romeo et Juliet mis en scène par Vinciane Regattieri (vu en 2013) mais Jean-Paul me ramène, plutôt, vers Hamlet 60 (mis en scène par Philippe Mangenot, vu en 2014) – sans doute l’«être» du spectacle tient-il des deux, et d’autres encore auxquels je ne pense pas faute de les avoir vus? Toujours est-il que ma curiosité est éveillée, et augmentée par la petite visite que j’ai faite sur le site de la compagnie, à la page du Cid…

Lundi 31 juillet, 21 heures, abbaye Sainte-Claire.

Une nuit de Grenade, de François-Henri Soulié. Mise en scène de Jean-Claude Falet.
En partenariat avec le centre culturel de Sarlat.

Cette nuit est celle qui commence au soir du 18 août 1936, dans le bureau du gouverneur franquiste de la place. Face à lui, le compositeur Manuel de Falla (1876-1946) qui, venant d’apprendre l’arrestation de son ami Federico Garcia Lorca et le sachant menacé de mort, a décidé de tout tenter pour le sauver. Non par réelle affinité idéologique mais au nom de la liberté artistique, par essence incompatible avec la dictature. «La confrontation est tendue, le dialogue d’une grande intensité. Et même si nous savons comment cela s’est fini pour le poète, nous n’en sommes pas moins happés par le suspense qui s’instaure», conclut Jean-Paul qui à l’évidence a beaucoup aimé cette pièce dont l’auteur, vivant à Montauban, est un homme de théâtre aux multiples casquettes devenu il y a peu auteur de polar avec un premier roman publié au Masque intitulé Il n’y a pas de passé simple – un roman «très écrit» selon Jean-Paul qui, au moment de notre rencontre, était en train de le lire. Quant à la compagnie qui s’est emparée d’Une nuit à Grenade, la compagnie Label Étoile, elle est basée Mont-de-Marsan.

Mardi 1^er août, 21 h 45, jardin des Enfeus.

La Poupée sanglante (d’après le roman de Gaston Leroux). Comédie musicale de Didier Bailly et Éric Chantelauze. Mise en scène d’Éric Chantelauze.

Jean-Paul Tribout:
C’est, au sens propre, une «comédie musicale de poche»: le spectacle a été créé au théâtre de la Huchette, à trois comédiens plus un pianiste. Une telle approche peut surprendre quand on connaît le roman, et si l’on a vu le feuilleton télévisé de la fin des années 70 avec Yolande Folliot, Jean-Paul Zenacker... mais c’est très bien interprété, très bien chanté, et l’on passe vraiment un excellent moment.

Ayant encore en tête toutes fraîches les images de ce feuilleton qui a enchanté mon enfance (ô le magnifique Gabriel...) saurai-je m’en détacher assez pour ne plus voir que ce spectacle?

Mercredi 2 août, 21 heures, abbaye Sainte-Claire.

Le Cas Martin Piche, de Jacques Mougenot. Mise en scène de Hervé Devolder.

Ni Hervé Devolder ni Jacques Mougenot ne sont des «primo-invités» au Festival: le premier était venu en 2011 avec Jupe courte et conséquences, une pièce dont il signait et le texte et la mise en scène, le second avait présenté L’Affaire Dussaert en 2007 dont il était aussi l’interprète puis était revenu en avec son frère François en 2009 pour interpréter La Cigale et la fourmi, une libre appropriation de la fameuse fable de La Fontaine qu’ils avaient cosignée.
Jean-Paul Tribout:
Ce Cas est un spectacle extrêmement amusant qui met en scène deux personnages: un psy confronté à un patient envoyé par sa femme, lasse de le voir s’ennuyer sans cesse. Le seul moment où, manifestement, il ne s’ennuie plus c’est quand il dort – de fait il n’en profite pas vraiment… C’est un divertissement proche du théâtre de l’absurde, très fin et fort bien interprété.

Jeudi 3 août, 21 h 45, Jardin des Enfeus.

Vient de paraître, d’Édouard Bourdet.

