Peaufinant ce matin un texte de premier jet écrit à la hâte dimanche dernier(soit le 18 janvier) après avoir pris quelques photos numériques du campus universitaire situé tout à côté de chez moi, je m’aperçois qu’en l’affinant et en le structurant, il se raboute à un compte rendu qu’a publié Marie-Annick juste avant le Nouvel an à propos du «papier non travaillé» dans un dessin, sur quoi je méditais quelques développements. Qui sont d’ailleurs toujours en souffrance mais… ne commenceraient-ils pas de trouver, ici, une manière de… soulagement?

Quelle couleur donnent, au vide, aux rues et places désertes, un ciel d’orage creusé de lividité, un doux crépuscule faisant monter le rose aux joues de nues évanescentes, un azur nu et un soleil cloué en son zénith tuant dans l’œuf les ombres? Toujours la même et sans guère de variantes me semble-t-il – et qui est moins une couleur, une nuance chromatique, qu’un son ; un son qui n’est ni le brouhaha de la foule en vie ni le silence de l’absence, pas même la ponctuation égrenée de trilles éparses dans la vague rumeur, urbaine ou rurale car ville et campagne sont pareillement bruissantes quoique les bruits ne soient pas les mêmes ni les décibels aussi élevés aux champs qu’à la ville. Un son qui n’en est pas un mais un écho, une trace – la trace que laissent derrière elles les présences évanouies, disparues et devenues absences ; la trace qui leste tout ce qui avant de n’être plus a été et le rend à jamais présent. Intangiblement présent mais présent.
Alors comment une photographie – «écriture avec la lumière» – pourrait-elle capter cet «intangiblement présent»? Elle ne peut que le signifier de manière symbolique, par métaphore si l’on veut. Seuls les artistes authentiques réussissent cet exercice de présentification de l’irreprésentable, comme seuls réussissent à mettre en mots l’indicible les authentiques écrivains et poètes. Ce n’est pas, cependant, une présentification objective; je crois qu’elle advient par les «objets» mais se ressent au-delà d’eux, dans les interstices, vers où justement artistes et poètes mieux que quiconque savent attirer l’attention: par l’image ou par les mots (dont on s’avisera qu’ils sont, à regarder les premiers signes graphiques qualifiables d’«écriture» des images en bout de course, des images peu à peu dépouillées de certaines de leurs «qualités contingentes» pour se détacher tant et si bien de leur référent concret qu’elles se font oublier en tant que telles sous les mots) ils font vibrer cet entre-deux où peut, et là seulement, se percevoir l’irreprésentable. C’est par l’intensité de cette vibration qu’ils touchent, davantage sans doute que par les «objets» – motifs peints/dessinés/photographiés; mots et phrases – entre lesquels elle fibrille. Je ne me sens aucune légitimité à me prétendre artiste ou poète et, pourtant, regardant avec quelque recul certaines de mes photos de chantier, d’espaces vides, de ruines ou de choses en déliquescence, j’y réentends un peu de cet «écho d’absence» qui m’a touchée lorsque j’ai appuyé sur le déclencheur.
Un écho qui me parvient chaque fois que j’arpente, le dimanche et quelles que soient l’heure, les conditions atmosphériques, ce campus universitaire sorti de terre il n’y a pas dix ans, ce même écho propre à tout site désertifié après avoir été fourmillant d’activité.
Alors je me dis que ces photos sont «réussies»: par-delà le temps, et les mutations de mes perceptions inhérentes à son passage, elles restent loquaces. Peut-être suis-je seule à les entendre… auquel cas sont-elles vraiment loquaces?

