Depuis le 18 septembre, Bérangère Dautun et Guillaume Bienvenu reprennent Les Cahiers de Malte Laurids Brigge au théâtre du Petit Hébertot*. Créée en septembre 2009 au théâtre de la Huchette à Paris, la pièce était au programme du dernier festival des jeux du théâtre de Sarlat. Cette reprise parisienne est une excellente occaion de revenir sur l'un des spectacles les plus appaludis du festival...

Bérangère Dautun, fascinée depuis longtemps par le génie poétique de Rilke, voue un attachement tout particulier aux Cahiers de Malte Laurids Brigge. Cet étrange récit empreint d’autobiographie que le poète publia en 1910 est né de l’expérience difficultueuse qu’avaient été pour lui, quelques années auparavant, l’installation à Paris et son travail de secrétaire auprès d’Auguste Rodin. Fragmentaire, écrit comme sous l’effet d’une impulsion diariste mais ne comportant aucune date, le texte alterne réflexions intimes, rêveries, scènes de rue, souvenirs d’enfance… La plume du narrateur – Malte est un jeune Danois issu d’une famille d’aristocrates ruinés s'exilant à Paris et en qui il faut voir un double de l'auteur –  bascule souvent de la narration dans une sorte de surréalisme un peu dérangeant assez difficile à suivre. Parce que la syntaxe est complexe, et parce que l’on est propulsé, au détour d'une scène ou d’un souvenir, dans un univers onirique où les visages restent au creux des mains comme des masques, où les fantômes visitent les vivants, où la main d’un enfant cherchant un crayon au sol s’anime d’une vie propre… Écrit en prose, le texte est éminemment poétique: sans cesse se nouent des rencontres de mots inhabituelles, les phrases rythmées ont de beaux mouvements et, au fil de la lecture, malgré les difficultés, une magie opère qui entraîne et berce, invite à suivre le jeune Malte dans sa fréquentation des spectres, sa scrutation des souffrances, et son effort désespéré pour ressusciter un monde défunt – celui de l’enfance dans le vaste château familial, au temps où sa mère vivait encore et lui lisait des contes…

Le travail de Bérangère Dautun est une adaptation de grande ampleur, qui va bien au-delà de la transposition, du ploiement d’une œuvre non théâtrale aux exigences de la scène… Elle a privilégié ce qui, dans le récit de Rilke, la touchait le plus – les rapports mère-fils, la façon dont le jeune homme convoque le souvenir de sa mère morte et du domaine perdu – et, pour resserrer le texte autour de ces thèmes-là, n’a conservé que certains passages qu’elle a recomposés de manière à instaurer une cohérence dramatique. Elle a, de plus, retouché le texte français de Maurice Betz qu’elle estimait désuet. Il en résulte une œuvre autre, qui laisse de côté les étrangetés les plus déroutantes des Cahiers et en retient essentiellement les tonalités proustiennes. Cela eût justifié, me semble-t-il, que la pièce porte un titre différent qui marque cette distance prise avec le texte d’origine. Toujours est-il que cette œuvre neuve est la matière d’un spectacle remarquable: décor, mise en scène, interprétation… tout s’harmonise et l’on est, pendant plus d’une heure, sous l’emprise d’un charme un peu hypnotique…

Une table et une chaise que l’on ne pourrait vouloir plus simples, deux malles, un livre – voilà qu’existe en un coin de scène la petite chambre pauvre qu’occupe le poète. Un peu plus loin sont rassemblés quelques objets emblématiques – un guéridon, des tableaux, des bibelots, une boîte à ouvrage – qui ressuscitent le château d'autrefois. C’est le domaine où va éclore et s’épanouir la présence de la mère rêvée: là, vêtue d'une robe blanche à large ceinture rouge elle s’assoit, se lève, tourne en dansant et coud ses mots aux choses qu’elle manipule, répondant ainsi aux appels muets de son fils. Le temps jadis reprend corps par ses gestes et, de sa bougie, elle paraît l’apporter en offrande à son fils en détresse. Malte et sa mère sont chacun dans leur monde; et tout l’enjeu de la pièce semble gésir dans la façon dont ils vont se rejoindre et dont leurs paroles vont se répondre.

Bérangère Dautun, hiératique et gracieuse, flotte sur scène plus qu’elle ne se déplace tant sa gestuelle est souple et aérienne; sa fine silhouette l'emmène aux confins de l’immatérialité. Ses mains, étonnamment graciles et dont elle joue en musicienne de l’espace, semblent avoir pour seule vocation de manier ces dentelles exhumées d’une boîte comme les souvenirs du passé. Spectrale, éthérée… Mais sa voix profonde, sa diction d’une insigne élégance qui sublime le texte, lui donnent chair et présence – la comédienne par son jeu et sa voix atteint à une sorte de miracle scénique où cessent de s’exclure évanescence et densité charnelle. En regard du spectre maternel, Guillaume Bienvenu campe un poète désespéré, mélancolique mais vibrant de vie; son élocution parfaite, qui a la spontanéité du discours oral, épouse le phrasé de Rilke avec une aisance merveilleuse.

Ce spectacle est pure harmonie... Le décor et la musique sont de superbes écrins à cette reconstruction très personnelle du texte d’origine, portée par deux comédiens exceptionnels qui, grâce à leur interprétation sensible et juste, permettent d’entendre avec une étonnante clarté la belle écriture de Rilke, si singulière et parfois si difficile à lire. Bérangère Dautun et Guillaume Bienvenu offrent un moment théâtral d'une grande délicatesse, beau et raffiné comme une porcelaine de Saxe, dont le charme perdure longtemps après le tomber de rideau.