En 1927 déjà – date de création de la pièce – le Goncourt était un prix suffisamment fameux pour être satirisé sous les traits d’un «prix Zola», convoité par les grands éditeurs parisiens et, parmi eux, Julien Moscat, que l’on découvre au début de la pièce à quelques heures de son attribution. Fébrile, mais certain de l’obtenir grâce à son auteur vedette, Maréchal – et d’ailleurs se comportant comme si c’était chose faite. Ce n’est que justice: il s’est démené comme un beau diable, a négocié tous azimuts pour s’assurer les voix des «jurés qui comptent». Mais un inconnu survient, humble déposeur de manuscrit qui vient gripper les rouages. Peu importe: un éditeur de l’envergure de Moscat sait réagir vite et parer au plus inattendu de telle manière qu’une situation sur le point de lui échapper vire in fine à son très grand avantage…
Je ne doute pas de revivre ici, agrémenté des variantes inhérentes au plein air, le délectable moment qui avait égayé ma rentrée en octobre dernier au Théâtre 14… 

Vendredi 4 août, 21 h 45, jardin du Plantier.

Il était une fois… le Petit Poucet, de Gérard Gélas (d’après le conte de Perrault). Mise en scène d’Emmanuel Besnault.

Jean-Paul Tribout:
Ce n’est pas du tout une adaptation du conte de Perrault: l’auteur entreprend d’imaginer ce qu’est devenu Poucet après que le conte le laisse à son destin. On le retrouve donc vieux, qui a passé toute sa vie à raconter son histoire – celle que tout le monde connaît grâce à Perrault – mais n’en est plus guère capable parce qu’il perd un peu la tête… Alors ce sont ses serviteurs qui raccommodent les trous de mémoire, à l’aide des souvenirs qu’ils ont conservés des innombrables récits sempiternellement recommencés de leur maître. C’est un spectacle musical très bien conçu, parfaitement adapté aux conditions particulières imposées par le jardin du Plantier et véritablement à même de ravir les publics de tous âges.

Samedi 5 août, 21 h 45, jardin des Enfeus.

31, comédie musicale de Gaétan Borg et Stéphane Laporte. Mise en scène de Virginie Lemoine.

L’on prend ici, au son du piano, l’histoire à rebours de quatre amis qui ont  l’habitude de se retrouver tous les ans pour fêter ensemble la Saint-Sylvestre. Ce 31 décembre 1999 pourtant, l’ambiance n’est pas formidable… de là s’engage un questionnement sur ce qui fonde l’amitié, l’amour, et qui pousse les quatre amis à revivre rétrospectivement chaque 31 décembre qu’ils ont passé ensemble depuis qu’a débuté leur relation.
J’imagine qu’il y aura certes de l’allégresse mais aussi une bonne dose de nostalgie comme toujours quand on commence à regarder dans le rétroviseur mais, lorsque Jean-Paul conclut en disant «C’est le spectacle le plus gay du Festival», je comprends qu’il y autre chose  à comprendre que la simple gaîté suscitée par un spectacle «très joliment chanté et joué». Quelque «question de genre» dans l’air du temps...?

Le temps que dura cette évocation de la toute prochaine édition du festival sarladais, ponctuée d'innombrables souvenirs et échos remontés à fleur de phrases comme autant de bulles chamarrées, j'eus le sentiment étrange d'être blottie au cœur d'une bulle transmonde, dont les parois translucides étaient mille Sarlat chacun à l'heure du Festival tandis qu'à l'extérieur Paris, amuï, pesait de tout son poids de concrétude ici-et-maintenant. Ici et de multiples ailleurs se juxtaposant – mélange troublant ravivé par cette longue et lente phase de mise en écriture et dont la saveur persistante me dit, lancinante, que décidément le Festival toujours m’appelle…

Le mercredi 27 juillet, exceptionnellement en dehors du traditionnel doublet de la Journée des auteurs, il y avait, au menu festivalier, deux spectacles. En plus de celui du soir – Mon oncle le Jaguar, d’après une nouvelle de l’écrivain brésilien João Guimarães Rosa – un autre se donnait en fin d’après-midi, qu’un léger excédent de trésorerie avait permis d’inviter et destiné au jeune, voire très jeune public: L’Île sans nom, une pièce de «théâtre poétique sur un fil» conçue et mise en scène par la danseuse sur fil Johanna Gallard.

Il y a beau temps que je n’appartiens plus aux classes d’âge concernées par ce que labellise la mention «jeune public» et, par ailleurs, je me sais dépourvue de cette inclination particulière de l’âme qui rend un adulte capable d’entrer de plain-pied dans ces univers que lui-même dit, et de toute la hauteur de sa «maturité», «enfantins» ‒ mais j’avais tout de même décidé d’aller voir L’Île sans nom, curieuse de tester ma capacité à recevoir un récit transmis par le seul langage non verbal. Je me disais en outre que ce dernier y serait comme mis à nu, rendu à sa pleine signifiance dramaturgique, et que mon œil, non «voilé» par l’écran intangible d’un texte qui monopolise l’attention à son seul profit – une «captation» dont un spectateur n’a pas forcément conscience, sauf quand le dire se retire et laisse place aux silences… ou que le dire ne raconte pas la même chose que le corps et fait hiatus… –, en saisirait mieux l’importance.