En juillet dernier – du 7 au 12 – Marie-Annick transportait à Pornic cet enseignement plastique qui lui est si particulier et qu’elle décline depuis une trentaine d’années sous diverses formules à Paris – en atelier, en extérieur dans les musées ou en des lieux non dévolus aux beaux-arts mais offrant d’intéressantes matières aux crayons et pinceaux alertes (restaurants, échoppes d’artisans…), croisant aussi, à l’occasion, les modes d’expressions artistiques (dessin et peinture à la rencontre de la danse, de la musique…). Pendant une brève semaine il s'agissait, pour les stagiaires, de considérer "le réel comme support de création". Une proposition programmatique dont on pourrait dire qu'elle est l'assise de tous les cours de Marie-Annick, et aussi de sa recherche personnelle, d'où elle fait procéder des incitations plus spécifiques (mise en espace sur le papier des jeux observés "en situation" entre vides et pleins, lignes et courbes, transcription sur le plan de la feuille des rapports de volumes... les souvenirs de sujets me reviennent dans le désordre); une proposition qui peut prendre appui n'importe où, au-dehors comme à l'intérieur, au bord de la mer comme en milieu urbain, vague donc a priori et très générale mais en fait extrêmement précise quant à l'essence du travail à engager: il s'agit de saisir le réel non pas pour l'imiter, le copier mais pour, à partir de lui, laisser l'imagination s'envoler et le geste créateur se déployer. Une directive peut-être plus difficile à suivre à Pornic qu'en des lieux plus ordinaires, les particularités de l'endroit ayant assez de charme pour donner davantage envie de les retenir sur papier au plus près d'eux-mêmes que de s'en emparer pour les subvertir entre le marteau et l'enclume de la créativité... La difficulté étant alors, ici, de s'affranchir d'une beauté déjà-là pour tâcher d'en générer une nouvelle qui lui serait à la fois autre et consubstantielle comme un portrait peint peut l'être au visage du modèle.

Épargnées par les pluviosités estivales, les sept stagiaires – chacune avec un "passé de dessin" différent, plus ou moins dense – et leur professeur ont pu aller travailler en extérieur et croquer à leur guise plages et mouettes, bateaux amarrés et coquillages… sortir leurs boîtes de couleurs et leurs crayons, prendre le temps de réfléchir, de choisir, d’oser… Des carnets bien remplis ont été ramenés gardant au creux de leurs feuillets tous ces petits bouts de réel grappillés à la pointe du crayon en quelques lignes hâtives ou bien soigneusement reproduits et colorés, parfois directement interprétés sur place… Dans cette abondante matière – dont on aura idée en consultant le "journal de stage" richement illustré de photographies que Marie-Annick a mis en ligne ici – chaque élève a ensuite, par-delà le temps du stage, sélectionné des motifs – "motif" au sens large: parfois un effet visuel, comme la répétition de certaines lignes, ou bien un jeu de formes particulier – qu’elle a développés au gré de ses impulsions créatrices, à distance de la réalité qui a nourri le croquis et laissant voie ouverte aux inflexions qu’imposent les souvenirs, les bribes d’histoire personnelle, guidée en outre par les modalités d’exécution dictée par la technique choisie. Vient, au terme de ce retour sur images et sensations, l’œuvre d'atelier.

Jusqu’au 17 septembre, une sélection de ces travaux est exposée à l’Atelier Grenelle* – carnets de croquis et reprises postérieures voisinent, mettant ainsi en évidence le processus de transformation qui a opéré entre la saisie sur le vif et la réinterprétation ultérieure, à distance. À noter que Marie-Annick ne s’est pas contentée de disposer les diverses réalisations de manière pédagogique, à seule fin de donner à voir à travers ses fruits une approche, une méthode d’incitation à la création: elle a réalisé une véritable installation qui a elle-même son propre intérêt plastique – ce qui m’a le plus séduite est la table sur laquelle elle a disposé des carnets sur champ, ouverts et dont les pages sont maintenues par des pinces, entre lesquels elle a placé de petites sculptures réalisées par des élèves d’un autre cours et n’ayant aucun rapport avec Pornic mais dont la présence résonne avec ce que montrent les pages des carnets, les dessins et aquarelles accrochés aux murs, et contribue ainsi à composer un véritable paysage.
À titre amical, Marie-Annick m’a proposé d’accueillir quelques-unes de mes photos bien que je n’aie pas suivi le stage – des photos qui donc n’en portent pas témoignage, n’ont pas même d’échos marins, et sont simplement thématisées "nature". Mais toutes lui doivent quelque chose: quand je photographie, il y a toujours une part de ce que j’ai pu apprendre auprès de Marie-Annick qui se manifeste.

Outre que visiter cette exposition met un peu de sable et d’embruns au moral, c'est aussi l’occasion de découvrir le programme d’activités qu’a concocté Marie-Annick pour l’année 2014/2015. Hors les murs perdurent les séances au Louvre du mercredi soir et au Jardin des Plantes le lundi, ainsi que les "journées pour le dessin et la peinture" une fois par mois – la première étant fixée en octobre. Elle y a ajouté de nouvelles propositions, le jeudi, dont la planification dépendra du nombre d’inscrits. Tous les détails sont là, sur cette page de son blog.