Bérangère Dautun et Guillaume Bienvenu - petites bribes autour des Cahiers
Propos recueillis à Plamon le 20 juillet

Bérangère Dautun
Pendant les trente-trois années que j'ai passées à la Comédie-Française, j'ai été gâtée: je n'ai interprété que des chefs-d'oeuvre! Et après ces années de service rendu à l'Etat, quand j'ai eu le droit de faire autre chose, je me suis demandé ce que j'avais envie d'entreprendre... Puis j'ai songé à ce texte de Rilke qui depuis toujours me hantait. Parce qu’il évoque les rapports entre le visible et l’invisible, entre ce qu’on vit et les absents, ceux qui sont morts et qui sont là aussi, qui nous accompagnent. Et je me suis dit "puisque tu aimes tant ce texte, ne le garde pas pour toi, partage-le, fais-le vivre aux autres !" et j’ai fait cette adaptation parce que mon cœur, mon âme en avaient besoin – j’ai voulu donner ce texte, ne pas le garder pour moi.
J’ai pris dans ces Cahiers, qui comptent à peu près 70 extraits, les thèmes qui m’intéressaient, c'est-à dire le rapport mère-fils, le don total de la mère au fils, cette femme qui est là pour tout donner, pour reconstruire son fils quand il ne va pas bien... et moi dans le spectacle, je ne suis pas réellement sa mère, mais sa mère telle qu'il la voit, telle qu'il la fait renaître parce qu'il a besoin de cette maman qui lui manque tant...
J'ai fait ce travail de reconstruction pour rendre accessible ce texte qui a priori ne l’est pas. De cette  sorte de psychanalyse où le poète ne se parle qu’à lui-même, j'ai tâché d'en faire un dialogue.
Concernant la traduction, j’au utilisé celle que Maurice Betz a publiée dans les années 30, mais je trouvais son style un peu daté, un peu désuet. Je me suis efforcée de rendre le texte plus actuel, plus moderne. Enfin, j’ai fait en sorte que l’esprit de Rilke, traduit par M. Betz, nous parvienne et si j’avais laissé toutes les redondances, il ne nous serait pas parvenu. J’ai donc élagué, tout en gardant l’essentiel pour que toute l’âme de Rilke passe dans un langage d’aujourd’hui. J’ai travaillé à partir du texte français, car je ne suis pas germanophone. Mais je sais que Rilke a été la passion de Maurice Betz, je me suis donc fiée à cette passion…

Guillaume Bienvenu
J'ai été l'élève de Jean-Laurent Cochet - son enseignement a été une révélation pour moi - et depuis que j'ai quitté son école, il y a cinq ans, j'ai surtout fait du théâtre classique avec des pièces de Molière, Marivaux, Shakespeare... Un peu de cinéma, et maintenant Les Cahiers de Malte Laurids Brigge.
Je n'ai pas particulièrement cherché à cultiver une ressemblance avec Rilke, puisque l'auteur a lui-même mis une distance entre lui et son personnage - ce sont les Cahiers de Malte Laurids Brigge, et non ceux de Rainer Maria Rilke. J'ai commencé par lire ce texte-là, puis j’ai lu d’autres textes de Rilke. C’est une écriture que je trouve très difficile à aborder, parfois rebutante – il faut vouloir le lire pour y arriver parce que c’est une langue compliquée, mais quand on y arrive, c’est magnifique. J’ai surtout lu la monographie qu’il a écrite sur Rodin, qui est sublime. Ensuite j’ai travaillé à partir du texte. Tout y est! et ce qui n’y est pas, j’ai essayé de l’apporter, en restant fidèle à tous les indices, à toutes les traces que Rilke nous a laissés et que Bérangère a conservés dans son adaptation.

Les Cahiers de Malte Laurids Brigge
de Rainer Maria Rilke - Traduit de l'allemand par Maurice Betz
Adapatation et mise en scène:

Bérangère Dautun, assistée d'Alexandra Royan
Avec:

Guillaume Bienvenu et Bérangère Dautun
Durée:
1h10

Compagnie Ttitan - Bérangère Dautun

Représentation donnée le mardi 20 juillet à l'abbaye Sainte-Claire.

* Théâtre du Petit Hébertot

78 bis boulevard des Batignolles - 75017 PARIS. Réservation au  01.42.93.13.04

Marivaux, mambo, Magritte.

L'on doute a priori que ces trois termes puissent aller ensemble. On a beau être prévenu par la présentation – "intrigue transposée dans les années 1950", "décor à la Magritte", "un air de mambo" – on est de prime abord surpris. Par le plateau qui, en effet, ressemble à un tableau de Magritte en 3D, avec en fond de scène un panneau peint d'un ciel bleu tendre semé de nuages dodus à peine frangés, dressé à la verticale d’une fausse pelouse vert vif où est planté un encadrement de porte sans porte, tel un portique. Dans un coin, un tourne-disque, quelques vinyles, deux ou trois revues éparses, des sièges de jardin en rotin. Comme des toiles du peintre belge où la perfection un peu figée du dessin hyperréaliste est au service de curieuses associations, il se dégage une "familière étrangeté" de ce décor qui semble dire au spectateur, avant même que le spectacle commence: "Ce que vous allez voir est… inouï." 

