C’est elle d’abord que l’on voit: tendue sur ses cinq cordages d’un bout à l’autre de la diagonale du plateau, pareille à un éventail à demi ouvert, à moins que l’on songe à une longue main gracile sur laquelle reposeraient des écharpes légères prêtes à capter le vent. Une grand-voile poétiquement étrange faite de trois larges bandes blanches un peu incurvées, creusant des béances entre elles et comme des vagues entre les cordes. Au sol on devine trois corps ramassés. On devine parce que la lumière est chiche: le plateau baigne dans une pénombre à peine éclaircie. On entend un souffle, une respiration – le chant ombreux du sommeil. Peu à peu les corps se meuvent, s’étirent. Est-ce l’éveil? Longtemps, longtemps dure cet éveil, cette émergence. On croit que c’est le début de quelque chose, que le rythme va s’accélérer alors qu’en fait – et je me dis cela bien après avoir assisté au spectacle – rien ne commence, il y a juste une dynamique amorcée qui se poursuit, au long d’une étonnante bande sonore qui fait entendre des sons, des bruits, des musiques sans mélodie et s’interrompt souvent. Le silence, comme la voile blanche, occupe une place prépondérante dans le spectacle. C’est un silence plein. Je pourrais presque écrire "sonore" tant il est signifiant.

Aux silences de la bande sonore semble répondre la lenteur des mouvements et des gestes. Une lenteur constante qui va de l’immobilité à la frénésie – car elle s’invite en de certains moments où les déplacements ont une sorte de profondeur qui les ancre dans une durée alors qu’ils sont extrêmement rapides. C’est une lenteur admirable, tout en souplesse mais où l’on sent concentrée une parfaite maîtrise corporelle. C’est une lenteur qui pense, contemple, prend la mesure de l’environnement et s'imprègne de ce qu'il offre afin que le danseur interagisse avec lui, toujours en justesse.

 Silences et lenteur mesurée fonctionnent en harmonie avec la pénombre dans laquelle baigne le spectacle. La lumière est chiche. Rare. Parcimonieuse. Mais admirablement posée, juste là où il faut, là où l'intention dramaturgique le requiert. Tandis que dans l'ombre... dans l'ombre beaucoup se choses se passent et le spectateur doit être un acrobate du regard pour suivre à la fois ce que la lumière claire met en évidence et ce que l'obscurité, bel ostensoir, montre en le dissimulant.

Cette ombre ambiante met aussi en valeur le magistral usage qui est fait de la projection vidéo: des images noir et blanc qui semblent très anciennes, qui "grattent" un peu, sont projetées à deux ou trois reprises sur les pans de la voile; elles en épousent très exactement les surfaces et ne débordent en nul endroit. Les images mobiles fusionnent avec les morceaux d'étoffe, se confondent avec chacun d'eux et leurs respirations. Des silhouettes parfois se mêlent en ombre chinoise aux images d'autrefois. Les univers se brouillent – celui du film, celui du plateau... à l'entre-deux, les spectateurs contemplent.

Les interprètes ne disent pas de texte – mais l’on entend un long chant plaintif, et çà et là, des cris poussés, en deçà du langage – rage? Désespoir? Folie…? La bande sonore est déroutante qui, aux bruits du monde, mêle ou juxtapose des sonorités musicales mais sans véritable mélodie.  La chorégraphie, manifestement, ne mime pas… Les repères figuratifs si l’on veut sont estompés et je ne crois pas qu’un "récit" à proprement parler soit à identifier. Il s’agit plutôt de suggérer des situations humaines – l’exil? Les interminables traversées des premiers navigateurs? Une allusion aux temps primitifs? – qui, mises bout à bout, formeraient une sorte de métaphore de l’histoire de l’humanité. Mais d’une humanité croyante, qui aurait foi en son salut ou, du moins, en son avenir car le spectacle s’achève en une magnifique apocalypse: simultanément ou presque, une vive lumière inonde le plateau, la mélodie surgit dans la bande sonore – significativement à travers une mélopée probablement amérindienne qui glisse ensuite vers un alléluia limpide – et les deux danseurs s’emparent d’un pan de la voile, piqué sur des tiges de bois et transformé en une sorte de bannière, pareil aussi à ces dragons de papier que l’on mène en procession lors de grandes fêtes asiatiques, qu’ils brandissent à bout de bras tandis qu’ils arpentent la scène en tous sens. Suivant leurs pas, la danseuse évolue sous la toile blanche en déployant à deux mains la traîne sombre de son costume. Voile d’aurore vers le ciel, et vague d’ombre au sol… Final resplendissant: c’est, véritablement, une révélation. Et ce qui a précédé le chemin qui, sans faille, y mène.