*Atelier Grenelle
7 rue Ernest Psichari
75007 PARIS
Jusqu'au mercredi 17 septembre, ouverte de 15 heures à 19 heures.

Ce samedi 14 décembre, deux élèves se sont inscrites pour suivre la dernière "journée pour le dessin et la peinture" de l’année 2013: Maud, une fidèle qui va croquer au Louvre et au Jardin des Plantes depuis trois ou quatre ans, et Alexandra qui, elle, vient de rejoindre le cours de création en atelier du vendredi après-midi. Le rendez-vous avait été donné au Petit Palais, dans la salle où se tient l’exposition "L’école en images"*.
Lorsqu'elle réunit ainsi ses élèves dans un musée, autour d'une collection permanente ou d'une exposition temporaire, Marie-Annick prend le temps, avant de les retrouver à l'heure fixée, de se promener un peu à travers les œuvres:

J'arrive toujours un peu en avance, de façon à visiter rapidement l’expo, ou la salle, et déterminer le sujet que je vais proposer, les pistes de travail que je vais suggérer. Mes choix dépendent du contexte (les œuvres exposées, l'accrochage...) et aussi des élèves qui seront présents. Selon ce que je connais de leurs habitudes, je me demande: "Qu'est-ce qu'ils vont pouvoir découvrir de la peinture grâce à cette expo?"
Ce qui m’intéresse, quand je propose une exercice, ce n’est pas que l'on fasse de la copie pour faire de la copie – même si finalement on copie quand même – mais que l'on saisisse comment, en regardant une expo, en prenant des notes, on va pouvoir nourrir son travail personnel et déterminer dans quelle direction on va pouvoir aller soi-même. Ce à quoi j'espère arriver, c'est que les élèves parviennent à exprimer sur leur feuille de papier ce qui les a intéressés dans l'observation de notre patrimoine. Certains seront davantage dans la description, dans la copie de ce qu’ils ont sous les yeux, d’autres plutôt dans l’interprétation... Quand on sait dessiner, il est plus facile de copier que de donner à voir ce qui a intéressé; montrer cela est beaucoup plus exigeant mais c'est à ce type d'expression que j'essaie d'amener ceux qui suivent mes cours.
Aujourd'hui, je vais proposer à Maud et Alexandra d'étudier les rapports de surface; il s’agit de regarder les à-plats, de voir s’ils ont des contours ou pas, combien il y a de couleurs, comment elles se répètent... Il faut aussi appréhender ces à-plats les uns par rapport aux autres, de voir qu’il y en a de plus travaillés que d’autres… et ensuite de comprendre que l’agencement, la nature de ces à-plats (simples ou complexes, avec ou sans contours…) créent des rythmes, qu'il faudra aussi scruter de près.
J'aurais très certainement pu faire la même proposition dans d'autres salles mais je réalise que c'est la première fois que je donne un tel sujet, du moins ainsi énoncé – par exemple, dernièrement, nous avons visité l'exposition que le Louvre consacre à Jean Cousin; ce dessinateur lie tous les éléments de sa composition les uns aux autres. Il n’y a aucun espace vide entre les éléments du sujet – il y a toujours un petit trait qui va rejoindre le personnage à ce qui l’environne, animal, plante, architecture… c’est systématique, comme un puzzle. Étudier cela revient d'une certaine manière à analyser les rapports de surface mais alors davantage envisagés comme un fil d’Ariane allant d’un élément à l’autre. Aujourd'hui on est dans l'à-plat; les rapports de surface sont à appréhender dans leur intensité, dans la manière dont ils font jouer les droites et les courbes... Et si on arrive à oublier le thème des personnages, on peut arriver à un travail relativement abstrait: tracer juste des surfaces claires/foncées, avec angles ou avec courbes, etc. un jeu de surfaces géométriques aléatoires qui vont avoir un rythme, en s’inscrivant les unes par rapport aux autres. C'est le contenu même de l'expo qui m'a incitée à cette formulation: on y voit essentiellement des esquisses, des travaux préparatoires, les œuvres comportent beaucoup d'à-plats, et peu de détails – par exemple, quand des personnages sont représentés, on a juste l'emplacement du visage, mais pas de traits, ni de modelé.