L’étonnement s’accentue à l’entrée de Lisette, dansant au son du mambo et qui se met à draguer ouvertement un Lépine en tenue… de groom, puis s’accroît quand survient non pas le père d’Angélique mais sa mère – et quelle mère! une marquise un peu Castafiore vêtue en rose tyrien du chapeau aux escarpins, portant lunettes noires et mise en plis amidonnée… L’on voit vite que l’on entre dans une théâtralité marquée, qu’affirment le jeu délibérément appuyé des comédiens, leur gestuelle souvent cartoonesque, la voix suraiguë d’Angélique, l’accent "grand-bourgeois" de la marquise… et les séquences dansées, lascives, rythmées, admirablement chorégraphiées.

Le texte dans tout ça? Il est fort bien dit et n’a souffert d’autres modifications que celles exigées par l’arrivée d’une "marquise" en lieu et place d’un "marquis"… Quelle qu’ait pu être la difficulté éprouvée par le spectateur à entrer dans la danse force est de constater, une fois le spectacle achevé, qu’il fonctionne à merveille.
Est-on encore chez Marivaux se demanderont certains – mais qu'est-ce qu'être "chez Marivaux" aujourd'hui... Je ne profiterai pas de cette chronique pour amorcer un débat sur ce que signifie, au théâtre, "respecter un texte classique" puisque je n’ai, en la matière, aucune compétence. Ce n’est donc pas au nom d’un quelconque "manque de respect" que j’avouerai être demeurée assez hermétique à cet univers aux couleurs vives investi par des comédiens forçant intentionnellement leur jeu et leur voix, où l’étrangeté magrittienne se teinte de burlesque; seule parle, ici, ma sensibilité personnelle. Je n’ai pas "aimé" ce monde décalé mais j’en reconnais néanmoins la parfaite cohérence: rien n’y "sonne faux"; tout, depuis les choix plastiques et chromatiques jusqu’aux tonalités des voix, compose un ensemble harmonieux d’une réjouissante inventivité.

Le lendemain, lors des Rencontres de Plamon, Jean-Luc Revol a si bien développé et expliqué ses partis pris de mise en scène qu’il a, non pas tourné mes réticences en enthousiasme mais attisé mon intérêt. J'ai maintenant hâte de revoir le spectacle – de le revoir pour une lecture nouvelle et rafraîchie par ce que je sais désormais de ce qui a nourri cette audacieuse transposition… Aussi profiterai-je probablement de la reprise parisienne pour aller reprendre un petit coup de ce Préjugé vaincu… "mamballé" avec tant de fougue et de talent…
Dira-t-on jamais assez l’intérêt de ces rencontres matinales où les échanges vont bon train sans tourner à l'aigre même lorsque les débats s’échauffent, qui aiguisent l’esprit critique du spectateur en lui permettant de dépasser le stade de la réaction épidermique pour comprendre ce qu’il a vu et entendu sans pour autant mettre sous le boisseau sa subjectivité?

Jean-Luc Revol s’explique à Plamon
(propos recueillis à la réunion de Plamon du mardi 3 août)

De quelques choix dramaturgiques...

C’est la troisième pièce de Marivaux que je monte; comme l’argument de la pièce et au fond assez mince, j’ai eu envie de tenter une transposition, comme un exercice de style. J’étais pourtant un peu réfractaire à ce type d’exercice, parce que la transposition peut aboutir au n’importe quoi…
J’ai transposé le texte de Marivaux dans les années 1950 parce qu’il m’a semblé que cette période où la femme commence à s’émanciper, où on est encore dans la rigidité de corps mais avec un appétit de liberté bien présent, correspondait assez au sujet de la pièce. Et puis j’ai beaucoup pensé au cinéma de ces années-là; par exemple Et Dieu créa la femme, avec Bardot – c’est par elle que le mambo est arrivé dan le spectacle; on ne se rend peut-être pas très bien compte aujourd’hui mais c’était alors une danse très sensuelle, très érotique. J’ai également suivi la piste des films de Jacques Tati, notamment de Mon oncle où le jeu est extrêmement souligné, dans la virgule si l’on veut, avec des gens qui parlent de façon très typée – comme la grande bourgeoise, par exemple. J’ai trouvé intéressant de reprendre ce type de jeu dans le spectacle. Mais on n’est pas dans la parodie, et les personnages ne sont pas des caricatures – je les appellerais plutôt des figures.
Quant au choix de Magritte pour le décor… (perplexité momentanée) il fallait que ce décor aille avec l’esthétique de Tati, ce qui n’est pas évident. La didascalie de Marivaux est très sommaire – elle indique seulement que la scène se situe dans la cour d’un château. Donc ça se passe en plein air… À partir de ça, l’idée est venue progressivement. Comme j’avais envie de quelque chose d’extrêmement solaire, les ciels de Magritte se sont assez vite imposés. Au départ je voulais surtout travailler à partir de ses toiles où l’on voit un ciel très lumineux et une ville plongée dans la pénombre avec des éclairages de nuit. Mais ça a été abandonné. Et puis j’ai trouvé que ce ciel très clair que vous avez vu hier soir correspondait à ce que je voulais, il amène une ouverture de l’espace et en même temps le circonscrit.
C’est vrai que mes choix relèvent souvent d’envies personnelles – quand on fait de la mise en scène, on est comme des éponges… Chez moi, j’ai plein de chemises cartonnées qui correspondent à des projets; parfois, en lisant un magazine, je vois une image qui me plaît. Je la découpe, je me dis "tiens, ça c’est intéressant, ça pourra me servir…" À quoi je ne le sais pas encore, mais c’est là, de côté… Par exemple en ce moment je travaille sur la mise en scène d’une pièce de Shakespeare pour l’année prochaine et l’autre jour, dans le métro, j’ai photographié un truc qui m’a plu en me disant que ça pourrait marcher pour un des personnages. Voilà… La vie nous traverse et, à partir de là, on ramène des éléments qu’on intègre à son univers…

Le parler de Lisette – en patois dans le texte
Quand Marivaux écrit du patois, ce doit être compréhensible par le spectateur; c’est un patois inventé, un patois écrit auquel on ne peut pas assigner d’accent bien défini – ce n’est pas un "vrai" patois.