Envoûtant, tout en secret, ce spectacle donne plus à deviner qu’à voir – il faut scruter l’ombre, écouter respirer les silences, et déceler ce qui se meut dans les lenteurs, les immobilités. Sans se laisser surprendre par les accélérations qui donnent sa densité à l’ensemble. La pièce est à l’évidence parfaitement architecturée, et rythmée avec soin. Cependant sa logique n’est manifestement pas celle de la narration ordinaire; et ce n’est pas par l’entendement qu’on apprécie L’Eterna Girandola, mais par cette part de soi qui est sensible au sacré, au mystère – aux replis obscurs et insondables qui drapent toute chose, même celles que l’on croit bien connaître.

Comme Romanze, L'Eterna Girandola est une création de la compagnie Blicke. Ce sont pourtant des pièces très différentes – l’on pourrait dire, je crois, que Romanze est à L'Eterna Girandola ce que la peinture figurative est à la peinture abstraite. On sent à travers elles, s’exprimer deux personnalités artistiques bien marquées – Romanze est une chorégraphie de Virginia Heinen, L’Eterna Girandola d’Enrico Tedde. Mais l'on sent aussi, en profondeur, des similitudes, par exemple dans la maîtrise du mouvement, dans les rapports qui sont tissés entre danse et musique, ou encore dans l’utilisation de l’espace, dans l’art de la construction… Ce qui ne surprendra pas puisque les deux danseurs-chorégraphes, ayant en commun une partie de leur parcours, sont les cofondateurs de la compagnie Blicke.

L’Eterna girandola – création 2011
Conception et mise en scène:
Enrico Tedde
Chorégraphie et interprétation:
Jordi Puigdefabregas, Enricco Tedde, Mariangela Siani
Création lumière et vidéo:
Damiano Foà
Musique originale et bande sonore:
Giorgio Tedde
Costumes:
Florence Bonhert
Durée:
1h10
Création de la compagnie Blicke
 

Spectacle représenté du 19 au 22 janvier au Théâtre du Lierre – 22 rue du Chevaleret, 75013 Paris. Tél. : 01.45.86.55.83

Une histoire d’amour exceptionnelle et banale à la fois, passionnelle et conflictuelle, d’une violence tendre – ainsi est présentée la pièce Romanze... A-t-on remplacé le "c" par un "z" plus crissant pour mieux faire entendre les frictions inhérentes à la relation de couple?
On ne voit d’abord que le décor en coin, au bord du plateau: deux parois perpendiculaires barbouillées de larges à-plats de peinture bleutée, pareilles à un bras plié enlaçant une paire de fauteuils recouverts d'un drap. Une échelle est adossée à l'un des "murs", percé d’une porte; l’autre arbore un tableautin représentant une pomme, tout petit mais si visible! ô le fruit signe-de-couple! la pomme à croquer, la pomme de discorde – mais "ceci n'est pas une pomme" puisque c'est un dessin! et cela n'est pas une histoire de couple puisque c'est un spectacle de danse-théâtre... Il n’empêche: c’est bien un couple qui se révèle peu à peu au fond du plateau, dans l'exact prolongement diagonal de ce petit bout de pièce à vivre. Une forme indéfinissable est lovée au sol qui très lentement commence à se mouvoir; ce sont deux corps étroitement embrassés. Il n’est pas question de préliminaires, le couple est déjà constitué. On le rencontre d’emblée dans sa plus belle phase, l'absolue fusion. Puis, de reptations en reptations, dans l'imperceptible bruissement des vêtements, des corps glissant l'un sur l'autre et caressant le sol, les deux qui paraissaient ne faire qu'un se séparent, se distinguent. S'engagent dans un lent ballet et commencent ainsi à écrire leur histoire duelle...