En voyant arriver sur scène le premier personnage avançant difficultueusement, tout enfoui sous de gros oreillers blancs au point d’en avoir une paire pour «chaussons» dont il va se débarrasser un à un pour trouver peu à peu une démarche assurée et grimper enfin sur le fil, je me suis tout de suite murmuré in petto «c’est un dormeur qui s’éveille dans son propre rêve». Ainsi me suis-je rendu compte qu’en l’absence de paroles qui donneraient le la de l’histoire à suivre je sécrétais moi-même du discours, je reconstituais inconsciemment, par une sorte d’opération-réflexe, la «textualité» manquante à partir de ce que me montraient les gestes, les mimiques des comédiens – et de ce que me faisait entendre une bande-son très présente. Mais assez rapidement, des aspérités ont surgi. Je sentais des ruptures, par moments je me trouvais incapable de mettre des phrases qui fissent lien entre les éléments que je percevais – et l’accompagnement sonore a je crois été pour beaucoup dans ce trouble: très agréable en lui-même, mêlant très harmonieusement mélodies instrumentales et passages bruités, percussifs, il m’a en revanche beaucoup perturbée par son rapport, plus que lâche, avec les gestes et les mimiques. Ses rythmes n’étaient presque jamais ceux du jeu des comédiens, un jeu qui de plus paraissait déconnecté de ce qu’allumaient dans l’imagination les sons et les mélodies, parfois la musique s’arrêtait tandis que les comédiens continuaient d’évoluer… bref: elle semblait vivre sa propre vie, sauf en de trop rares occasions où la rencontre heureuse se produisait, par exemple quand l’un des personnages éprouve le fil en lui donnant avec ses doigts repliés de petits coups, dont on entend le bruit amplifié en parfaite synchronisation… J’appris le lendemain que cette bande-son était une composition originale, dont les mélodies étaient jouées sur des instruments anciens, et dont les passages bruités avaient été réalisés à partir de bruits issus du fil. J’appris aussi qu’il y avait, à chaque représentation, de subtiles variations dans le spectacle qui exigeaient alors des adaptations très précises de la bande-son et que, à cet égard, il y avait eu aux Enfeus quelques cafouillages techniques qui avaient perturbé la synchronisation. Ma «gêne sonore» avait trouvé son explication – mais expliquait-elle à elle seule pourquoi j’avais été incapable de saisir une quelconque continuité narrative? Malgré tout, je garde le souvenir d’une succession de séquences en effet très poétiques, interprétées par des comédiens aux gestes gracieux, aux mimiques très expressives et jouant avec délicatesse de quantité d’accessoires qui contribuent beaucoup à cette poésie – par exemple de fines baguettes de bambou, ou des grappes de ballons multicolores… Cela a suffit à faire mouche : le public enchanté a longuement applaudi, et les enfants se sont pressés sur la scène à la fin de la représentation pour faire leur «baptême de fil» ‒ une traversée d’un bout à l’autre du fil que propose systématiquement au public (sans distinction d’âge) Johanna Gallard afin que l’on puisse avoir une petite idée de ces sensations si particulières que procure l’évolution sur fil.