Le costume de groom de Lépine
C’est un choix tout à fait personnel. Il fallait que les costumes des domestiques correspondent à ceux du personnel de maison de l’époque et, dans ces années-là, la soubrette avait une tenue comme celle que porte Lisette, avec gaufrette et tout… Mais pour Lépine, je n’avais pas vraiment envie qu’il ait un costume de majordome façon Nestor à Moulinsart. Mes références passent encore par le cinéma, ces films où l’on voit beaucoup de grooms dans les hôtels. Et puis pour moi, le costume de groom est extrêmement érotique – je l’assimile au fantasme de la bourgeoise qui descend au Negresco… Il donne à l’ensemble un côté plus sexuel. D’ailleurs, je n sais pas si vous avez fait attention mais, à la fin [une séquence de danse collective ébouriffée, admirablement synchronisée avec, pour point final, un superbe effet de lumière – NdR], le costume met bien en valeur les fesses magnifiques du comédien (rires). C’est quand même plus érotique qu’une tenue de majordome post pompidolien…

Le marquis devenu marquise
Là encore c’est un choix personnel; je trouvais que c’était plus intéressant d’opposer Angélique à sa mère. Ce qui permettait aussi de montrer un personnage de mère plutôt frustrée, d’où cette espèce de fascination de la marquise pour Dorante – et puis ce n’est pas la première fois que je transforme un père en mère…

La petite histoire du spectacle
C’est une commande; le théâtre de Nevers m’avait demandé de concevoir un spectacle à partir d’un texte classique avec les comédiens que vous avez vus jouer. Il devait y avoir une quinzaine de représentations à l’échelle départementale. Puis le spectacle a été repris l’année d’après, et les comédiens se sont constitués en compagnie en 2009. On leur a proposé un créneau au festival d’Avignon; le spectacle a donc commencé à vivre hors de la Bourgogne et là il va tourner pour plusieurs dates, avec une reprise parisienne en mars-avril 2011 au théâtre Mouffetard, pour un mois et demi. On était partis pour quinze dates, et on en est à quelque 140 représentations…

Le Préjugé vaincu
Pièce en un acte de Marivaux
Mise en scène:
Jean-Luc Revol
Avec:
Olivier Broda, Marie-Julie de Coligny, Louise Jolly, Cédric Joulie, Anne-Laure Pons
Costumes :
Aurore Popineau
Scénographie/lumières:
Emmanuel Laborde
Chorégraphie:
Armelle Ferron
Durée:
1h15
Compagnie: Théâtre du Temps Pluriel

Représentation donnée le lundi 2 août au Jardin des Enfeus.

NB - Ce Préjugé vaincu, programmé au Festival d'Anjou 2010, a raflé les trois récompenses qui sont décernées chaque année dans le cadre de cette manifestation: tandis qu’Olivier Broda remportait le prix d’interprétation pour son rôle de Dorante, le spectacle recevait le prix du jury des jeunes ET le très convoité prix des Compagnies – qui s’accompagne pour le Théâtre du Temps Pluriel d’une somme de 25 000 euros, grâce à laquelle la troupe aura les coudées plus franches pour monter son prochain spectacle, Dernier remords avant l’oubli de Jean-Luc Lagarce, mis en scène par Olivier Broda.
Cela me rappelle que l’an passé le festival de Sarlat avait accueilli une autre pièce saluée à Angers, tout aussi audacieuse et étonnante: le Hamlet présenté par la compagnie des Sans cou et mis en scène par Igor Mendjisky, spectacle qui avait lui aussi reçu le prestigieux prix des Compagnies – la terre angevine est, on le voit, propice aux audaces théâtrales…