qui se déploie au long d’une bande sonore a priori surprenante, s’ouvrant sur l’andante du Nisi Dominus de Vivaldi, puis allant vers Marin Marais, Tom Waits, et des morceaux aux sonorités résolument contemporaines composés par Filippo Zamponi. Cet éclectisme à aucun moment ne choque l’oreille; la juxtaposition de registres et de genres musicaux si différents n’a rien d’improbable. Sans doute doit-on cette harmonie aux talents du compositeur qui, en plus d’avoir inclus ses propres compositions, a su penser la succession des morceaux et l'habiller d’arrangements judicieux. Mais cette harmonie musicale que l’on ressent par-delà l’apparente disparité des genres vient probablement, aussi, de ce que la chorégraphie est toujours en phase avec la musique. Sans l’illustrer ni l’épouser ou la suivre, la danse entretient cependant avec la musique un rapport étroit – un peu comme si les gestes des danseurs donnaient un visage à la musique, un visage mobile et expressif dont les traits changent, allant du sourire à la grimace amère. Outre cela, le spectacle est beau de la manière dont les interprètes utilisent l’espace, manipulent les éléments du décor, tous mobiles, et disent des extraits de texte – dont la palette est elle aussi très éclectique: l'on entend Dante, Shakespeare, Musset... et Régis Jauffret – comme s’ils jouaient d’accessoires. Ils voyagent à travers tout le plateau et font voyager avec eux les objets, les mots, les gestes… et les émotions.

L'on va de l'harmonie fusionnelle à l'affrontement avant que revienne la concorde – différents états ont passé et lorsque l'homme et la femme se retrouvent enfin, quelque chose de nouveau commence; ce n'est plus la fusion du début. Il y a eu évolution, donc une narration est à suivre. Pourtant ce n'est pas tout à fait une histoire qui est racontée, plutôt un cheminement émotionnel avec ses pics et ses creux, ses aléas: des états d'âme et de corps se succèdent, admirablement exprimés dans toutes les nuances de leurs variations et de leur intensité par la chorégraphie et la mise en scène. Cette succession se déploie tout en fluidité, comme est fluide la gestuelle des danseurs, marquée au sceau du Kinomichi – une technique corporelle dérivée de l'Aïkido, sur laquelle se base la recherche chorégraphique de la compagnie Blicke. Sachant que le nom "Aïkido" peut se traduire par "voie de la concordance des énergies", on comprend d'où provient cette harmonie, cette souplesse dans les interactions des danseurs, et ce jusque dans l'affrontement où, au lieu que les deux êtres en état d'hostilité se heurtent et fassent hiatus ils se coulent l'un par rapport à l'autre; leur opposition est claire, forte, mais on sent que dans l'opposition leurs énergies respectives se rencontrent, se complètent, circulent de conserve.

Confrontations glissées, accords fusionnels... Une sismographie amoureuse que cette approche du mouvement et des interactions corporelles exprime idéalement.

Romanze - création 2011
Chorégraphie:
Virginia Heinen, avec la collaboration de Martin Grandperret
Interprétation:
Martin Grandperret, Virginia Heinen
Bande sonore, arrangements et compositions originales:
Filippo Zamponi
Décor:
Jean-François Frering (construction) et Anne Masquida (peinture)
Créations lumière et vidéo:
Damiano Foà
Durée:
1 heure

Création de la compagnie Blicke

Spectacle représenté du 12 au 15 janvier au Théâtre du Lierre - 22 rue du Chevaleret, 75013 Paris. Tél.: 01.45.86.55.83.
Et du 19 au 22 janvier, un second spectacle de la compagnie Blicke est à découvrir,  toujours au Théâtre du Lierre, L'Eterna girandola.

Je connais Marie-Annick Jagu depuis une dizaine d’années. Nous nous sommes rencontrées grâce à la photo et au tatouage. J’étais alors entre les mains d’un artiste tatoueur de grand talent qui m’encrait le dos, et elle, peintre et professeur d’arts plastiques, venait régulièrement au studio pour photographier – les gestes surtout s'il m'en souvient bien. J'avais l'intention de suivre des cours d'initiation à la photographie argentique noir et blanc, aussi une relation s'est-elle tout naturellement nouée. Je dois à Marie-Annick, entre autres choses précieuses et mémorables, mes premières expériences de modèle vivant. Puis de passionnantes séances où je photographiais ses élèves en train de peindre ou de dessiner. J’ai aussi été son élève, tâchant de traiter en photo ce que les autres abordaient par le dessin. En toutes circonstances, que j’aie été modèle, photographe-observatrice, élève… ou simplement amie prenant un café avec elle, sa compagnie et sa conversation m’ont enrichie, aussi bien humainement que dans la conduite de mes recherches photographiques ou dans l’approfondissement de mes connaissances artistiques. J’aimerais la remercier pour tout cela. Alors j’ai imaginé de rendre compte, en images et en textes, de quelques-uns des cours qu’elle donne hors de l’atelier – au Louvre, au Jardin des plantes, en de multiples autres lieux de Paris qu'elle aime ou qu'elle a envie de découvrir et de faire découvrir…