Tandis que je vais d'une salle à l'autre, déchiffrant les cartels, lisant les textes explicatifs tracés aux murs en même temps que j'observe les maquettes, les tableaux et dessins encadrés, les vitrines où sont exposés des devoirs, des cahiers et autres menus objets ayant appartenu à des écoliers parisiens des premières années du XXe siècle, je croise Maud reproduisant avec minutie une scène tirée d'un projet de fresque peint sur toile et représentant des ouvriers au travail puis, plus loin, un peu en retrait seule sur un banc rencogné dans une alcôve, Alexandra, occupée à croquer d’après le catalogue** qu’elle tenait ouvert devant elle et non plus d’après les accrochages… Il est vrai que ledit ouvrage contient des images que ne montre pas l’exposition...
Marie-Annick, elle, s'est arrêtée sur la première toile que l'on voit en entrant, En retenue, d’Auguste Truphème (1836-1898. Peintre né à Aix-en-Provence, il s'est, paraît-il, spécialisé dans les scènes scolaires). Cette toile a la particularité de laisser voir un repentir dans sa partie gauche: on distingue des contours sombres autour de la figure de l'enseignante indiquant qu'elle devait avoir, dans le projet d'origine, une taille bien plus importante. Des géométries l'interpellent comme, dans une autre composition, des successions de triangles qu'elle percevait entre les jambes des personnages:
J’ai choisi de m’intéresser aux visages qui s’inscrivent dans l’encadrement des fenêtres. Je vais donc tâcher de voir l’importance des contrastes, quels sont les rapports de surface entre la figure et la fenêtre délimitée par ses montants. Au fond on voit la porte ouvrant sur l’extérieur et, dans cette surface claire, deux petites têtes qui instaurent un rythme par rapport aux deux visages plus grands et mieux définis que l’on voit en avant de cette porte.

Aux alentours de 12h30, nous nous retrouvons toutes les quatre à la sortie de l’exposition. Maud, Alexandra et Marie-Annick posent chacune leur carnet ouvert sur un banc, confrontant leurs croquis respectifs et expliquant leur ressenti, leur approche du sujet.

Marie-Annick à Maud, qui a réalisé une série de croquis précis: "Tu t’es surtout intéressée à la façon dont les motifs, dans ce thème des décors pour l’école, traduisent les valeurs de la République : le travail, la famille, les tâches dévolues aux hommes et aux femmes…" En effet: outre les esquisses décrivant des ouvriers métallurgistes, des vignerons qu’elle a fidèlement reproduites, Maud s’est attachée, en particulier, à une aquarelle de Marthe Flandrin, Les Devoirs et les plaisirs maternels (1933), montrant quelques occupations typiques de la mère de famille, et a noté combien sont significatifs les registres chromatiques: bleu pour les vêtements de la mère, tons chauds pour ceux des enfants.

Marie-Annick rapporte combien son œil a été attiré par une succession de triangles qui lui apparaissait tandis qu’elle était occupée à décrypter les rapports de surfaces sur la toile accrochée à l’entrée – "Et du coup, cela donne un dessin que moi seule peut rattacher au tableau d’origine".