Cela remonte à 1989 et pourtant je garde encore très présentes à l’esprit les profondes impressions que m’avaient causées les deux uniques spectacles où j’ai vu jouer Francis Huster. Il y eut tout d’abord sa reprise du rôle de Lorenzaccio dans sa propre mise en scène de la pièce de Musset. J’avais été éblouie; je n’écrivais pas encore de chroniques à l’époque mais je me souviens qu’en sortant du théâtre Renaud-Barrault, j’avais griffonné sur une page de carnet que le spectacle m’avait paru si remarquable et les comédiens si magnifiques que j’aurais voulu pouvoir jeter sur la scène, au moment des saluts, des brassées de roses pour les remercier. Peu après je suis allée voir au théâtre de la porte Saint-Martin son adaptation-interprétation de La Peste. Là encore ce fut un éblouissement: tout le roman de Camus tenait là, dans ce comédien grandiose debout sur l’avant-scène qui avait, pour tout accessoire, une chaise et un pardessus.
Forte de ses souvenirs radieux, je me réjouissais d’aller voir Traversée de Paris. Je n’ai éprouvé que déception.
Une déception causée par l’interprétation en elle-même, non par l’adaptation des textes de Marcel Aymé – en fait de Traversée de Paris, ce que joue Francis Huster est un montage de la nouvelle et d’extraits du roman Le Chemin des écoliers. Il ne m’appartient pas de discuter l’opportunité ni le bien-fondé de l’assemblage opéré car s’emparer de textes littéraires et les transformer en œuvres théâtrales, fût-ce au prix de collusions relevant des seuls désirs de l’adaptateur, relève d’une liberté d’artiste qui ne souffre pas de contestation ni de remise en cause. Je pense en revanche que l’on peut toujours questionner l’adaptateur sur les raisons de ses choix, discuter de ce qu’ils impliquent. Ainsi aurais-je aimé en apprendre davantage sur la façon dont la reconstruction textuelle a été conduite. Je m’attendais à ce que le prologue annoncé réponde à ma curiosité et expose les origines du spectacle, ce qui a fondé le travail d’adaptation, la façon dont Francis Huster avait abordé les personnages, etc. Cela n’a pas été tout à fait le cas…

Ce prologue repose, paraît-il, sur une large part d’improvisation et il n’est jamais tout à fait le même d’une représentation à l’autre. Ce vendredi soir, il a bien été expliqué que la pièce était une réponse à un demande de Jean-Louis Barrault mais, hors cela, il a surtout été question du contexte historique, des conditions dans lesquelles les artistes pouvaient s’exprimer pendant l’Occupation, des actions de résistance. Cette évocation passionnante, indispensable à une juste approche de l’œuvre de Marcel Aymé, s’est hélas vite dissoute dans un discours brouillon, torrentiel, truffé de phrases laissées en suspens et de redites, ponctué de cet étrange superlatif "sublissime" derrière lequel il faut sans doute entendre "sublimissime"… Sans compter que le comédien a profité de l'occasion pour enfourcher quelques-uns de ses "chevaux de bataille", des points de vue pour le moins péremptoires – notamment sur la notion d’ "emploi" au théâtre – qu’il n’a même pas pris la peine de justifier par des arguments recevables. Ce n’était pas, à mes yeux, les circonstances les mieux indiquées pour cela. Enfin, il a conclu son prologue, s’il m’en souvient, par quelque chose comme "Ce soir vous allez entendre la vraie parole de Marcel Aymé" – or puisqu’il ya eu montage de textes il s’agit plutôt, selon moi, de l’hommage que Francis Huster a voulu rendre à Marcel Aymé…

Quant à savoir si le montage est habile et si les morceaux importés du Chemin des écoliers s’ajustent bien au "corps" de Traversée de Paris extrait de la nouvelle d’origine, pas moyen de l’apprécier tant le texte a été écrasé par l’interprétation, univoque dans ses excès de déplacements, de vociférations et d’ajouts constants d’apostrophes (des "Eh!",des "Eh Eh!", des "Oh Oh!" incessants, assortis de quelques "Attends, attends!" si mal articulés qu’ils confinaient à l’onomatopée…) et ne laissant entendre aucune nuance de voix ou d’inflexions. N’eussent été les interpellations réitérées – Martin! Grandgil! – il était quasi impossible de déterminer lequel des personnages prenait la parole. À peine une pause a-t-elle été consentie quand a été convoquée Lina, la jeune juive apeurée venue du Chemin des écoliers. Ce bref passage a été le seul qui m'a émue. Pour le reste, j’ai eu le sentiment d’être face à une masse d’énergie pure soucieuse de se propager au point d’en oublier de prendre forme. Oh certes l’acteur s’est donné sans compter  et cela peut être pris pour la plus absolue des générosités scéniques. Ce n’est pas ainsi que j’ai perçu ce jeu débordant et excessif, dans l’effusion duquel j’ai senti disparaître, outre les indices qui eussent permis de distinguer entre les locuteurs, la profonde ambivalence des rapports qui, dans la nouvelle, s’établissent entre Martin et Grandgil; des rapports complexes où se mêlent chez l’un et l’autre attirance, répulsion, déception et fascination – avec une part d’incompréhension réciproque. Je ne crois pas que la prose de Marcel Aymé ait été valorisée.

 Bien que profondément déçue par la prestation de Francis Huster dont le talent m’avait laissé espérer beaucoup mieux, je n’en suis pas moins heureuse que le comité du festival ait pu inclure ce spectacle à sa programmation et inviter un comédien à la popularité si étendue, dont la seule notoriété a dû amener dans les gradins des spectateurs peu accoutumés à fréquenter des salles de théâtre. De plus, et cela mérite d’être salué, Francis Huster qui joue actuellement à Paris au théâtre de la Gaîté-Montparnasse Sacha le Magnifique – un texte-hommage à Sacha Guitry dont il est l’auteur et qu’il a lui-même mis en scène –  a exceptionnellement "relâché" pour venir à Sarlat, faisant ainsi le bonheur de beaucoup de gens qui ont, à en croire ce qui s’est dit le lendemain à Plamon, passé une excellente soirée.
Il est vrai que, nonobstant ses qualités d’homme et de comédien, il émane de toute sa personne un charme naturel auquel il est difficile, sinon impossible, de rester hermétique et ce, quelque désaccord que l’on ait avec ses opinions si haut affirmées, quelque regard que l’on ait sur la façon dont il a joué les textes de Marcel Aymé.
J'ai lu, depuis ce vendredi soir, quelques articles consacrés aux représentations parisiennes de cette Traversée de Paris. Et rétrospectivement, je me suis demandé si, à Sarlat, l'acteur ne s'était pas laissé emporter par une certaine euphorie face au vaste espace offert par la scène montée place de la Liberté et par les conditions du plein air...