Voir, dessiner, écouter – et entendre

Marie-Annick apprend à voir. À poser son regard à côté de là où on a l’habitude de le poser et à adopter un point de vue qui, dès le croquis, permet de dépasser l’imitation, la reproduction. Pour inculquer ce réflexe neuf, elle énonce des sujets parfois déconcertants dont on se sent fort embarrassé de prime abord – par exemple: "Où voyez-vous du vide autour de vous? où allez-vous choisir de placer ce vide dans votre dessin?" Et l’on n’y répond pas toujours, croyant pourtant s’y tenir de près… parce qu’on aura entendu l’énoncé de travers, ou plutôt parce que la compréhension se sera heurtée à l’un ou l’autre des mille blocages de toute nature qui entravent l’esprit et surgissent justement dans la façon dont on réagit à ses propositions. Une fois le travail achevé, elle parlera autant de cela avec l’élève que de la justesse de telle ligne, de l’écart qui, en cours d’exécution, se sera creusé entre le résultat graphique et l’intention de départ… En plus d’être professeur, elle est un regard et une âme sensibles à tout ce qui se joue/se noue/ se dit entre les êtres, entre les êtres et les choses, entre regardants et regardés… toutes interactions qui conditionnent le geste créateur. C’est leur expression dans le dessin (le croquis, la peinture, la photo…) qu’elle s’efforce de révéler à ses élèves. À l’image de ces tissages, les pistes de travail qu'elle indique invitent à étudier des rapports plutôt qu’à imiter ou reproduire motifs et figures: jeux de vides et de pleins, d’ombres et de lumières, de lignes droites et de courbes, mélanges de textures et/ou de matières, etc. Elle-même se fait élève pendant les séances en extérieur; carnet et crayon en main, elle croque et dessine. Mais ne quitte jamais sa casquette de professeur et, tout en dessinant, elle s’approche tour à tour de chaque élève qu’elle conseille, guide et soutient – sans imposer aucune option: elle tâche juste de révéler au dessinateur ce qu’il est en train de faire et de lui suggérer ce qu’il convient de corriger pour que le trait corresponde à l’intention avouée. Les séances durent environ deux heures. Elles se concluent par une petite réunion où chacun montre ses réalisations et parle de ses éventuelles difficultés, de ce qui l’a gêné ou au contraire motivé… Ces échanges, toujours très riches, nourrissent autant l’attitude plastique, l’imaginaire créatif, que la dimension humaine de l’être.
Suivre les cours de Marie-Annick, c’est prendre une leçon d'ouverture et de vie.

Mercredi 5 janvier 2011. Antiquité et clair-obscur

Les cours du mercredi ont lieu au Louvre, en soirée – de 18 heures à 20 heures. Pour la première séance de l’année, le rendez-vous avait été fixé à l’entrée du Hall Napoléon, où se tient actuellement l’exposition "L’antiquité rêvée – Innovations et résistances au XVIIIe siècle". Arrivée avant l’heure dite, Marie-Annick a parcouru les salles afin de prendre la mesure de ce qui est exposé et de ce que l’ensemble peut inspirer comme thème de travail. Nous bavardons un peu en attendant les élèves. D’emblée, elle me glisse que ce type d’exposition, ce n’est vraiment pas sa tasse de thé… mais qu’elle a néanmoins vu beaucoup de pièces intéressantes. Comme pour faire écho à cette tasse qui n’est pas de son thé favori, elle constate en fouillant dans son sac qu’elle a oublié ses lunettes et que tous ses carnets de croquis sont pleins. Sauf un. Ouf… Quatre élèves doivent être de la partie: Andréa, Hélène, Monique et Muriel – toutes des habituées que Marie-Annick connaît depuis longtemps. Un petit quart d’heure est nécessaire pour que le groupe soit au complet. Il est temps alors de découvrir le sujet de la soirée… Il s’agira d’observer les différentes formes de clair-obscur – "Comment passe-t-on de l’ombre à la lumière, du foncé au clair? Brutalement, de façon très contrastée? ou au contraire dans la nuance, tout en douceur?" – aussi bien dans les œuvres elles-mêmes que dans les salles, où la scénographie de l’exposition et les éclairages génèrent des jeux d’ombres qui méritent l’attention.