Les pages du carnet d’Alexandra, qui a tout de suite annoncé qu’elle "ne sait pas dessiner", montrent des compositions géométriques aux couleurs franches, certes non figuratives mais où pourtant se reconnaissent sans peine les lignes fortes et les rapports chromatiques de certains tableaux exposés – des rapports chromatiques nullement "naturalistes" du reste: ainsi l’un de ses croquis comporte-t-il du vert quand il n’y avait pas de vert sur l’œuvre dont elle s'est inspirée. Pourtant une indéniable justesse émane du croquis, sans doute parce que Alexandra a restitué quelque chose de la théorie des couleurs concernant les rapports de chaleur/froideur qui est commun à son propre univers graphique et à celui du tableau qu’elle a observé.
Au terme de ce bref échange nous gagnons à pied l’atelier, rue Ernest Psichari. Au-dehors le soleil règne sans partage et cette pleine lumière dynamise l’humeur, rend le pas allègre, enflamme les ors du pont Alexandre III comme ceux du dôme des Invalides… L’âme, l’œil et le cœur en sont tout embrasés – la main, au diapason, sera d’attaque pour aborder la seconde partie de cette "journée pour le dessin et la peinture, après la pause déjeuner.
Tandis que l’on déguste thé ou café, la conversation revient sur les heures passées au Petit Palais, les carnets de croquis sont tirés des sacs et ouverts sur la table, où ne demeurent plus que le pichet de thé, la cafetière à piston et nos quatre tasses. Les commentaires émis au sortir de l’exposition s’étoffent, se complètent, se croisent de considérations historiques et sociologiques sur l’école, la famille… Puis, pendant qu’Alexandra et Maud revêtent leur blouse et se dirigent vers la grande salle de l’atelier pour s’y installer et préparer leur matériel, Marie-Annick énonce sa proposition de travail: reprendre le sujet donné au musée – étudier les rapports de surface et les rythmes générés par leurs jeux – et les différentes pistes empruntées pour le traiter mais en considérant cette fois l'environnement de l'atelier. Autrement dit, il s'agissait non pas d'utiliser les croquis du matin comme des études préparatoires mais de regarder ce que l'on avait autour de soi et d’y déceler ces rapports qu’au musée l’on s’était attaché à déceler dans des parcelles de réel – les œuvres – qui étaient déjà elles-mêmes des transcriptions artistiques, opérées par d’autres. D’analyste-interprète d’un geste transcripteur venu du passé il fallait devenir à son tour transcripteur des géométries du monde...

Et quelles géométries! la salle offerte à l’observation, telle qu’elle a été laissée après la fin du dernier cours qu’elle a accueilli – le vaste espace central dégagé, chevalets adossés le long des murs, tabourets empilés, sol balayé, pinceaux nettoyés et rangés dans leurs pots, flacons de gouache, boîtes de pastels, de craies, de pinces… bien à leur place sur les étagères, etc. –est un merveilleux foisonnement de formes, de volumes, de contrastes, de jeux chromatiques… Alexandra commence tout de suite à travailler, dans la continuité de ce qu’elle a fait au Petit Palais: reprenant son carnet, ses crayons Néocolor (Caran d'Ache), elle jette rapidement sur le papier des à-plats nets et colorés où se reconnaissent les étagères garnies de pots remplis de pinceaux, d'objets-modèles, les tiroirs contenant les réserves de papier, les boîtes de pastels, de pinces... ou bien, sur une autre page, les polygones irréguliers dessinés par les montants des chevalets, à l’intérieur desquels se lisent les couleurs que laissent voir les divers arrière-plans – le vert du tableau, le blanc des murs… Maud non plus n’a guère tergiversé avant de choisir le médium qu’elle va utiliser: la gouache. "Il y a si longtemps que je n’ai pas fait de peinture!" dit-elle avec un large sourire, tout heureuse de préparer ses palettes – sélectionner les couleurs, répartir les gouaches sur les deux disques de plastique dont elle s’est munie… semble la plonger dans une jubilation joyeuse. Elle place son chevalet de manière à avoir derrière elle la lumière donnée par la baie vitrée, épingle une feuille vierge et, à l'évidence elle aussi inspirée le visuel des chevalets accumulés, se met à traduire ce cumul par des formes simples, définies par de minces contours. Peu à peu elle les remplit de couleur au pinceau plat. Marie-Annick lui propose un rouleau de mousse, permettant des à-plats plus uniformes. Maud essaie, mais poursuit avec son pinceau plat.

Pendant ce temps, Alexandra paraît marquer le pas. Marie-Annick s'approche, commente son dessin, s'empare de son carnet qu'elle tient à la verticale de l'autre côté de la table de manière à ce qu'Alexandra puisse l'observer avec suffisamment de recul, le replace à plat, sous ses yeux et lui donne quelques indications pour continuer. Mais Alexandra change d'orientation: elle décide de laisser de côté son carnet et de poursuivre sa création à partir de peintures réalisées au cours de séances précédentes. Après en avoir extirpé quelques-unes de la réserve où sont rangés les travaux des élèves et les avoir scotchées au mur d'une petite salle adjacente, elle se concerte longuement avec Marie-Annick, toutes deux se tenant debout face à ces réalisations abstraites qu'Alexandra envisage de retravailler. Elle finit par en choisir une puis se saisit de la palette de couleurs à l'huile qu'elle a utilisée la veille. Elle applique sur les petits tas de pâte une feuille de calque puis opère plusieurs transferts successifs sur le fond choisi, en variant la force de ses appuis de telle sorte que les traces laissées soient d'intensités et de formes différentes... Puis elle abandonne la technique du transfert, épingle une feuille vierge sur un chevalet et se lance dans une nouvelle réalisation, toujours avec des couleurs à l'huile. Une large colonne de rose est étalée, puis sculptée au couteau par petits gestes précis, subtils, creusant des ajours dans la pâte dense et brillante... Un à-plat vert s'inscrit en juxtaposition, à quelque distance, à son tour travaillé au couteau par petites ébréchures successives qui dentellent finement la pâte. Grave et concentrée, Alexandra semble tout entière absorbée par ce qui, au bout de ses doigts, prend vie sur la surface blanche.