Traversée de Paris
D’après la nouvelle "Traversée de Paris" issue du recueil Le Vin de Paris et le roman Le Chemin des écoliers, de Marcel Aymé (les deux ouvrages sont disponibles chez Gallimard en édition de poche dans la collection "Folio").
Adaptation, mise en scène et interprétation:
Francis Huster
Durée:
1h30
    

Représentation donnée le vendredi 23 juillet place de la Liberté.

L’an passé, à Sainte-Claire, Jean-Marie Sirgue avait présenté son adaptation de Rhinocéros – non pas la pièce mais la nouvelle que Ionesco a écrite environ trois ans auparavant.  J’avais été enthousiasmée  par sa mise en scène autant que par la qualité de son jeu, à la fois retenu, souple, et profondément expressif. C’est donc sur la foi de son seul nom que je suis allée voir Les Konkasseurs de kakao. Certes un peu intriguée par le titre et attirée par la balade littéraire qui se profilait derrière la manière dont ce florilège était annoncé – complètement insensé, aucun thème, aucune logique, aucun message – j’avais au fond pour principale motivation de voir à nouveau jouer Jean-Marie Sirgue. De quelque nature que fût le spectacle, j’étais certaine de ne pas être déçue. Et je ne l’ai pas été.

   
Une chaise pour l’accordéoniste. Un banc pour le comédien. C’est tout. Le décor du spectacle est là. Là seulement. Ah, non… une infime touche de couleur, au pied du banc, attire le regard – une petite poire de plastique bleu. Elle attend – quoi? Une baleine, une grosse baleine qui va tuer son dépeceur. Mais n’anticipons pas.
L’on entend d’abord l’accordéon et l’on a l’impression d’être pris par la main puis entraîné dans une farandole qu’on ne quittera qu’à la fin. Car la dynamique du spectacle s'apparente à une farandole qui va, vire, revient en une danse coulée sans rupture. Il y a des variations de registre, de ton, de rythme – l’humour absurde côtoie le monologue satirique, les auteurs du XIXe siècle croisent la prose avec ceux d’aujourd’hui – mais le très habile montage de textes et de temps laissés à la musique confère à l’ensemble une harmonieuse continuité.
 

Hormis La Rempailleuse de Maupassant, je n’ai, sur l’instant, identifié aucun des textes. Mon plaisir de spectatrice ne doit donc rien à celui que donne le sentiment de familiarité littéraire. Mais tout à la capacité des deux interprètes à faire entrer d’emblée le public dans un mouvement théâtral où l’on traverse plusieurs univers peuplés de personnages très divers, tous campés avec un égal bonheur par un comédien de grand talent.
À aucun moment ne se perçoit chez Jean-Marie Sirgue cette crispation de tout le corps qui étreint souvent les comédiens trop "habités" par leur rôle. Quelle présence cependant! Quelle aisance dans les incarnations successives – j’aurais écrit "légèreté" si je n’avais craint que ce mot fût compris comme synonyme d’inconséquence ou de superficialité alors que je ne veux signifier rien autre qu’une grâce aérienne dans la manière de poser un personnage puis de glisser vers le suivant, une étonnante fluidité de jeu, une formidable aptitude à rendre expressif un sourire, un roulement d’yeux, un froncement de nez, un léger recul du corps, un mouvement du poignet… Appuyés par toute une gamme de modulations dans la voix et les intonations, ces gestes mesurés et pleins de spontanéité, jamais outrés qui pourtant parviennent à caricaturer – alors même que la caricature est grossissement de traits Jean-Marie Sirgue parvient à la jouer sans grossir ses attitudes ni sa diction – suffisent à exprimer des caractères. Des "r" roulés et la voix qui tonne le temps d’une brève repartie: l’on a devant soi un marquis campagnard sûr de lui, assez rustre dans sa façon de penser à l’amour. Un sourire qui éclaire le visage et une élocution qui s’adoucit, voilà qu’apparaît dans toute son innocence la Rempailleuse encore enfant. Yeux et bouche rechignés, mots qui tressautent et s’éraillent comme piqués d’aigreur, et surgit le déplaisant "Des Noix", le chef du personnel du Prunus (de Noëlle Renaude) qui refuse tout aux employés, surtout les jours de congé.
 

Quels que soient les personnages joués et les textes dits c’est, tout au long de la représentation, un même jeu intense et sobre, qui s'apparie à merveille avec l’accordéon de Serge Rigolet dont la présence n'est pas que d'accompagnement. Il y a à l’évidence une grande complicité entre les deux artistes et cela donne à leur spectacle l’ultime finition qui le porte à la perfection.
Ce n’est rien de choisir de grands textes si c’est pour les mal servir – une interprétation mal adaptée et c’est l’extinction assurée du plus remarquable des poèmes. Jean-Marie Sirgue et Serge Rigolet, eux, subliment et illuminent ceux qu’ils ont choisis.