Observer d’abord, puis transposer ces clairs-obscurs dans son dessin, et garder nettes à l’esprit les motivations de ses choix – pourquoi telle œuvre, tel contraste, et pourquoi telle traduction graphique: voilà ce qui va sous-tendre la séance. Comme souvent, l’énoncé du sujet suscite la perplexité, et quelques sourires désenchantés – un objet bien encombrant que cette invitation au dessin, semble-t-il…

Je n’avais quant à moi aucune raison d’être troublée par le sujet, n’étant pas là pour le traiter mais pour tenter de saisir la façon dont Andréa, Hélène, Monique et Muriel allaient s’en emparer. J’avais si fort pensé au type de photos que j’allais faire que j’avais mentalement construit quelques images avant même d’arriver au Louvre et d’être en situation de les réaliser. J’imaginais des prises de vue qui puissent montrer le regard de l’élève, sa direction, son intensité, l’émotion en train de passer dans un plissement d’yeux… des prises de vue qui fixent le geste-dessin, la main en suspens pendant que la "chose vue" se taille la route de l’œil à l’esprit puis de l’esprit au bout des doigts, ou bien le crayon courant à toute vitesse sur la feuille de papier pour que le trait colle au plus près de l’intention juste surgie – et je visualisais sans peine ce que je devais chercher à obtenir: un beau flou dynamique traduisant le mouvement tandis que se devine, sur la surface de la feuille, le net du dessin déjà tracé. Mais il me fallut très vite renoncer à tout cela: quelques tests avec mon appareil argentique m’indiquèrent que la luminosité était trop faible pour que je puisse travailler confortablement sans pied, en ouverture et vitesse moyennes – je ne suis pas assez habile pour obtenir des images de qualité à main levée en dessous du soixantième de seconde, et je ne songeais pas à me satisfaire des images sans profondeur de champ qu’aurait engendrées une ouverture maximale. Et je n’avais pas envie non plus de pousser la sensibilité de mon film – je n’imaginais pas, pour le propos qui était le mien ce soir-là en tout cas, des images à la granularité très prononcée.
Ma déconvenue était cependant tempérée par la perspective de pouvoir utiliser, par défaut, mon appareil numérique. Eh bien non: de cela il ne fut pas question non plus car il est précisé, à l’entrée de l’exposition, qu’il est interdit de photographier, même sans flash… J’en fus toute déstabilisée, ne sachant plus, alors, comment j’allais établir ce premier "carnet de cours" dont Marie-Annick avait accepté le principe avec, je crois, un certain enthousiasme…

Je réussis néanmoins à "voler" quatre images avant d’être réprimandée par un gardien. Marie-Annick eut beau me montrer – discrètement cela va de soi – comment prendre des photos sans en avoir l’air, je renonçai, tout bonnement, à photographier. À la réflexion, je me dis qu'en insistant un peu, en promettant de ne pas viser les œuvres et de me borner à photographier les élèves et leur professeur, j'aurais peut-être pu infléchir la rigueur du gardien. Mais non. Je ne m'y suis pas risquée, et j'ai simplement visité l'exposition, tout en restant à l'affut de ce que faisaient les dessinatrices quand mes déambulations rencontraient les leurs, curieuse de voir ce que leur inspirait le sujet.

Je croisai d’abord Monique, contemplative devant une grande toile mais sans carnet ni crayon: elle préfère voir l’exposition dans son entier avant de déterminer ce qu’elle va dessiner. Un peu plus loin, Andréa, assise juste en face d’une toile de Giuseppe Cades, Ulysse jouant de la lyre, scrutait le tableau avec attention. C’est le contraste entre la forte clarté jetée presque au milieu de la toile par le corps d’Ulysse, assis de trois quart, portant une tunique claire lui découvrant l’épaule, et le reste de la scène, tout en tons sombres, qui l’intéresse. Sur son carnet l’esquisse a pris forme. Et Marie-Annick, assise près d’elle, commente déjà son dessin: pour que son traitement du clair-obscur soit juste, il lui faut tenir compte d’un autre type de contraste dont seule la couleur peut jouer, l’opposition entre tons chauds et tons froids – car la tunique d’Ulysse, d’un blanc très légèrement bleuté, qui lui permet de rester visible sur la peau très blanche mais d'un blanc plus rosé, est bordée sur un côté par une étoffe rouge foncé. Andréa qui travaille au crayon noir doit donc trouver un moyen de traduire en nuances de gris ce jeu particulier de tonalités.