À vrai dire un peu échaudée par ma déception insulaire, je redoutais assez d’être à nouveau déçue en arrivant à Sainte-Claire, d’autant que je n’avais pas eu le temps de découvrir le texte au préalable ni même de m’informer sur l’auteur au-delà de ce qui en avait été dit à Plamon. Mais dès le début un charme a opéré – rétrospectivement je sais que c’est la perception immédiate d’une cohérence d’ensemble qui m’a permis d’entrer dans le spectacle et de n’en plus décrocher. La bande son qui commence d’instaurer l’ambiance, l’arrivée furtive du personnage sur la scène, enveloppé d’une couverture dont il se dépouille, découvrant alors un corps nu qu’il habille à la hâte comme pour le faire enter en humanité, puis les premiers mots, la vivacité et la justesse des intonations… Rien qui fasse écharde. Pourtant, une certaine inquiétude s’est dessinée à force d’entendre des mots inconnus, des tournures à l’évidence empruntées au langage oral: je me suis dit qu’une fois privés de la chair que leur donne une voix de comédien bien posée ces mots, ces phrases rendues au silence de la page et au tracé policé des caractères imprimés devaient être illisibles. Mais j’ai remisé cette inquiétude à l’arrière-plan de mes pensées pour n’être plus que spectatrice. Et l’environnement sonore m’y a beaucoup aidée, relayant à merveille le jeu captivant du comédien. C’est un environnement sonore époustouflant, qui véritablement génère tout autour de l’interprète la luxuriance moite d’une jungle tropicale, fait pousser par la seule grâce évocatrice des sons toute une végétation en exubérance, gonflée de bruissements indistincts et dans la touffeur de laquelle on sent frémir des sortilèges. À la fois mélodique et bruitée, ponctuée par de surprenants feulements confinant à des murmures consonantiques mais tenant tout autant au chuintement de la terre humide que l’on foule, la composition sonore enflamme l’imaginaire, le met à l’unisson du langage déroutant que profère le personnage – mais un langage parfaitement intelligible dont le comédien laisse entendre avec une sidérante clarté les étrangetés, faisant d’elles le facteur même de son intelligibilité. Sa voix grenue, ses intonations, ses gestes et attitudes, ses mimiques que l’on sent aller toujours au rythme des mots et des sons et tout cela accompagné par de magnifiques jeux de lumières: une continuité de sens est créée qui, au-delà des phrases aux ossatures inhabituelles et des mots inouïs, donne accès à un récit. Un récit que l’interprétation magistrale de Thierry Lefever, en harmonie parfaite avec la mise en scène, fait émerger du texte.

Ces deux pièces, à mes yeux d’adulte et quoi que j’aie pensé de chacune d’elles en particulier, formaient un parfait diptyque, à la fois par ce qui les «similarise» – elles sont montées par deux compagnies locales, «les régionaux de l’étape», comme le souligna avec son humour coutumier Jean-Paul Tribout; les comédiens sont accompagnés dans l’une et l’autre par une composition sonore originale; d’elles deux émane une très grande beauté visuelle, touchante pour la première, bien plus étrange et trouble pour la seconde mais, peut-être par là même, d’autant plus magnétique – tout autant que par ce qui les oppose – l’une repose exclusivement sur le langage non verbal, l’autre donne à entendre un texte qui est, en outre, d’une extrême littérarité, caractérisé par un extraordinaire travail sur la plasticité sonore et sémantique de mots dont la presque totalité sont des réinventions mêlant emprunts étrangers, onomatopées, mots-valises… et faisant appel à toutes les ressources de fabrication lexicale auxquelles peut recourir une langue; la première s’est jouée en lumière naturelle, la seconde prend son plein sens grâce à de savants effets d’éclairage qui, en plus de sculpter les volumes et les reliefs par les jeux d’ombres et de clartés, dessinent de fascinants motifs… Le dernier point dont je puis dire qu’il oppose et lie simultanément ces deux spectacles est l‘impression qu’ils m’ont causée: tous deux m’ont visuellement happée, et captivée par leur accompagnement sonore, mais du premier je n’ai, à aucun moment, su véritablement saisir la logique narrative tandis que le récit déroulé par le second, une fois passées les premières minutes de désarroi que provoque une langue tout de suite inhabituelle, m’est apparu beaucoup plus accessible bien qu’à débusquer dans la luxuriance d’un texte difficile.

Oui, indéniablement: un beau diptyque que ces deux pièces qui chacune à sa façon, interroge le rapport au(x) langage(s) et, par là, éclaire les mécanismes d’entrée, puis d’adhésion au spectacle vivant,, et une riche expérience que de les avoir vues à la suite l’une de l’autre…

À 18 heures, au jardin des Enfeus: L’ÎLE SANS NOM Conception et mise en scène: Johanna Gallard Avec: Johanna Gallard et Laurent Cussinet. Bienveillance artistique: Michel Gibé Création sonore et musicale: Jean-Michel Deliers Régie: Laurent Morel Construction: Cyril Monteil et Serge Calvier Costumes: Céline Altazin et Mathis Jaquet Durée: 50 mn