Petite historique du spectacle et du Théâtre de la Fronde

par Serge Rigolet
(propos glanés à Plamon lors de la réunion du 18 juillet)

N’accordez aucune importance au titre de ce spectacle! c’est une pure bêtise, un prétexte à vous raconter des histoires… En fait les mots du titre sont tirés d’une phrase célèbre qui sert d’exercice de diction aux comédiens débutants – vous savez, c’est l’histoire de la cocotte Kiki qui donnait son corps et son cœur à qui lui offrait un caraco kaki… elle est dans le spectacle, de toute façon. Sous cette forme, la pièce tourne depuis 2004 et a été jouée dans des endroits très différents, depuis les grandes scènes nationales jusque dans les bistrots. Il y a d’abord eu un montage textuel qui s’appelait Patchwork puis, après deux ou trois représentations, on a élaboré une autre version; c’est devenu Les Konkasseurs de kakao, et depuis on n’y a apporté aucune modification.
Les textes ont été choisis sur la seule base du plaisir qu’ils nous donnaient – le plus difficile dans notre travail a été justement de choisir parce qu’il y a vraiment beaucoup de textes qui nous donnent ce plaisir. Ils sont été puisés chez des auteurs très différents et le spectacle est avant tout un défilé d’auteurs devant le public, un peu à la façon d’un tour de chant où, en l’espace d quelques secondes – le temps qui sépare un texte du suivant – on passe d’un univers à un autre. Et Jean-Marie, qui a une capacité extraordinaire à camper plusieurs personnages sans qu’il y ait confusion entre eux, met ce talent au service de cet enchaînement.
Il n’y a aucun fil conducteur qui permette de passer d’un texte à l’autre, on n’a cherché aucun artifice pour donner du lien; on a simplement tenu compte des émotions que ça pouvait susciter – le montage textes/musique a été pensé dans une progression émotionnelle et l’ordre des interventions a été réglé en fonction de ça, qui est un principe complètement arbitraire mais qui en même temps correspond à notre sensibilité et à notre envie de vous la communiquer. Ce sont les textes qui ont décidé de la musique; elle joue un rôle important parce qu’elle donne une continuité à l’émotion du texte, quand elle ne fait pas office de préambule.
La mise en scène n’est pas très fouillée, il n’y a ni décor sophistiqué ni éclairages complexes… Le spectacle repose essentiellement sur une complémentarité entre des textes et la musique que j’ai le plaisir de jouer – j’ai composé la plupart des morceaux, quant aux autres, je les ai carrément pompés mais vous les reconnaîtrez car ils sont très connus. Il repose aussi, je crois, sur notre engagement à vous faire partager le plaisir que nous avons eu, nous, à découvrir ces textes, et sur notre complicité.

La photo de l’affiche? C’est la cocotte Kiki. On a photographié une poule du village, de cette espèce qui n’a pas de plumes au cou. Aujourd’hui, elle est morte. On l’a mangée, et c’était très bon!

La compagnie
Elle s’appelle le Théâtre de la Fronde. Elle est dirigée par Jean-Marie, qui l’a créée en 1982, et basée à Chédigny, un petit village tourangeau de quelques centaines d’habitants. Je suis musicien et j’ai commencé à travailler avec Jean-Marie en 1989. Il a d’abord monté des spectacles pour enfants, puis il est passé à des choses plus "sérieuses" – il doit avoir aujourd’hui une quinzaine de spectacles à son actif, en plus de ceux auxquels il participé en tant que comédien. Avec ces spectacles, la compagnie, depuis sa création, a littéralement fait le tour du monde – des voyages dont on ramène toujours quelque chose qui laissera des traces dans nos créations.

Les Konkasseurs de kakao
Florilège de textes choisis par Jean-Marie Sirgue et Serge Rigolet – de Hugo à Pennac, de Maupassant à Bedos, et Prévert, Renaude, Desproges, Nougaro... Mêlés à des morceaux d’accordéon pour la plupart composés par Serge Rigolet.
Mise en scène:
Jean-Marie Sirgue
Interprétation:
Jean-Marie Sirgue, Serge Rigolet à l’accordéon
Durée:
1h15
Compagnie:
Théâtre de la Fronde

Représentation donnée le 18 juillet à l’abbaye Sainte-Claire.

Cette année le 59e festival des jeux du théâtre de Sarlat portera brassard noir, en mémoire des trois grands comédiens qui se sont éteints en ce mois de juillet – Laurent Terzieff le 2, Pierre Maguelon le 10 et Bernard Giraudeau le 17. Triste trinité… qui certes ne va pas empêcher le spectacle de continuer, ni les rires d’éclater pendant ces trois semaines de festivités théâtrales. Mais les gaîtés et les joies auront cette bizarre résonnance qu’elles prennent lorsqu’elles heurtent le vide creusé par les absences amères.

Endeuillé, le festival a cependant commencé comme prévu, en fanfare et en pompe grande mais légèrement décalée, avec Les Grooms, ceux-là qui, en 2008, avaient "baronné" à travers les rues de Sarlat et séduit un public qui s’était entièrement pris au jeu et avait ri de très bon cœur.
Plus de baronnade ambulatoire cette fois mais une représentation sédentarisée place de la Liberté, à même le pavé laissé libre par les cafés dont les terrasses s’étendaient loin hors des murs en cette journée de plein soleil. L’on a retrouvé avec plaisir les costumes groomiens – pantalon noir, jaquette rouge à boutons dorés, casquette assortie – et les cuivres de la fanfare, l’art des comédiens à interpeller le public, à jouer avec lui… non pour de joyeuses interactions comiques plus ou moins improvisées mais pour un opéra! Les Grooms se proposaient rien moins que de jouer devant le public ébahi Le Roi Arthur, composé par Henry Purcell à la fin du XVIIe siècle sur un livret de John Dryden… Enfin, Un roi Arthur car, bien évidemment, la fameuse œuvre baroque a été revisitée par ces musiciens-comédiens talentueux à la fantaisie débridée.
 