Une fois sa feuille de papier entièrement couverte de larges motifs, Maud abandonne palettes et pinceau pour s’emparer de la boîte à pastels : par petits rehauts délicatement apposés sur la gouache sèche, elle présentifie dans sa composition le carrelage de l’atelier. La voyant s’interrompre un instant, Marie-Annick vient lui suggérer quelques réaménagements pour affiner les rapports chromatiques et géométriques de son travail. À l’autre bout de la salle, Alexandra continue de peindre au couteau; à petits gestes pesés et réfléchis…
Il est à peine 16 heures quand je quitte l’atelier. La séance ne s’achevant qu’à 17 heures, je ne verrai donc pas les créations finies, je n’écouterai pas non plus les échanges entre Marie-Annick et ses élèves – je perdrai quelque chose d’essentiel de cette journée. Je le savais et cependant je m’en suis tout de même allée avant terme. Non que j’aie un goût immodéré pour les points de suspension, mais je crois que je commençais à me sentir oppressée d’un trop-plein de mots et de phrases désordonnés que j’avais hâte de ployer à la discipline de l’écriture, et que je redoutais, déjà quasi submergée, de ne pouvoir conserver à sa juste valeur ce qui se serait dit lors de la dernière phase du cours – quand se commentent les travaux, se confrontent les avis, les impressions… Et puis il y avait aussi, moteur non moins puissant à ma décision de m’éclipser si tôt, l’envie pressante d’examiner de près les quelques photos – numériques et argentiques – que j’avais prises à l’atelier.

Tandis que j'écris ces lignes, ultimes ajouts à un texte commencé voici une semaine déjà, j'ai pu voir, grâce aux photos que m'a envoyées Marie-Annick (en m'autorisant à les utiliser ici, mais qu'elle a publiées sur cette page de son blog), à quoi étaient parvenues Maud et Alexandra. Images où il me semble retrouver, fixé dans les formes et les couleurs, un peu du souffle que j'ai senti passer dans leurs gestes, leurs regards, tout au long de ces moments qu'elles ont consacrés à leur création.

*L’école en images. Décors parisiens des années 1930. Jusqu’au 26 janvier 2014 au Petit Palais. Accès gratuit.

** Isabelle Collet, Marie Montfort, L’École joyeuse et parée. Murs peints des années 1930 à Paris. Paris-musées/les musées de la Ville de Paris, coll. "Petites capitales", 72 p. – 12,00 €.
Ce n’est pas précisément un catalogue dans la mesure où l’on ne retrouve pas l’intégralité des documents exposés mais il complète et prolonge parfaitement l’exposition par les photographies d’œuvres in situ et la brève bibliographie "pour en savoir plus" qu’il contient. Manquent en revanche, selon moi, des reproductions de ces émouvants devoirs d’élève exposés, portant le nom de leur auteur, la date (1906, je crois…), la note et l’appréciation de l’instituteur, et surtout des images de l’exposition elle-même. Si l’accrochage mural est relativement banal, la scénographie de la salle principale aurait mérité d’être montrée: outre le tableau de classe portant la date du 22 octobre – jour inaugural de l’exposition – flanqué d’un authentique bonnet d’âne dont peuvent se coiffer les visiteurs avant de se faire photographier, amusant clin d’œil à tous les cancres d’hier et de demain, j’aurais aimé voir figurer dans ce petit livre l’un de ces ingénieux pupitres à la fois ludiques et pédagogiques, bien plus jubilatoires à explorer que n’est, à lire, un simple panneau explicatif comme on en voit partout. Celui qui m’a le plus amusée propose de retrouver "à l’aveugle" les senteurs propres aux classes d’antan: plusieurs casiers muets sont encastrés dans le plateau, dont il faut soulever le couvercle pour découvrir par l’odorat l’effluve qu’ils tiennent enfermé – et si l’on échoue à l’épreuve de reconnaissance olfactive, il suffit de glisser le regard sous le couvercle pour identifier ce que l’on vient de sentir. Parmi ces odeurs d’autrefois, celle de la colle blanche, du cartable de cuir, de l’encre de Chine…