À visiter cette exposition, présentant quelque cent cinquante œuvres – tableaux, dessins, gravures, sculptures, meubles et objets décoratifs – le temps a vite passé et, tandis que je rêvassais en quelque point du parcours, tout d’un coup Marie-Annick passa en hâte derrière moi, me soufflant que le cours s’achevait et qu’elle partait à la recherche des autres élèves – tout le monde devait être réuni en une dizaine de minutes pour le petit bilan de fin de séance. Celui-ci fut assez bref: l’inspiration semblait avoir un peu manqué aux élèves – ainsi Monique n’a-t-elle, en définitive, rien dessiné; elle a profité du temps imparti pour s’attarder à son gré au long des salles, mais n’a pas sorti son matériel – le clair-obscur ne l’a pas vraiment passionnée. En revanche, les pieds, ceux des figures peintes ou sculptées comme ceux des éléments de mobilier, l’ont fascinée…
Après un rapide coup d’œil aux carnets de chacune et le dévoilement de ce qu’elle-même avait fait – une série de dessins au feutre noir, aux tracés assez durs, traduisant les ombres très accusées que les éclairages créent sur les sculptures et autour d’elles – Marie-Annick remarqua tout d’abord que le sujet posé entraînait inévitablement à s’interroger sur la notion de contour, que l’on a envie de tracer sous le coup d’une première impulsion surtout quand on s’intéresse aux clairs-obscurs fortement contrastés. Alors qu’il n’y a pas de contours à proprement parler dans la réalité, seulement des masses et des surfaces qui se distinguent les unes des autres par leurs couleurs, leur matière, etc. Que doit donc dire le dessin de cela? Mais ce n’est pas le thème du cours, ni le travail graphique qui occupa majoritairement la conversation; celle-ci s’orienta assez vite sur le contenu de l’exposition, sa conception, son intérêt… et se termina par la présentation de la prochaine séance.

Je quittai le Louvre évidemment déçue de n'avoir pu mener où je le voulais mon projet photographique – quand je me heurte au principe de réalité, il m'est difficile de reprendre pied. Mais comblée malgré tout car j'ai appris des choses qui comptent pour moi et j'ai aussi compris – j'y reviendrai sans doute, ailleurs – pourquoi prendre des photos à la sauvette ne pouvait pas me contenter.
Au sortir du musée, j'avais conservé intact ce réflexe de brandir mon appareil numérique dès que j'aperçois une image qui m'intéresse. Par exemple, cette façade illuminée, dressée dans la nuit au-delà des structures de métal et de verre de la pyramide... 

Marie-Annick enseigne à l’atelier Grenelle (7 rue Ernest Psichari – 75007 Paris. Tél. : 01.47.53.97.54).

En vous connectant au site de l’atelier, vous accèderez à ses pages et découvrirez les jours et heures de ses cours (en atelier et en extérieur), ainsi que le tarif des séances. Vous pouvez aussi la joindre directement au 06.85.67.25.44. 

Précision qui a son importance: l'enseignement de Marie-Annick est basé sur la méthode Martenot.

Attablée dans un café, devant un thé chaud bien réconfortant quand, dehors, sévit un froid vif, j’attends en rêvant, n’attachant ma pensée à rien, les yeux errant au-dehors. Derrière la baie vitrée la vie urbaine défile, vibrante – la circulation automobile est dense, les bus peinent un peu malgré les couloirs qui leur sont réservés, les gens passent. Emmitouflés, le nez levé cependant pour ne rien perdre du soleil qui sourd à grands flots d’un ciel clair et dégagé. Qui est-elle cette dame qui tout d’un coup s’arrête un instant, hésite, le temps de regarder à l’intérieur, puis repart? Je la découvre en visualisant la photo numérique que je viens de prendre – je visais les jeux de reflets entre vitre et objets réfléchis, sans remarquer, en déclenchant, qu’au milieu de ces images troubles s’encadrait à merveille une passante, floutée juste ce qu’il faut pour évoquer le vacillement, la fugacité. Et les mystères d’une existence qui m’est inconnue et que je pourrais tout à loisir recréer pour en écrire l’histoire, ou pour en faire l’élément d’un roman plus ample qui graviterait autour d’elle.

Mais je ne suis pas écrivain, et cette femme, dont je ne peux m’empêcher de penser qu’elle a le regard fixé sur moi depuis cet autre côté du temps fixé d’un coup de déclencheur, restera un amas de pixels, sans histoire et sans nom, emprisonné là quand je croyais ne viser que ces verres alignés ressemblant à des corolles de crocus…

La compagnie À fleur de peau, fondée en 1988 par Denise Namura et Michael Bugdahn, poursuit sa résidence au Théâtre du Lierre. Un lieu, un temps privilégiés pour travailler à la création d'un nouveau spectacle, Ça s'appelle reviens, en tester les prémices auprès du public et en même temps faire œuvre de pédagogie à travers conférences et stages.