À 21 heures, à l’abbaye Sainte-Claire: MON ONCLE LE JAGUAR D’après la nouvelle éponyme de João Guimarães Rosa (traduction de Jean Thiriot). Conception, adaptation, mise en scène et interprétation: Thierry Lefever Assistante à la mise en scène et à la direction d’acteur: Diane Meunier Création lumières: Thierry Lefever, avec l’aide de Thierry Mazelle et les conseils de Jean-Paul Ouvrard Univers sonore: André Harlé, dit «Taj» Durée: 1 heure

* La traduction de Jean Thiriot est parue aux éditions 10/18, Une nouvelle traduction, signée Mathieu Dosse, figure dans un recueil paru en février 2016 aux éditions Chandeigne, intitulé Mon oncle le jaguar et autres histoires. Le traducteur a rédigé une postface brève mais passionnante qui à elle seule vaut qu'on opte pour ce volume. C’est dans cette édition-là que j’ai pu découvrir le texte de Mon oncle le jaguar grâce à D., une fidèle parmi les fidèles qui m’avait gentiment proposé de me prêter le livre le lendemain de la représentation. Contrairement à ce que j’avais d’abord pensé pendant le spectacle, le texte écrit, lissé par les conventions typographiques, reste non seulement d’une extrême lisibilité mais il est véritablement jubilatoire, d’autant plus qu’on voit briller l’inventivité verbale, fût-ce à travers la traduction, en même temps qu’on comprend intuitivement comment celle-ci fonctionne et cela ajoute, je crois, du sens au sens.

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Îlettes plamonaises

Toujours à Plamon l’on est abreuvé de paroles précieuses et, à cet égard, 2016 n’a pas échappé à la règle. Mais il n’y en aura jamais, ici, d’infimes parcelles, subjectivement retenues et transcrites… Ce 28 julllet, Thierry Lefever a bien sûr donné des clés quant au texte de João Guimarães Rosa, à la manière dont il l’a abordé et dont il a travaillé à son adaptation scénique, mais il a aussi tenu à délivrer un message militant qui mérite bien d’avoir son écho, après avoir chaleureusement remercié les organisateurs du festival et les techniciens. Thierry Lefever: «Peut-être savez-vous que, depuis 2005, ce sont à peu près 2 500 événements et festivals qui ont été écourtés ou annulés faute de crédits, faute de soutien par les politiques – il faut bien appeler un chat un chat, ou un jaguar un jaguar… et Sarlat résiste. En résistant, ce festival nous offre la possibilité de jouer. Et pour nous autres comédiens, et intermittents du spectacle, dans les difficultés où nous sommes actuellement, c’est une nécessité de jouer. C’est un plaisir certes mais c’est aussi faire notre métier et j’insiste là-dessus: jouer est un acte de résistance. Et De plus en plus, chaque fois que je joue maintenant et dans les conditions que l’on connaît, c’est un spectacle de résistance.»

Et le jaguar? Ce texte difficile, d’autant plus difficile qu’il a été traduit, qui est un pur objet littéraire destiné à être lu et qu’on ne peut lire superficiellement, dans lequel il faut entrer puis s’immerger et auquel il faut penser intensément… Thierry Lefever: «Un texte difficile? Oui, sans doute, comme le sont, dans un genre différent, les textes de Kerouac, que j’ai interprétés pendant cinq ans… Je sais que ça demande des efforts au spectateur, et qu’il me faudra à peu près une dizaine de minutes pour le faire entrer dans le texte. Simplement parce que c’est un texte littéraire, et ça ne fonctionne pas comme un texte théâtral. Mettre en scène des textes littéraires est un pari difficile, d’autant plus quand le texte est en soi difficile! Je travaille d’abord sur de s textes qui me plaisent et dont je me dis que ça vaut le coup de les partager avec le plus de gens possible. Ensuite seulement, je me pose la question des moyens : quels artifices propres au théâtre vont me permettre de faire passer ce texte que j’ai choisi? Avec cette idée directrice que le théâtre, c’est d’abord ça: un texte, et un acteur, corps et voix… Avec Diane Meunier [l’assistante à la mise en scène], nous avions d’abord pensé créer un décor très réaliste, en reconstituant une sorte de cabane, avec de la paille, des branchages… puis finalement nous avons décidé de partir du texte et de l’acteur, de sa voix et, de là, nous avons travaillé la mise en scène pour que ces composantes ressortent le mieux possible. «Comme je ne connais pas la langue portugaise, je n’ai pas lu le texte original mais je l’ai tout de même parcouru et, en reconnaissant ici ou là quelques mots, proches du français ou identifiables par déduction, j’ai eu le sentiment que le traducteur [Jean Thiriot] était parvenu à restituer en français toutes les particularités de ce langage inventé, de ce sabir, sa dimension poétique avec ce que cela implique de travail sur les sons, les rythmes… Le texte, en lecture seule, dure une heure et demie; comme je ne voulais pas que le spectacle excède une heure, j’ai dû couper et, ce faisant, j’ai fait l’impasse sur quelques éléments, notamment le passé du personnage, ses parents… et en effet, ça supprime des clés mais justement, cela va dans le sens de ce que je souhaitais: laisser à ce narrateur sa part d’ombre, le rendre encore plus bizarre.»