L’intrigue, passablement compliquée, qui doit davantage aux inventions de Dryden et au passé historique de la Grande-Bretagne qu’à la légende arthurienne proprement dite, fut d’abord brièvement exposée en même temps qu’était retracée la genèse de l’œuvre et précisé son caractère patriotique – dans un préambule assaisonné, on s’en doute, de drôleries bien piquées. Puis ce fut du théâtre de rue à grand spectacle, avec changements de costume, multiplication d’accessoires, et des effets spéciaux par fumigation! À grand renfort de théâtralité exagérée et assumée comme telle, l’on assista à une farce désopilante, où le grotesque délibérément accentué des costumes le disputait à une gestuelle outrée du meilleur effet.
Entre fausses barbes grossièrement accrochées, casque à cornes orné de fausses tresses blondes et string à frous-frous arboré quand il s'est agi de mimer un combat façon sumotori, le délire le plus total a régné pendant les 55 minutes qu’a duré la représentation.

La musique, et le chant dans tout cela? Ils étaient là, ô combien présents – mais jamais dénaturés ni parodiés. Les airs ont été chantés par de vraies voix lyriques, superbes, et les morceaux instrumentaux, adaptés pour un orchestre de cuivres, ont tous été joués avec la plus respectueuse justesse. Pas un couac, pas une note volontairement faussée, pas de voix qui déraille… Le comique s’est déployé, et dans les grandes largeurs, autour de la musique et du chant. Mais eux ont été abordés avec le plus grand sérieux et un respect tout aussi grand.

"Spectacle tout public", indique le programme. Tout public? Assurément: tout le monde, des plus jeunes enfants aux plus âgés des adultes, est forcément accroché par cette farce délirante qui rutile et dévide les gags visuels à un rythme soutenu. Il faut avoir l’esprit singulièrement chagrin ou grincheux pour ne pas se laisser aller à rire de ce bon rire qui détend et réconcilie avec la vie. Quant à bien comprendre ce qui est raconté, cela demande de tendre l’oreille, d’aller au-delà du brillant vernis comique et d’avoir l’attention en éveil, ce qui caractérise rarement les dispositions d’un public par définition passant et qui n’est pas là en premier lieu pour assister à une représentation théâtrale. Enfin, il n’est pas sûr du tout que cette parodie, pour respectueuse et inventive qu’elle soit, "démocratise l’opéra": je ne crois pas qu’avoir ri aux éclats en voyant Les Grooms incite à la découverte ceux qui n’ont jamais écouté d’œuvres lyriques d’assez près pour les apprécier. Et je ne crois pas non plus que la beauté des voix que l’on entend chanter les airs du Roi Arthur suffise à dérider les oreilles de qui n’est pas initié à l’opéra.

Quels que soient les rapports que l'on a avec l'opéra, on gardera le souvenir d'un spectacle foisonnant, à coup sûr goûté par les mélomanes qui auront pu apprécier la mesure du savoir-faire musical des Grooms qui doit être grand pour parodier de la sorte un opéra. À la fin du spectacle, j'ai même vu et entendu du coin de l’œil, tandis que l'on déballait sur une table tous les "supports de communication" de la compagnie – entendez par là les DVD, posters, affiches et cartes postales proposés à la vente – un spectateur à l'évidence sujet de Sa Gracieuse Majesté qui félicitait, dans la langue de Shakespeare, les deux chanteurs lyriques pour leur interprétation, et leur prononciation du vieil anglais...

La compagnie des Grooms, constituée essentiellement de musiciens, est née en 1984. Elle est menée par Christophe Rappoport qui, en matière théâtrale, a de qui tenir puisqu'il est le fils du metteur en scène Jacques Livchine, notamment pionnier du théâtre de rue en France et comptant parmi les créateurs de la Ligue d'improvisation. On ne se risquera pas à résumer sa riche carrière mais on dira tout de même que, une fois nommé à la direction de la scène nationale de Montbéliard, il la rebaptisa Centre d'art et de plaisanterie.

À voir les créations des Grooms, il est évident que père et fils ont avec le théâtre des rapports similaires... Ces musiciens émérites créent des spectacles musicaux décalés et pleins d'humour mais témoignant à la musique le plus grand respect. Passionnés d'opéra, ils ont pour ambition de démocratiser un art réputé peu accessible aux profanes. Leur arme? La parodie. Une parodie à la fois intelligente, délirante, infiniment drôle, et respectueuse.
Il paraît qu'ils se sont attaqués à la tétralogie de Wagner! Mais à quoi peut bien ressembler ce monument passé entre leurs mains, et projeté hors des salles sur le pavé des rues...   

Un roi Arthur
Opéra pour fanfare et trois chanteurs, d’après Henry Purcell
Arrangements:
Antoine Rosset et Serge Serafini

Mise en scène:
Etienne Grebot
Adaptation:
Jacques Auffray
Avec:
Jacques Auffray, Danièle Cabasso, Damien Ferrante, Macha Lemaître, Christophe Rappoport, Antoine Rosset, Serge Serafini, Bruno Travert
Durée:
55 mn

Représentation donnée le 17 juillet sur la place de la Liberté.