Stages? Deux sont programmés pour les prochains mois, l'un du 31 janvier au 4 février 2011, "Des mots qui bougent", et le second du 7 au 11 mars, "La mise en forme du discours chorégraphique". L'enseignement se déroule de 10h15 à 14h15, et le coût du stage, par personne, est de 160 €. Renseignement et inscriptions se prennent auprès de la compagnie À fleur de peau, au 06.03.22.20.60.

Du 15 au 19 décembre, on a pu voir quelq ues bribes de Ça s'appelle reviens, offertes en première partie d'une reprise de Villa, fantaisie onirique, pièce créée en 2009 à l'occasion du cinquantième anniversaire de la mort du compositeur brésilien Heitor Villa-Lobos.

Revoir cette Fantaisie qui, l'an passé, ne m'avait pas séduite, a été une sorte de révélation... J'ai saisi l'étroitesse des liens entre gestes, musique, texte, vidéo qui hier m'avaient échappé; je pense avoir mieux compris la pièce et, par là, mieux cerné la façon dont la compagnie conçoit ses spectacles. J'ai le sentiment que les chorégraphies de Denise Namura et Michael Bugdahn relèvent, non de la danse pure mais d'une danse narrative empruntant au théâtre, très proche du mime ou de l'expression corporelle. Le "style" de la compagnie s'émaille d'un certain humour de geste et de posture qui évoque souvent le cinéma burlesque – mouvements saccadés, pas "en canard"... - dont je n'avais pas perçu la tonalité à la fois tendre et drôle, délicate surtout. Cette gestuelle assez singulière, réellement attachante, confère aux pièces une poésie particulière que je n'aurai appréciée qu'après "y être revenue" mais dont le charme conquiert au premier coup de très nombreux spectateurs. Cette seconde vision m'aura rafraîchi le regard, et là où je m'étais hier sentie étrangère je fus, cette fois, non pas emportée ni subjuguée mais présente, pleinement là, tout à l'événement scénique. Ainsi l'architecture de Villa m'est-elle apparue, avec ses séquences récurrentes qui à chacun de leur retour changent subtilement et marquent l'évolution de la narration. Relayées par le fonctionnement en écho de plusieurs motifs – mots, accessoires, phrases musicales – elles structurent un véritable récit, certes fantaisiste et quasi surréaliste mais très construit et c'est un vrai bonheur que de percevoir ce déroulement dans toute sa cohérence. Sans parler des interprètes, remarquables, qui semblent évoluer dans la joie d'un rêve poursuivi envers et contre tout – "Mon rêve le plus cher serait..."  L'un d'eux surtout m'a fascinée, Alex Sanders dos Santos qui est un bel acrobate au visage formidablement expressif; il incarne brillamment un ensommeillé perpétuel qui, oreillers sous les bras quand il ne parvient pas à en glisser un sous sa tête, ne peut pourtant pas dormir: dès qu'il se risque au repos bienheureux,  des incursions oniriques pas toujours agréables viennent le troubler. De mimiques éloquentes en sursauts bondissants, Alex Sanders dos Santos montre cela, lumineusement, de tout son corps.

Me voilà désormais "en familiarité" avec le travail de la compagnie À fleur de peau. Les extraits de la nouvelle création me rendent curieuse de la découvrir dans son entier. D'autant qu'un intermède a séparé les deux "volets" qui ne laisse pas de m'intriguer; d'une tonalité assez différente, plus dure et sans humour... qu'est-ce donc? Un extrait d'un autre spectacle, ou bien véritablement un intermède qui se glissera dans la trame de Ça s'appelle reviens? Réponse à la saison prochaine, je suppose...