Peu ou pas de décor matériel – mais un environnement envoûtant, tissé par l’admirable conjonction du son et des lumières, élaborés avec beaucoup de soin… Thierry Lefever: «Pour l’accompagnement sonore, en fait, je ne voulais pas d’une banale bande son qui paraphrase le texte ou qui ait un côté folklorique; je voulais une véritable deuxième voix, à la fois narrative et musicale. J’ai fait appel au compositeur Taj; je lui ai parlé du spectacle, je lui ai lu le texte en lui expliquant ce que j’attendais et, comme je n’ai pas beaucoup d’argent, nous n’avons pas pu répéter ensemble… Il a commencé par composer un bout d’essai d’un quart d’heure, histoire de voir si nous nous étions bien compris, si nous étions sur la même longueur d’ondes. Ce qu’il m’a proposé me convenait parfaitement, alors je lui ai demandé de m’écrire une partition d’une heure qui soit dans le prolongement de ce bout d’essai. Il m’a envoyé un premier C.D., puis j’ai répété avec ‒ difficilement au début car j’avais déjà travaillé le texte sans la musique. En l’écoutant, des choses me sont venues, j’ai gommé certains effets j’en ai ajouté d’autres… j’ai modulé mon interprétation en fonction de cette partition mais nous n’avons jamais répété ensemble, Taj et moi: nous avons procédé à distance, par concertations et ajustements successifs… Il n’empêche que le résultat est formidable: il a vraiment réussi à composer cette deuxième voix que j’espérais, qui est à l’unisson de la mienne et m’accompagne à la perfection tout au long du spectacle. Je trouve que sa composition renforce la dimension troublante du texte, et l’étrangeté de l’animal avec ces bruits qui évoquent le jaguar sans être de vrais cris… «Pour l’éclairage, ce qui m’intéressait était, paradoxalement, de mettre en lumière des ombres – et pour un régisseur, pour un technicien lumière, cette approche est rien moins qu’un défi! Je voulais que ce soit un spectacle peu éclairé, où je puisse être parfois complètement dans l’ombre, là aussi pour renforcer ce côté bizarre, trouble. Lorsque je joue en salle fermée, j’ai une grille au-dessus de la tête, et une douche qui crée de petits points de lumière en plus des feuillages recréés par projection. Hier soir, je ne pouvais évidemment pas avoir ce dispositif mais malgré tout, les techniciens ont réussi à ménager ces points de lumière; je redoutais aussi d’avoir à commencer à jouer quand la lumière naturelle est encore très présente et puis finalement, ça correspondait assez bien à mon intention d’amener progressivement le spectateur au plus profond de cette jungle, dans cette lumière très particulière qui sourd dans cette touffeur obscure. J’ai d’ailleurs ralenti un peu le spectacle, qui a duré environ cinq minutes de plus, parce que j’aimais bien cette sensation d’amener petit à petit le spectateur sur ce cheminement – un peu comme je dis au voyageur, au début: Entrez, entrez, laissez votre cheval dehors… C’était la première fois que je jouais en plein air, hier soir et, comme j’ai senti que ça prenait bien, malgré la difficulté du texte, je vais réfléchir à des modifications, voir comment je peux accentuer ce côté progressif dans la façon de conduire le spectateur.»

En effet, ce soir-là il y a eu une belle synchronisation entre le rythme du spectacle et celui de l’arrivée de la nuit, qui s’est approchée «juste comme il faut» pour que le dispositif d’éclairage puisse faire surgir à point nommé le jaguar, longue silhouette félinement sinueuse comme descendant à pas feutrés une pente touffue qui aurait miraculeusement recouvert la façade enfenestrée de la bâtisse donnant à la scène son arrière-plan… corps puissant et élégant, apparaissant là en conclusion – l’animal a donc pris le dessus, ou le rêve, ou encore la vision hallucinatoire? À chacun d’en décider…