Lorsque, dépassant le ressenti-réflexe – "j'aime/je n'aime pas" –, on souhaite approfondir sa compréhension de l’œuvre d'un peintre, ou d'un sculpteur, on se plonge volontiers dans l'étude de ses croquis, de ses travaux préparatoires et autres notes d'atelier afin de suivre, en amont de la toile ou de la sculpture aboutie et montrée, le cheminement de sa recherche, l'évolution de ses intentions. Et souvent, à partir de ces documents compulsés, des considérations d'ordre esthétiques nées de leur examen, l'on s'engage dans une recréation quasi romanesque d'une genèse; on imagine, un récit se construit... Peu à peu l'on croit voir émerger l'homme des fruits de son art.

L'on percevra pareillement quelque chose de la démarche, des méthodes d'un professeur d'arts plastiques à travers les travaux de ses élèves lesquels, outre qu'ils expriment certains aspects de la personnalité, du talent de leur auteur, laissent aussi transparaître un peu de la "guidance" du maître. Aussi la plupart des enseignants veillent-ils à exposer régulièrement les réalisations de leurs élèves, certes pour valoriser la créativité de ces derniers mais aussi pour se donner l'opportunité de présenter leur enseignement afin, peut-être, de susciter des vocations chez les visiteurs.

Ainsi les professeurs de l’Atelier Grenelle (7, rue Ernest Psichari – 75007 Paris) exposent-ils, du 8 au 13 novembre 2013*, une sélection de dessins, peintures et sculptures réalisées par leurs élèves au cours le l'année écoulée.

Si j'ai à cœur de mentionner cette exposition-là quand bien d'autres du même type sont à voir tout au long de l'année, c'est parce qu'un des professeurs de l'Atelier Grenelle est une amie, souvent évoquée ici: Marie-Annick Jagu, dont j'ai quelques fois suivi les cours, parfois comme élève (munie d'un appareil photo au lieu d'un bloc de croquis), parfois comme simple observatrice ‒ toutes expériences qui m'ont beaucoup apporté. Je m'efforce donc, chaque fois que je le peux (et que la plume répond à mes sollicitations), de témoigner des singularités de son approche, de l'enrichissement que l'on peut retirer de ses "leçons de voir". Ainsi ai-je déposé il y a peu un "avis", sur la page qu'elle s'est créée ici, sur le site CoursAvenue, que d'autres "avis" entourent, et complètent. Les œuvres de ses élèves à découvrir dans cette exposition achèveront de préciser ces écrits et montreront concrètement comment ses incitations, assorties de conseils techniques, fécondent leurs dispositions...

Je profite de cette "brève" pour rappeler qu'en plus de ses cours à l'Atelier Grenelle Marie-Annick propose des séances "hors les murs", régulièrement au Jardin des Plantes et au Louvre, ponctuellement en bien d'autres lieux de la capitale, à l'occasion de projets aussi variés qu'originaux – le dernier en date était une "journée de création" articulée en deux temps: matinée de croquis au Petit Palais, suivie, après la pause déjeuner, d'une séance en atelier où les stagiaires, disposant du matériel de l’Atelier Grenelle, élaboraient une œuvre à partir des ébauches du matin, guidés dans leurs choix et décisions par la parole efficace et bienveillante de Marie-Annick.
Voir son site sur cette page.

* Marie-Annick, l'Atelier Grenelle et leurs élèves exposent une sélection d’œuvres à la mairie du 7e arrondissement (116 rue de Grenelle - 75007 Paris), salle Béatrice de Broutelles.
Du vendredi 8 au mercredi 13 novembre de 11 heurs à 18 heures (sauf dimanche 10 et lundi 11 novembre).

Vernissage: jeudi 7 novembre, à partir de 18 heures.