Comme il est de coutume au Lierre, une exposition dans le hall du théâtre accompagne la programmation. Les "Courriers du corps" de Mirella Rosner ont succédé aux toiles de Jannick Chiraux. Depuis plusieurs années, Mirella Rosner récupère les enveloppes des lettres qu'elle reçoit. D'un coup de pinceau encré elle trace sur leur dos, entre adresse et tampons ou bien les recouvrant partiellement, la silhouette d'un corps, et voilà le bout de papier promis à la poubelle sauvé du rebut. Rassemblées en séries cohérentes ou laissées seules, habillées d'un cadre ou posées sur un support, elles deviennent œuvres.
Aux marques successives imprimées par le "trajet" du courrier, Mirella Rosner ajoute la sienne, celle fulgurante d’une "pensée de corps" que, sitôt surgie et visualisée, elle fait courir au-delà de ses doigts jusqu’au bout de ses pinceaux pour la matérialiser en larges traces de couleurs translucides figeant, sur chaque enveloppe, parfois ouverte et dépliée comme une étoffe dont on chercherait à aplanir les secrets, une silhouette segmentée, fixée en une posture solidement affirmée. Plusieurs strates sémantiques ainsi se conjuguent, et les plis infligés au papier par les manipulations plus ou moins précautionneuses – une histoire peut se déceler, ce qui est la moindre des choses pour un objet épistolaire réinterprété par une artiste plasticienne.

La façon dont sont exposés ces "Courriers du corps" dans le hall du théâtre constitue une véritable installation qui, dans son ensemble, "fait sens": de grands panneaux où sont juxtaposées des enveloppes de même format accueillant des silhouettes de même couleur côtoient, en une disposition qui semble mûrement réfléchie, des "solos", enveloppes isolées généralement rehaussées d’un entourage, ou d’un support qui les habille. De loin les corps ont d'admirables proportions, le dessin des postures est net comme une calligraphie. De près on mesure mieux une approximation qui annule toute individualisation. C'est un autre message que l'on déchiffre selon qu'on s'approche ou s'éloigne – selon que le regard s'attache à l'un ou au multiplié... Et elles sont si nombreuses, ces enveloppes encrées, et les silhouettes qu’elles portent si légères, de couleurs si variées que l’on dirait un immense essaim de papillons qui serait venu s’accrocher aux murs du théâtre…

Voyage, transmission, transfiguration – de la missive aux ailes de papillon en passant par l'expression corporelle: l'on ne saurait mieux dire que la danse est l'écriture des corps, et l’adéquation de l'exposition être plus parfaite avec la programmation du Lierre. D'autant que ces "Courriers du corps" seront toujours exposés quand arrivera la compagnie Blicke*.

Oui, l'installation est émouvante, et entre magnifiquement en résonance avec le lieu – ce théâtre promis à la démolition, animé par des gens qui, malgré la fragilité de leur situation, continuent envers et contre tout à tâcher de diffuser leur "idée de la culture", large et ouverte au plus grand nombre – et la programmation chorégraphique. L'intention de l'artiste aussi est belle. Reste que... je me demande tout de même si un amateur d'art consentira à dépenser quelques dizaines d'euros pour acquérir un de ces "solos" de petit format qui, d'une part, perd de son sens une fois extirpé de l'installation, et d'autre part est vendu "sans cadre", alors que ce cadre, choisi par l'artiste, participe selon moi de l'objet artistique...

Première partie: Ça s'appelle reviens

Volet 1: "Lumière blanche"
Conception, chorégraphie et interprétation:
Michael Bugdahn (avec la participation d'Orane Mounier)
Durée:
15 mn

Volet 2: "Objets trouvés"
Conception, chorégraphie et interprétation:
Denise Namura

Entre les deux volets, un intermède composé de deux pièces réalisées par les danseurs de la compagnie, Comme si et Between.

Seconde partie: Villa - fantaisie onirique

Conception et chorégraphie:

Denise Namura et Michael Bugdahn
Musique:
Heitor Villa-Lobos
Texte, bande son et vidéo:

Michael Bugdahn

Interprétation:

Bruno Brazete, Michael Bugdahn, Ana Mariolani, Danila Massara, Denise Namura, Alex Sanders dos Santos

Durée:

40 mn

Les enveloppes peintes de Mirella Rosner seront exposées jusqu'au 22 janvier 2011.
Le hall est ouvert au public du lundi au vendredi de 10 heures à 13 heures et de 14 heures à 18 heures, ainsi que les soirs de représentation.

* Après avoir fait écho au spectacle de la compagnie À fleur de peau,  elles seront encore là, "poste restante", pour accueillir la compagnie Blicke, qui proposera Romanze du mercredi 12 au samedi 15 janvier, puis L'Eterna Girandola du mercredi 19 au samedi 22 janvier 2011.
Jusqu'au bout des danses, les papillonnages des corps...

Théâtre du Lierre

22 rue du Chevaleret

75013 PARIS. Tél.: 01.45.86.55.83